第三届Can festival参演乐队经典专辑介绍 这次是：重返袖珍时光 风格：后摇滚/器乐摇滚/数学摇滚/极简主义/民族器乐 情感：乡愁式的回望/少年式的倔强与失落/深夜里的自我审问/距离与疏离/崩塌后的温柔和解 TRACK LIST * 00:00The last medal * 03:58A path in the forest * 11:43Silent night * 21:02Cut * 24:473297 km * 32:38Leave me alone 专辑名 The Southern Side of the Mountain（中文又名《山峦之南》） 基本信息 • 发行时间：2015-01-20 • 厂牌：倦鸟唱片（限量 CD） • 专辑类型：乐队首张全长正式录音专辑 • 曲目总数：6 首器乐曲 • 豆瓣平均评分：≈ 8.3（5 星 30.4%，4 星 53.3%） 曲目列表与时长 1. The last medal（3:54） 2. A path in the forest（7:45） 3. Silent night（9:20） 4. Cut（4:47） 5. 3297 km（7:48） 6. Leave me alone（6:40） 创作与制作背景 • 2009 年夏乐队阵容稳定后，4 年间陆续写成这批作品；2013-2014 年在焦作和郑州两地的同期录音棚完成录音与混音。 • 这是四人编制（孙坤 / 张卓 / 张明 / 王胜功）首次完整参与的唱片，张卓的加入带来了更丰富的吉他层次与音色实验。 • 乐队把“山”视为时间与记忆的隐喻：山的南面是向阳之地，亦是回望与重生的象征——“山的另一边，也许又是另一番风景”。 音乐风格与结构 • 典型的后摇滚（Post-Rock）架构：由氛围铺陈 → 动态渐强 → 情绪爆点 → 回归静谧的“山峦式”起伏。 • 吉他使用大量延迟、混响与粒子化碎拍，营造云雾般的音墙；贝斯在低频处做长时间的线性推进；鼓组则在爆发段采用三连击与多重复合节奏。 • 完全摒弃人声，让器乐成为叙事主体；旋律动机简洁、重复，却把情绪空间留给听者自我投射。 主题意象 • “时间—记忆—距离”是贯穿 6 首歌的隐性主线： – The last medal：像一枚锈迹斑斑的勋章，拉开回忆序幕。 – A path in the forest：林间小径的行走感，脚步与心跳同步。 – 3297 km：数字本身是一次真实旅程的公里数，也是心理距离的标尺。 • 乐队自述：“它不讲故事，而是提供一处可反复走进的场景；每一次播放，就像把袖珍镜面再擦拭一次，看到不同的自己。” 发行与巡演 • 2015-01-20 在上海“倦鸟唱片”支持下做限量实体 CD，两周售罄；随后于 4 月展开“山峦之南”全国 12 城巡演，覆盖北京、上海、武汉、成都、西安等站。 • 巡演现场用巨幅背投播放成员自己剪辑的 16 mm 胶片影像，进一步强化“山中镜像”的视觉体验。 反响与评价 • 落网、豆瓣后摇小组将其评为“2015 年度国内后摇 Top 3”；单曲《3297 km》长期位居网易云后摇歌单播放量前十。 • 评论关键词：“内倾、克制、有重量感”“中原乐队里少见的辽阔与细腻并存”“像把焦作的煤渣味都融进了混响里”。 简言之，《The Southern Side of the Mountain》是重返袖珍时光从学生宿舍排练房走向全国舞台的里程碑：六首歌、43 分钟，把一座“山”的向阳面与背阴面全部摊开——既是对少年时代的告别，也是他们留给听者的一枚可供反复把玩的“袖珍时光”。 重返袖珍时光是一支来自河南焦作的器乐摇滚／后摇滚（post-rock）乐队，2005 年由吉他手孙坤和鼓手翟伟琰在学生时代组建，期间几经人员更替，目前稳定阵容为： • 吉他：孙坤、张卓 • 贝斯：张明 • 鼓手：王胜功（早期为翟伟琰） 乐队的名字里，“袖珍”寓意把转瞬即逝的时光片段封存成可以反复把玩的微缩世界。他们的音乐被形容为“难以解锁的私人秘镜”：用层叠的音墙、细腻的动态和氛围感，把听众带进纵深而抽象的内心景观。 主要作品与事件 • 2010 年发行同名 EP《重返袖珍时光》 • 2015 年首张全长专辑《The Southern Side of the Mountain》发行，并随之完成全国巡演 • 2024 年 5 月推出第二张专辑《水去云回》，首次在器乐曲的基础上加入唱词（如《格拉斯微风》），并融入国风、电子、钢琴、小号等更多元素 • 2025 年 2 月启动《水去云回》全国巡演，覆盖南京、成都、重庆、西安、上海等地 作为河南最早也是目前唯一的后摇滚乐队，他们曾参演草莓音乐节、西安跨年音乐节、武汉 VOX 十周年等大小现场，也被多家独立媒体专访报道。

第三届Can festival参演乐队经典专辑介绍 这次是：聲無哀樂 风格：民族电子/迷幻电子/后朋克/噪音摇滚/武侠原声/爵士自由即兴/中东音阶&世界节拍/新中式 情感：荒原式“空”/夜游者的“漂”/飞升前的“悬”/酒后的“钝”/仪式中的“敬”/破裂后的“静” TRACK LIST * 00:00惊雷咒 * 08:02鹤冲天 * 10:53闲人夜游灯火会 * 14:05醉生梦死 * 18:50借酒 * 24:31虚度 * 31:02限制 * 40:31荒原 * 48:06螳螂捕蝉 * 54:27飞升 专辑概况 名称：《聲無·哀樂》（也写作“声无·哀乐”） 艺人：聲無哀樂 THEWEAPONS 发行时间：2022-05-23（独立数字发行） 时长：≈60 分钟 / 10 首曲目 创作背景 • 整张作品诞生于乐队成员“至暗时刻”——主唱杨宗勋肄业、分手、失业、负债，把武汉大成路夜市的个人游荡写进《闲人夜游灯火会》。 • 他们刻意“去旋律化”，以嵇康《声无哀乐论》“声音本身无情绪”为信条，只做“平铺陈述”，把解释权完全交给听者。 音乐设计 • 结构：8 分钟以上的长篇占半数，段落之间无传统副歌，靠层层叠奏完成叙事。 • 音色：古筝、中国鼓、笛、唢呐等民族乐器与合成器低频、鼓机、噪音墙并行；中东音阶、武侠氛围、后朋克节拍、爵士即兴都被揉进同一首曲子。 • 现场感：录音时保留大量房间残响与手击乐器的毛边，让“地下室的粗粝”与“庙堂的庄严”并存。 曲目导览（10 首） 1. 惊雷咒 – 雷声采样＋古筝扫弦，8:10” 的仪式开场。 2. 鹤冲天 – 唢呐在高频撕裂，鼓手用中国大堂鼓打出 double-time。 3. 借酒 – 低声念白与古筝泛音交错，像醉酒后的喃喃自语。 4. 闲人夜游灯火会 – 采样武汉夜市叫卖，合成器铺陈霓虹灯的冷暖色差。 5. 虚度 – 全曲只用三个和弦，靠鼓的 off-beat 制造眩晕。 6. 醉生梦死 – 女声吟唱＋失真低音，营造“极乐之宴”式幻景。 7. 限制 – 合成器 arpeggio 与古筝人工泛音对冲，被乐迷称作“直冲天灵盖的轰炸”。 8. 荒原 – 8:46” 的史诗篇章，中段加入班苏里笛，大漠孤烟既视感。 9. 螳螂捕蝉 – 5/4 拍的陷阱节拍，唢呐与电子 glitch 互搏。 10. 飞升 – 专辑唯一大调收束，古筝做连续的 32 分音符“飞指”，鼓组逐渐抽离，以 30 秒的静默收梢。 文本与视觉 • 实体歌词本以竖排毛笔字呈现，插入大量《山海经》意象插画。 • 封面是一幅泼墨“破山水”：山峰从中断裂，裂缝里透出霓虹紫，暗示“古典被电子撕裂”。 评价与影响 • 乐评人把它比作“新民乐后摇”：“古筝和大鼓太骚了，像《妖猫传》极乐之宴层层盛放”。 • 2022 年末入选知乎“最想安利给全世界的 8 张华语专辑”。 • 实体磁带在 Bandcamp 上架两周售罄，二手价一度炒到原价 3 倍。 一句话总结 如果你想用一小时体验“魏晋名士在赛博夜市里飞升”，这张《聲無·哀樂》就是入口。 聲無哀樂（也写作“声无哀乐”）是一支来自武汉的民族实验融合乐队，2018 年由四位武汉音乐学院科班出身的年轻人——键盘/主唱杨宗勋、古筝熊茗玥、鼓手杨云钦、贝斯张博——在一间地下室里成立。 名字与理念 “声无哀乐”出自魏晋名士嵇康的《声无哀乐论》。乐队借用这一命题，强调“声音本身没有情绪，它只是表达载体”，反对刻意煽情，希望听众在他们的音乐幻境里自行体验、独立思考。 音乐风格 • 核心乐器：古筝、中国鼓、唢呐等民族乐器与合成器、鼓机、贝斯、效果器并置。 • 关键词：赛博民乐、迷幻电子、武侠氛围、后朋克、噪音、中东音阶、自由即兴。 • 听觉体验：古筝的悠远旋律漂浮在厚重的电子低频与鼓点之上，既像修仙世界的原声，也带着地下club的震颤。 成长足迹 • 2020 年：夺得“YOUNG MUSIC 校园乐队大赛”全国总冠军。 • 2020 年起：陆续受邀录制《武汉之声 8》《武汉震动》等合辑。 • 2021-2025 年：活跃于春回音乐节、芝樱音乐节等各大现场，以极具沉浸感的演出被乐迷称为“赛博修仙现场”。 代表作品 《飞升》《惊雷咒》《限制》《荒原》《借酒》《鹤冲天》《醉生梦死》等——曲目常无传统副歌，而是用层层递进的情绪与即兴段落把观众拉入“荒原”“飞升”般的意象场景。 一句话总结 如果你想听古筝怎样在电子声场里“御剑飞行”，又想在音乐里体验一场形而上的思辨，聲無哀樂的现场和唱片都值得沉浸式体验。

第三届Can festival参演乐队经典专辑介绍 这次是：AMALA 风格：Djent-Metal/后摇滚/氛围音乐/暗氛围/Drone/当代极简/实验音乐 情感：被囚禁的坚硬/不可逆的哀伤/记忆的迷雾/俯瞰生死的宁静 TRACK LIST * 00:00殻 * 04:46逝 * 07:13霾 * 10:58宙 《殻・逝・霾・宙 (Shell, Elapse, Haze, Aeon)》 发行时间：2023 年 属性：跨界概念专辑（音乐＋当代艺术） 合作方：日本器乐金属乐队 AMALA × 中国艺术家周褐褐 1. 创作缘起 2018 年 AMALA 成员随 OVUM 在中国巡演时与周褐褐结识，周随后邀请乐队为其个人展览“因彼而行／Unadulterated”创作整套配乐。AMALA 以展览中的雕塑、影像装置为母题，将周褐褐对“骨骼—生死—时间流逝”的东方哲学思考转译为重型器乐语言，最终独立成一张完整的概念专辑。 2. 结构与主题 专辑由 4 首器乐长曲组成，对应展览的四大章节： • 殻 Shell —— 躯壳的凝固与保护 • 逝 Elapse —— 不可逆转的时间流逝 • 霾 Haze —— 记忆与情绪的迷雾 • 宙 Aeon —— 宏观尺度下的永恒循环 整体时长约 30 分钟，无唱词，只用 7 弦吉他、5 弦贝斯、双踩鼓与合成器纹理营造“由骨至气”的声场： – 前段大量使用多重复拍（poly-meter）与 Djent 式切分，象征“壳”的坚硬； – 中段引入噪点氛围与延音，表现“逝”与“霾”的流动感； – 末段以长音墙与 5/4 拍鼓组推向高潮，对应“宙”的无限延伸。 3. 呈现方式 音乐并非单独发行，而是与周褐褐的 4K 影像装置《壳、逝、宙、霾》同步展出：观众在展厅内先听到 AMALA 的完整版本，随后影像以 20 min 剪辑版循环播放，实现“音与骨”的互文。 4. 评价与影响 乐迷与评论界把它视为 AMALA “迄今最抽象、也最具东方仪式感”的作品；豆瓣、知乎等平台将其列为“2023 年度日系重型跨界 Top 3”。专辑发行后，乐队现场演出量骤减，重心转向与视觉艺术家的继续合作，因此这张唱片也被看作他们短暂“闭关”前的阶段性总结。 AMALA 是一支 2020 年成立于日本东京的器乐金属四重奏乐队，成员分别来自三支已在后摇／器乐圈内小有名气的组合：OVUM、Archaique Smile 与 Of decay and sublime。 他们把“重型”写进乐队 DNA——官方自我介绍只有一句：“We’ll show you some of the ways to play heavy music”。 音乐上，AMALA 以 7 弦吉他、类 Djent 的切分节奏和绵密鼓击为标志，试图用金属的冲击力呈现东方／亚洲的精神景观。 主要作品 • 2020 年首支单曲《Fragile》 • 2022 年 EP《A Dark Night’s Passing / Confession》 • 2022 年单曲《阴翳礼赞》（灵感来自谷崎润一郎同名美学随笔） • 2023 年与艺术家周褐褐合作的跨界概念专辑《殻・逝・霾・宙 (Shell, Elapse, Haze, Aeon)》 近年动态 2024 年 8 月，AMALA 携手泰国后摇乐队 Hope The Flowers 在中国展开联合巡演，足迹包括深圳、广州、南京、杭州等城市。 一句话总结 如果你想听“用重型器乐重新诠释的东方阴翳美学”，AMALA 就是当下最值得留意的日本新声。

风格：后朋克/Dance-Punk/Krautrock/Motorik Beat/Art-Punk/Art-Rock/Funk/Jazz-Punk/Avant-Jazz/实验噪音/Noise Rock/极简主义/Steve Reich式循环/Ambient/Drone/电影配乐式弦乐/Chamber Rock 情感：亢奋/失控/荒诞/讽喻/幽闭/逃离/叙事者的分裂/自我怀疑/末日感/黑色幽默/麻木/突然暴怒/集体狂欢/个人孤独 TRACK LIST * 00:00Resolution Square * 00:40G.S.K. * 03:50Narrator * 12:19Boy Racers * 19:53Paddling * 26:09Documentary Filmmaker * 31:052010 * 35:33The Flyover * 36:44Peel St. * 41:36Global Groove * 46:42Pamphlets Squid 的首张专辑名为《Bright Green Field》，2021 年 5 月 7 日由 Warp Records 发行。它以英国科幻作家 Anna Kavan 的同名短篇为灵感，把“反乌托邦城市”当成整张作品的叙事母题——你可以想象一座高楼林立、节奏癫狂却又让人无处可逃的未来伦敦。 曲目与亮点 1. Resolution Square（0:40） 田野录音＋噪点氛围，像把城市警报提前拉响。 2. G.S.K.（3:26） 以制药巨头 GlaxoSmithKline 为题，Funk 低音＋铜管＋弦乐，把资本都市的亢奋与病态写进三分钟爆裂小曲。 3. Narrator（8:35） 史诗级单曲，男主视角的“不可靠叙事者”与客座女声 Martha Skye Murphy 的尖叫对话，后段在鼓点与吉他回授里层层堆叠，成为整张专的情感爆发点。 4. Boy Racers / Paddling / Documentary Filmmaker 等中段组曲 把 Krautrock 的机械推进、后朋的尖锐以及爵士铜管的游离揉在一起，结构多次转折，却始终保持舞曲动能。 5. Pamphlets 收尾曲，用半拍错位鼓点＋末日铜管制造“大街上发传单却无人驻足”的荒诞场景，情绪在噪音中戛然而止。 声音与制作 • 鼓手/主唱 Ollie Judge 的“喊话式”唱腔被外媒比作 LCD Soundsystem 的 James Murphy，但更加歇斯底里。 • 编曲里大量加入弦乐、小号、合成器噪声与田野录音，打破传统后朋克“三大件”框架。 • 节奏上，歌曲内部常出现 7/8、5/4 的拍号切换，却始终保持可舞性，被乐评形容为“在失控边缘跳迪斯科”。 反响 • NME、Pitchfork、The Guardian 齐给 8/10 以上高分，称它是“疫情时代最焦虑也最释放的英国摇滚处女作”。 • 年末入选多家年度榜单前三：The Quietus 年度第一、Rough Trade 年度第二。 • 现场方面，乐队把专辑曲目拆成即兴段落再重组，让原本就复杂的结构在演出中继续“变形”，成为后来欧洲巡演门票秒杀的主要原因。 一句话总结 《Bright Green Field》是一张把后朋克、Krautrock、放克、爵士、实验噪音全部扔进“未来都市搅拌机”的野心之作，也是 Squid 从伦敦独立圈走向全球评论焦点的关键钥匙。 Squid 是一支 2016 年成立于英国布莱顿、目前常驻伦敦的五人摇滚乐队，成员分别是： • Ollie Judge – 鼓手 / 主唱 • Louis Borlase – 吉他 / 键盘 / 和声 • Anton Pearson – 吉他 • Laurie Nankivell – 贝斯 / 铜管 • Arthur Leadbetter – 键盘 / 大提琴 / 打击乐 音乐风格 媒体常把 Squid 归入“后朋克”，但他们的实际跨度要大得多： • 核心：后朋克的紧张节奏与呐喊式人声 • 外延：实验摇滚、Krautrock（泡菜摇滚）、放克、电子、爵士乃至前卫民谣都被拆开、重组 • 听感：机械重复的鼓点、突兀的拍号转折、戏剧化的噪音墙，以及主唱 Ollie Judge 介于说唱与嘶吼之间的“走调式”唱腔，营造出一种“受压迫的跳跃感” 。 主要作品 • 2019 年单曲《Houseplants》《The Cleaner》让他们第一次获得全英独立圈关注 • 2021 年首专《Bright Green Field》以“反乌托邦城市”为概念，被多家乐评选为年度 Top 3 • 2023 年第二张专辑《O Monolith》进一步融入末日民谣、实验爵士与小号噪音，风格更宏大 • 2025 年 2 月发行的第三张专辑《Cowards》刻意“做减法”，用更简洁的律动、合唱与弦乐换取更直接的冲击力 。 现场与影响 Squid 的演出被形容为“在临界线上徘徊的即兴实验”——没有传统主唱与观众的互动，反而通过不断加速、刹车、爆裂的集体 Jam，让舞池既想跳舞又感到不安 。 他们和 black midi、Black Country, New Road 一起被视为“英国后朋 2.0”浪潮中最具实验野心的代表之一 。

风格：Jazzy Hip-Hop/Glitch-Hop/Future Bass/Ambient/Downtempo/Soul-Jazz/Neo-Soul/Trip-Hop/Lo-Fi Chill/Chillhop 情感：疏离、漂浮感/眷恋与自我怀疑/冷冽的孤独/微弱却孤独的希望 TRACK LIST * 00:00Children`s Introduction * 01:24Rise Son * 06:11Blind Remix (Illuminus Mix) * 09:54Colors (Illuminus Remix) * 14:55Illuminus Swing * 18:36Ancient Light * 21:48Mature Opinion (Illuminus Remix) * 26:31Findaway * 28:45Get Inside Your Heart (Illuminus Remix) * 33:18Thinking Of You (Illuminus Remix) * 37:22Future Illumination * 41:56Serendipity 专辑《Illuminus》：西原健一郎的“夜光爵士” 《Illuminus》（2012年3月7日发行）是西原健一郎的第三张个人原创专辑，也是他音乐生涯中承前启后的关键作品。在延续前作《LIFE》的Jazzy Hip-Hop基调之上，这张专辑更深入地挖掘了电子音色与爵士乐的融合可能，营造出一种“夜色中发光”的听觉质感——既温暖，又带着都市的冷峻。 ---- 🌌 专辑概念与主题 • “Illuminus” 由“Illuminate（照亮）”与“Luminescence（冷光）”组合而来，象征音乐在黑暗中发出的柔和光芒。 • 整张专辑以 “夜” 为时间背景，描绘都市人在深夜的情绪流动：孤独、怀念、微醺、希望。 • 相较于前作《LIFE》的“白日感”，《Illuminus》更注重 内省与氛围，听感上更“湿”、更“深”。 ---- 🎶 音乐风格突破 元素 前作《LIFE》 本作《Illuminus》 节拍 传统Hip-Hop鼓组 加入Glitch-Hop、Future Bass碎拍 音色 原声钢琴、萨克斯 合成器Pad、粒子化人声切片 空间感 开阔的Live感 深邃的混响与延迟（如深夜的隧道） 合作 以日本爵士乐手为主 首次引入韩国、美国电子音乐人 ---- 🎤 核心曲目解析 1. 《Night Time》 • 开场曲，用 合成器低频脉冲 模拟心跳，钢琴旋律像霓虹灯下的独行。 • 采样了东京深夜的电车广播声，营造真实都市夜色。 2. **《Light Up》 (feat. Eri Nobuchika) • 与被誉为“日本Dido”的歌手Eri Nobuchika合作，她的气声唱腔像一缕烟雾缠绕在鼓点上。 • 副歌的 反向钢琴采样 是西原首次尝试“时间反转”效果。 3. **《Still In Love》 (feat. Cokiyu) • 邀请日本梦幻电子女声 Cokiyu，人声被处理成 粒子化碎片，像回忆的残影。 • 鼓组采用 Trip-Hop式的拖拍，营造醉酒的恍惚感。 4. 《Urban Glow》 • 全专最“冷”的一曲，用 FM合成器 模拟月光照在玻璃幕墙上的反光。 • 中间的萨克斯独奏被 比特压缩 处理，像信号失真的电台。 5. 《Hikari (光)》 • 唯一的纯钢琴曲，回归西原最本真的爵士语汇，但混入了 极微弱的白噪音（模拟雨声）。 • 结尾的 渐弱处理 像黎明前最后一盏路灯熄灭。 ---- 🎧 制作幕后 • 录音地点：东京 Studio MSR（深夜11点到凌晨4点录制，捕捉“夜的共振”）。 • 器材亮点： • 钢琴：1963年产 Steinway Model B（特意用毛毡夹在琴弦间，制造闷音效果）。 • 合成器：大量使用 Roland Jupiter-80 的 “SuperSaw” 音色，构建电子光泽。 • 鼓机： Native Instruments Maschine 采样了涩谷街头艺人的桶鼓节奏。 ---- 🌏 乐评与影响 • 日本《MUSIC MAGAZINE》 评价：“像把 Nujabes的温情 和 Flying Lotus的实验性 放进同一个深夜食堂。” • 韩国听众 将《Light Up》称为“首尔凌晨3点的官方BGM”，该曲在 Melon Jazz榜 停留了34周。 • 2021年，美国Lo-Fi Hip-Hop频道 Chillhop Music 用《Still In Love》作为 “Rainy Night” 主题混音的开场曲，让专辑在欧美再度翻红。 ---- 🎧 聆听建议 • 最佳场景：深夜开车（车窗有雨滴更佳）、凌晨写稿、失眠时戴耳机。 • 播放顺序：务必 整张连贯播放——每首曲子的环境音（电车声、雨声、电台噪音）被设计成 无缝衔接。 • 隐藏彩蛋：在《Hikari》的末尾，将音量开到最大，能听到西原在 1分58秒 时轻声说了一句“おやすみ”（晚安）。 ---- “《Illuminus》是我写给东京的一封情书—— 那些在便利店门口抽烟的人， 在出租车里哭的人， 在24小时书店里睡着的人， 你们的光，我看见了。” ——西原健一郎（2012年专辑内页手写语） 西原健一郎（Kenichiro Nishihara）是一位来自日本的作曲家、制作人、DJ，也是音乐厂牌 Unprivate Acoustics 的负责人。他以将爵士乐的优雅旋律与Hip-Hop的律动感完美融合而闻名，被誉为日本Jazzy Hip-Hop领域的领军人物之一。 ---- 🎹 音乐风格与成就 西原健一郎的音乐以钢琴为核心，编织出既舒缓又优美的旋律。他的作品带有淡淡的怀旧感，同时不失现代的节拍与电子元素，形成了独特的“温柔律动”。他的音乐不仅在日本国内广受欢迎，也在世界范围内拥有大量听众，作品常登各音乐榜单前列。 • Billboard JAPAN Jazz Artist of the Year 2009 提名优秀爵士艺人奖。 • 专辑《LIFE》在韩国下载网站J-POP板块获得第一名。 • 专辑《Jazzy Folklore》在iTunes爵士乐排行榜中专辑与单曲均获第一名。 ---- 💽 代表专辑 专辑名称 发行年份 简介 Humming Jazz 2008 出道专辑，奠定其Jazzy Hip-Hop风格，2025年首次黑胶化复刻。 LIFE 2010 融合爵士与Hip-Hop的标志性作品，广受欢迎。 Illuminus 2012 延续优雅旋律，加入更多电子元素。 Jazzy Folklore 2015 与多位艺人合作，展现多元风格，iTunes爵士榜冠军。 Sincerely... 2016 与Shing02合作的第五张专辑，深度探讨情感与人生。 empath 2022 2022年新作，融合国内外艺人合作，获iTunes爵士榜第一名。 ---- 🌊 代表单曲 • 《Say You Love Me》 收录于专辑《Natural Relax presented by Folklove》（2011），因被中国热门电视剧《冲上云霄2》选为插曲而广受华人乐迷喜爱。西原健一郎本人也表示，这首歌因中国粉丝的喜爱而变得特别。 • 《Flowery Flat》 轻快明亮的旋律，是其最受欢迎的作品之一。 • 《waves (feat. mabanua)》 与音乐人mabanua合作，展现其标志性的温柔律动。 ---- 🎤 中国乐迷的特别缘分 西原健一郎与中国有着不解之缘，他曾多次在中国（北京、上海、昆明等地）进行巡演，反响热烈。他在采访中提到，中国粉丝对《Say You Love Me》的喜爱让他深受感动，这首歌也因此成为他个人非常珍视的作品。 ---- 🔗 聆听他的音乐 你可以通过以下方式感受他的音乐世界： • Spotify：搜索 Kenichiro Nishihara，热门歌曲包括《Say You Love Me》、《Flowery Flat》等。 • Apple Music：畅听他的所有专辑与单曲。 • 网易云音乐/QQ音乐：搜索“西原健一郎”，有大量乐迷整理的精选歌单。 ---- 西原健一郎用钢琴与节拍编织出的温柔世界，总有一首能触动你心底最柔软的地方。🎶

风格：Nordic Folk/Dark Ambient/Ritual Ambient/Neofolk/Martial Folk/Drone/Minimalism/Nordic Spiritual/Neo-shamanic/Epic/Cinematic World 情感：敬畏/追忆与哀伤/孤独与漂浮/渴望与祈祷/抚慰与治愈/重生与归属 TRACK LIST * 00:00Rotlaust Tre Fell * 04:11Fehu * 10:55NaudiR * 17:27EhwaR * 21:38AnsuR * 28:09IwaR * 33:52IngwaR * 39:21Gibu * 44:5Solringen * 51:22Sowelu * 59:02Helvegen 《Runaljod – Yggdrasil》是 Wardruna 2013 年发行的第二张录音室专辑，也是“Runaljod” 三部曲的第二部（前作《Gap var Ginnunga》2009，续作《Ragnarok》2016）。它以北欧神话中的世界树 Yggdrasil 为名，继续用音乐“朗读”24 个古北欧符文中的第 9–16 个。下面按“概念-声音-曲目-现场-影响”五个维度做一个简洁梳理。 1. 概念： • 整张专辑围绕“世界树”意象展开——树根、树干、枝叶分别对应过去、现在、未来；符文被视为树上流动的“汁液”，通过声音将之唤醒。 • 8 个符文：Hagl, Nauth, Isa, Jera, Eihwaz, Pertho, Algiz, Sowilo。每首都对应一个符文的原义、诗体密码和神话关联。 2. 声音设计： • 乐器：克拉维克竖琴、鲁尔号角、山羊角、桦树皮笛、鹿皮鼓、石块、冰面敲击、流水声等。 • 录制方式：全部在挪威野外“就地收音”——森林、峡湾、山洞、冰湖，所以你能听到风噪、篝火爆裂、远处鸟鸣，空间本身就是混响室。 • 人声：Einar Selvik 的低吟与朗诵、Lindy-Fay Hella 的空灵长音交替，偶尔加入古诺尔斯语合唱，形成仪式化的“声场”。 3. 曲目亮点（选三首）： • “Rotlaust Tre” – 意为“无根之树”，用深沉的男声与心跳般的鼓点，象征人与大地失去连接后的漂浮感。 • “Helvegen” – “通往冥界之路”；完全无鼓，仅靠重叠的挽歌式合唱与号角长音，后来被美剧《维京传奇》选为葬礼配乐，成为乐迷心中的“维京安魂曲”。 • “Yggdrasil” – 用竖琴泛音、流水与远雷做底，女声在 4/4 与 5/4 之间游走，表现世界树的“脉动”。 4. 现场/视觉： • 同期巡演以“Yggdrasil Live”命名，舞台中央常悬一棵倒置的枯树，灯光从根部打向观众，营造“倒生之树”的镜像宇宙。 • 现场保留“野外收音”传统：演出前在场馆角落点燃松木与杜松，气味也是演出的一部分。 5. 影响与评价： • 挪威《Aftenposten》称其为“把博物馆里的符文石搬进了黑胶沟槽”。 • 2013 年登顶挪威 iTunes 古典榜与世界音乐榜双冠军；在 Billboard World Albums 榜最高第 9 位，是当年北欧民谣类全球销量最高的专辑之一。 • 为《刺客信条：英灵殿》《维京传奇》第二季提供了配乐母本，直接带动“北欧古乐热”。 一句话总结： 《Runaljod – Yggdrasil》像一部用声音写就的“世界树史诗”——你听到的不是旋律，而是树根在黑暗里缓慢生长、枝叶在星光下悄悄呼吸的整个过程。 Wardruna 是一支来自挪威的音乐团体，成立于2003年，由Einar Selvik、Lindy-Fay Hella和Gaahl创立​​。乐队名称“Wardruna”意为“秘密的守护者”或“低语者”，体现了他们对北欧古老传统的敬畏与传承​​。 音乐风格与特点 • 传统与现代融合：Wardruna致力于将北欧古老的音乐传统与现代音乐元素相结合，创造出独特的音乐体验​​。他们使用大量传统和历史悠久的北欧乐器，如克拉维克竖琴（Kravik-lyre）、鹿角号（Bukkehorn）、鲁尔号角（Lur）等​​，同时也会使用非传统乐器和自然元素，如石头、骨头、水和火等，来增强音乐的表现力​​。 • 主题与灵感：乐队的音乐深受北欧神话、自然和古老传统的影响。他们的作品常常探讨自然、神话、精神和人类与自然的关系等主题​​。 • 语言：歌词主要使用挪威语、古诺尔斯语和原始诺尔斯语，体现了对古老文化的尊重和传承​​。 代表专辑 • Runaljod三部曲：包括《Gap var Ginnunga》（2009）、《Yggdrasil》（2013）和《Runaljod – Ragnarok》（2016），这一系列专辑以古北欧的24个符文为主题，每个专辑围绕8个符文展开，探索其象征意义和文化背景​​。 • 《Skald》（2018）：这张专辑以奥丁的语录和《埃达》等古老北欧文献为灵感，采用现场录音的方式，保留了音乐的原始和纯粹​​。 • 《Kvitravn》（2021）：作为第五张录音室专辑，延续了之前作品的主题，并进一步发展了他们的音乐风格。专辑探讨了北欧巫术、自然、神话和精神世界等主题，获得了广泛的好评​​。 影响与评价 Wardruna的音乐不仅在民谣和古典音乐领域受到赞誉，也在世界音乐和氛围音乐等流派中占有一席之地​​。他们的作品被用于电视剧《维京传奇》（Vikings）的原声音乐，进一步扩大了其影响力​​。乐队以其独特的音乐风格和对古老传统的深刻理解，吸引了全球众多听众的关注。 Wardruna通过音乐搭建起过去与现在的桥梁，让听众在现代的语境中感受到古老北欧文化的魅力和智慧​​。

风格：Alternative Rock/Grunge/Shoegaze/Dream Pop/Heavy Metal/Hard Rock/Psychedelic Rock/Progressive Rock/Power Pop/Baroque Pop/Folk/Acoustic Balladry 情感：自我厌恶与忧郁/童年创伤与家庭阴影/身份焦虑与局外人感/渴望连接又惧怕亲密/愤怒与失控/短暂而脆弱的救赎 TRACK LIST * 00:00Cherub Rock * 04:58Quiet * 08:41Today * 12:02Hummer * 18:59Rocket * 23:06Disarm * 26:23Soma * 33:03Geek U.S.A. * 38:17Mayonaise * 44:06Spaceboy * 48:05Silver**** * 57:18Sweet Sweet * 58:56Luna 《Siamese Dream》是The Smashing Pumpkins于1993年7月27日发行的第二张录音室专辑，也是他们商业与艺术的第一个真正突破。下面从背景、音乐、曲目、影响四个角度为你做一次系统梳理。 ---- 1. 创作背景：濒临崩溃的“完美主义” • 高压环境：首专《Gish》后的巡演让乐队身心俱疲，成员间出现药物问题和人际裂痕；鼓手Jimmy Chamberlin深陷海洛因，Billy Corgan进入重度抑郁，甚至萌生解散念头。 • “一个人的专辑”：为保证绝对掌控，Corgan几乎包办了所有吉他、贝斯、人声与绝大部分鼓的录制；James Iha与D'arcy仅贡献少量和声与乐句。录音历时6个月，花费25万美元（超出预算5倍）。 • 制作团队：由Butch Vig（后来Garbage的鼓手）操刀制作，延续了他与Corgan在《Gish》中追求的“厚重又晶莹”的吉他墙质感。 ---- 2. 音乐特色：把“金属”和“梦幻”焊在一起 维度 典型做法 听感关键词 吉他 40–60轨叠加的“吉他墙”，大量Big Muff法兹+复古电子管音箱 既厚重又带空气感 旋律 大调/小调瞬间切换，副歌旋律常在高八度漂浮 “甜美里带刺” 节奏 鼓组在Grunge常见的反拍上加入Ride镲的细碎16分音符 既摇摆又推进 情绪 歌词聚焦焦虑、自卑、家庭暴力、自杀冲动 在“失真轰鸣”里透出脆弱 ---- 3. 曲目亮点（括号内为官方单曲，★为必听） 1. Cherub Rock（★单曲） 反讽音乐圈“卖身给大公司”的愤怒宣言，开头15秒反向吉他噪音成为经典标志。 2. Quiet 高速Palm-Mute riff与空拍切分，现场必炸。 3. Today（★单曲） 看似阳光的riff实则写Corgan某天的自杀幻想；MV里冰淇淋车的黑色幽默成为90年代icon。 4. Hummer 中段突然降速的Dream-Pop段落，是“重型+漂浮”最教科书式的示范。 5. Disarm（★单曲） 弦乐+铃鼓+木吉他，直面Corgan与父母的复杂关系；因歌词涉及“割腕”曾被BBC短暂禁播。 6. Soma 6分半的慢板史诗，中段James Iha solo+弦乐层层堆叠，致幻感极强。 7. Geek U.S.A. 鼓组切分与吉他反馈实验，被许多鼓手视为90年代最难还原的录音室曲目之一。 8. Mayonaise（★粉丝最爱） 结尾的吉他feedback因拾音器收音60Hz电流声意外产生“天使翅膀”般的噪音，成为乐迷心中的“隐藏国歌”。 9. Spaceboy 加入口琴与弦乐，向Corgan患脑瘫的同父异母弟弟致敬。 10. Silverfuck 8分半长的失真马拉松，现场版常延长至15分钟，尾声的即兴噪音墙极具摧毁力。 ---- 4. 发行后的影响与遗产 • 商业成绩：首周卖出14.6万张，Billboard第10名，最终美国4×白金（400万），全球约600万销量。 • 乐评：被《Rolling Stone》评为“1993年最佳专辑之一”，《Pitchfork》2014年再版评分9.1，称其“把Grunge的愤怒升级成歌剧式宏大”。 • 技术遗产：Butch Vig与Corgan的“多层吉他墙”技术（Wall of Guitars）影响了后来Radiohead、Muse、Deftones等无数乐队。 • 文化符号：封面两张粉色天使石膏像在90年代海报、T恤、贴纸中无处不在，成为另类摇滚美学的视觉代名词。 • 现场升级：随后的《Siamese Dream》世界巡演把舞台灯光、投影艺术、弦乐组搬入摇滚俱乐部，直接催生了他们下一步双专辑《Mellon Collie and the Infinite Sadness》的更大野心。 ---- 一句话总结： 如果说《Gish》是地下惊艳，那么《Siamese Dream》就是把所有私密的痛苦与偏执打磨成一座光芒刺眼的哥特水晶宫殿——它让The Smashing Pumpkins从芝加哥俱乐部一举跻身全球摇滚巨星的行列，也定义了90年代“另类”一词所能达到的最大音量与最大美感。 The Smashing Pumpkins 是一支在90年代另类摇滚浪潮中极具影响力的美国摇滚乐队，其音乐风格融合了重金属、梦幻流行、哥特摇滚、电子音乐和前卫摇滚等多种元素。为了给你提供最新、最全面的信息，我将通过搜索来查找关于他们的详细介绍。我重点关注乐队的历史、主要成员、经典专辑以及他们对音乐界的深远影响。 The Smashing Pumpkins（碎南瓜/粉碎南瓜乐队）是一支来自美国芝加哥的另类摇滚乐队，成立于1988年。他们的音乐风格复杂多变，融合了油渍摇滚、重金属、梦幻流行、哥特摇滚、前卫摇滚、古典以及电子音乐等多种元素。 历史与成员 乐队由主唱兼吉他手比利·柯根（Billy Corgan）、吉他手詹姆斯·伊哈（James Iha）、贝斯手达西·瑞兹基（D'arcy Wretzky）和鼓手吉米·钱伯林（Jimmy Chamberlin）共同创立。比利·柯根作为核心人物，一直是乐队的主要词曲作者和创作动力。 • 1988年 乐队在芝加哥成立。 • 1991年 发行首张专辑《Gish》，风格融合了Grunge、硬摇滚、迷幻摇滚和哥特摇滚。 • 1993年 发行第二张专辑《Siamese Dream》，其中的单曲如《Cherub Rock》、《Today》等使他们进入主流视野。 • 1995年 发行双张专辑《Mellon Collie and the Infinite Sadness》，成为他们最畅销的专辑，并登上排行榜冠军。 • 2000年 乐队曾一度解散。 • 2006年 比利·柯根重组乐队，但原始成员中仅部分回归。 音乐风格与影响 乐队以其独特的音乐风格著称，将重型吉他音墙与梦幻般的旋律相结合，歌词常探讨焦虑、疏远和个人挣扎等主题。他们的音乐既有强劲的摇滚能量，又蕴含细腻的情感，展现了苦涩的美。 他们的代表作品包括《1979》、《Bullet with Butterfly Wings》、《Tonight, Tonight》等。 成就 • 全球唱片销量超过3000万张。 • 获得多项格莱美奖提名。 • 被认为是90年代最具影响力的另类摇滚乐队之一，推动了地下摇滚进入主流乐坛。 尽管乐队经历了多次阵容变动和内部矛盾，但比利·柯根始终是其灵魂人物，带领乐队持续创作和演出。

风格：大乐队摇摆/咆勃与硬咆勃/非洲-古巴律动/早期模态爵士/太空布鲁斯/第三流/古典色彩/自由/集体即兴 情感：神秘/迷幻/昂扬/凯旋/温柔/怀旧/野性/祈祷/孤独/沉思/解放/狂欢 TRACK LIST * 00:00Enlightenment * 05:05Saturn * 08:45Velvet * 12:06Ancient Aiethopia * 21:16Hours After * 25:02Horoscope * 28:49Images * 32:42Blues At Midnight 《Jazz in Silhouette》 Saturn LP ‑ El Saturn Records ‑ 1959 年 3 月录制，5 月发行 Sun Ra Arkestra「芝加哥时期」最完整、最平衡的一张录音室专辑，被视为其 1950 年代「宇宙爵士」美学的教科书。 1. 阵容 • Sun Ra – 钢琴、电钢、Celesta、管钟 • John Gilmore – 次中音萨克斯（核心独奏者） • Pat Patrick – 上低音萨克斯 • Marshall Allen – 中音萨克斯、长笛 • Ronnie Boykins – 低音提琴 • William Cochran – 鼓 （铜管组 3 支小号、3 支长号；全团 14 人） 2. 曲目（2009 CD 重制顺序，全长 50′） 1. Enlightenment（Ra） 2. Saturn（Ra） 3. Velvet（Ra） 4. Ancient Aiethopia（Ra） 5. Hours After（Ra） 6. Horoscope（Ra） 7. Images（John Gilmore） 8. Blues at Midnight（Ra / 全团即兴） 3. 音乐特点 • 结构：既有 Ellington 式大乐队和声（《Velvet》），也有 Ra 独创的“太空布鲁斯”和五声音阶（《Saturn》）。 • 音色：首次在钢琴上使用 Celesta 与管钟，营造星际闪光；Boykins 的弓奏低音提琴提供了“宇宙引擎”般的持续低频。 • 即兴：John Gilmore 的两首次中音独奏（《Images》《Saturn》）被后世视为自由爵士的先声，但仍保持了清晰的旋律框架。 • 节拍：多曲使用 6/8 或 3/4 的“太空摇摆”，与当时主流的 4/4 摇摆形成鲜明对比。 4. 录音与封面 • 芝加哥 Sheldon Recording Studios，单声道，真空管混音，保留了温暖、开阔的“房间感”。 • 手工丝网印刷封面：深蓝背景上金色剪影，象征“在夜色中显形的爵士”。 5. 影响与评价 • 1970 年代起被自由爵士乐手奉为室内乐式大乐队典范。 • 2009 年 iTunes 重制版进入「爵士名人堂 100 张必听」。 • 乐评人 Brian Morton 称它为“Sun Ra 最易入门、却最经得起反复聆听的作品”。 一句话总结： 《Jazz in Silhouette》像一张夜色中的星际航海图——既保留了传统爵士的优雅剪影，又悄悄打开了通往宇宙的大门。 Sun Ra Arkestra 是一支以“宇宙爵士”著称的传奇大乐队： 1. 核心人物 由自称来自土星的钢琴家、诗人 Sun Ra（本名 Herman Blount）于1950年代组建并命名“Arkestra”（把 orchestra 与 ark 方舟双关）。 2. 音乐风格 把传统摇摆、咆勃、自由爵士、电子合成器、非洲节奏、科幻音效、群体即兴熔于一炉，开创 Afrofuturism（非洲未来主义）美学。 3. 舞台特色 成员穿古埃及或太空服、戴银斗篷、跳舞、喷火；演出常含诗歌朗诵与光影装置，被称为“移动的星际剧场”。 4. 经典成员 萨克斯风巨匠 Marshall Allen（现任领队）、John Gilmore；歌手 June Tyson 等数十位乐手多年随团。 5. 经典录音 《The Magic City》《Space Is the Place》《Lanquidity》等百余张专辑，横跨独立厂牌 El Saturn 到 Impulse!。 6. 现状 Sun Ra 1993 年离世后，乐队由 Marshall Allen 继续率领，仍全球巡演、录音，是迄今最长寿的实验大乐队之一。

风格：另类灵魂乐/布鲁斯摇滚/民谣/福音音乐 情感：愤怒/反抗/痛楚/虔诚/炙热的爱与自我牺牲 TRACK LIST * 00:00Take Me To Church * 04:01Like Real People Do * 07:20Angel Of Small Death & The Codeine Scene * 10:59Cherry Wine (Live) 《Take Me to Church》并不是一张完整专辑，而是 Hozier 2013 年 9 月 16 日独立发行的首张同名 EP 的主打单曲，随后被收录进 2014 年的首张专辑《Hozier》。为了方便理解，以下把单曲本身、EP 以及专辑中与它相关的背景一并说明。 1. 单曲概况 • 发行：2013.09.16（爱尔兰独立数字发行；后续由 Island Records 全球推广）。 • 时长：4 分 02 秒，Key of E minor。 • 创作：Hozier 在自家阁楼用一台旧笔记本电脑完成词曲；鼓手 Fiachra Kinder 远程录鼓。 • 制作：Rob Kirwan（曾制作 PJ Harvey、Depeche Mode），核心编曲只有三轨——空心电吉他、人声、鼓，后期叠加 20 人福音合唱团。 2. 主题与歌词 • 表面是一首失恋挽歌，实则借“教堂”隐喻批判宗教组织对性少数群体的压迫。副歌 “Take me to church / I’ll worship like a dog at the shrine of your lies” 把宗教仪式写成禁忌之爱。 • 灵感来自俄罗斯 2013 年通过的反同性恋宣传法，以及当时爱尔兰对 LGBTQ 议题的长期沉默。 3. MV 事件 • 2013.09.25 上线的官方 MV（导演 Brendan Canty）把歌曲变成一则社会寓言：两名同性恋人被蒙面暴徒私刑。 • 8 天破 100 万点击，YouTube 一度因“暴力内容”下架；全球用户自发转载，最终播放量超 3 亿。 • 被《滚石》评为“年度最具政治震撼力 MV”。 4. 商业表现 • 爱尔兰单曲榜第 2；美国 Billboard Hot 100 第 2（停留 54 周，成为第一支在榜整年的爱尔兰人歌曲）；英国、加拿大、澳洲等 12 国白金以上。 • 2015 年格莱美“年度歌曲”“最佳摇滚表现”双提名，同年 Spotify 全球串流破 5 亿。 5. EP《Take Me to Church》（2013.09） • 4 首歌： – Take Me to Church – Angel of Small Death & the Codeine Scene – Jackie and Wilson – Someone New • 仅在爱尔兰与英国数字发行，却凭口碑把 Hozier 送上 BBC Sound of 2014 长名单。 6. 在专辑《Hozier》中的位置 • 2014 年 9 月 19 日发行的同名专辑将其作为第 2 轨；专辑在美国 Billboard 200 第 2，全球销量 3× 白金。 • 现场版、Demo 版、iTunes Session 版等衍生版本随后被收录进豪华再版。 一句话总结 《Take Me to Church》最初只是一首在阁楼里写下的抗议情歌，却因一把空心吉他、福音合唱和一支震撼 MV，把 Hozier 从爱尔兰海边小镇直接送上了世界舞台。 Hozier（本名 Andrew John Hozier-Byrne，1990 年 3 月 17 日生于爱尔兰威克洛郡）是一位把传统布鲁斯、灵魂乐、民谣与另类摇滚熔于一炉的创作歌手。凭借 2013 年横空出世的现象级单曲《Take Me to Church》，他把“爱尔兰大男孩”的身份唱成了全球符号：嗓音低沉粗粝、歌词兼具诗性与政治锋芒，现场又能用一把电吉他和福音和声把体育馆变成教堂。 关键节点 • 2013：《Take Me to Church》在 YouTube 和 Spotify 病毒式传播，凭反教条与 LGBTQ 平权隐喻冲到美国 Billboard 榜亚军，格莱美年度歌曲提名。 • 2014：首张同名专辑《Hozier》发行，收录《From Eden》《Work Song》《Cherry Wine》，全球销量 3× 白金。 • 2019：第二张专辑《Wasteland, Baby!》空降 Billboard 200 冠军，单曲《Movement》《Almost (Sweet Music)》延续灵魂摇滚质感。 • 2023：EP《Eat Your Young》预热第三张专辑《Unreal Unearth》，主题围绕但丁《神曲》，曲风加入更多合成器与嘻哈节拍，与 Brandi Carlile 合作的《Damage Gets Done》成为巡演大合唱。 • 现场：2015 年在维多利亚秘密秀翻唱《Take Me to Church》让超模们“集体上头”；2024 年 Coachella 以 10 人编制福音合唱团压轴日落场，被《滚石》评为“用嗓子把沙漠唱成了雨林”。 音乐 DNA – 嗓音：介于杰夫·巴克利与 Otis Redding 之间的沙哑男中音，真假声转换像海浪拍岸。 – 吉他：开架电吉他加空心琴体滑棒音色，既有三角洲布鲁斯的泥泞，也有教堂管风琴般的混响。 – 歌词：引用叶芝、詹姆斯·乔伊斯和《圣经》；写爱情、社会正义、爱尔兰乡土、死亡与救赎。 – 编曲：福音合唱、弦乐、合成器纹理层层叠加，副歌往往像集体祈祷。 – 影响：他称 Muddy Waters、Aretha Franklin、Leonard Cohen 是“三位一体”，又把 Bon Iver 的声景美学偷偷塞进副歌。 文化符号 • LGBTQ 盟友：把《Take Me to Church》MV 献给反对俄罗斯反同性恋法案的人，巡演中多次彩虹旗覆盖舞台。 • 环保与政治：在爱尔兰带头抗议天然气勘探，单曲《Nina Cried Power》直接点名民权斗士 Nina Simone、Mavis Staples。 • 现场仪式：观众把手机灯光关掉、全场合唱“Amen”式副歌，是他最标志性的“教堂时刻”。 一句话总结 Hozier 用一把吉他和一副能唱碎石头的嗓子，把爱尔兰海雾、密西西比三角洲的泥、以及现代人灵魂里的空洞，熬成一锅滚烫的布鲁斯灵魂汤。

风格：后朋克/哥特摇滚/工业氛围/Krautrock脉冲/极简放克/Dub低频/早期合成器流行 情感：存在主义焦虑/疏离与孤独/失去控制的恐惧/冷漠的绝望/压抑的性欲与负罪/冰冷的旁观 TRACK LIST * 00:00Disorder * 03:32Day Of The Lords * 08:22Candidate * 11:27Insight * 15:56New Dawn Fades * 20:45She's Lost Control * 24:42Shadowplay * 28:38Wilderness * 31:16Interzone * 33:33I Remember Nothing 《Unknown Pleasures》是 Joy Division 于 1979 年 6 月 15 日由 Factory 厂牌发行的首张录音室专辑。它不仅是乐队最具代表性的作品，也被普遍视为后朋克（Post-Punk）乃至整个另类摇滚史上的里程碑。以下从多个角度做一个快速梳理： 1. 创作与录音 • 1979 年 4 月在 Stockport 的 Strawberry Studios 用 3 个周末录完，制作人 Martin Hannett 把乐队原始的生猛能量“降温”，加入大量空间感、延迟与低频回响，塑造了标志性的“冰冷距离感”。 • 乐队成员后来承认：他们起初并不完全认同 Hannett 的“离经叛道”，但这张成品最终定义了 Joy Division 的“声音美学”。 2. 音乐特征 • 节奏：Stephen Morris 的鼓机化、机械鼓点 + Peter Hook 高音旋律性贝斯线，构成“贝斯主导旋律”的典范。 • 吉他：Bernard Sumner 用尖锐、极简的削切和弦与回声营造幽闭氛围，很少传统 solo。 • 主唱：Ian Curtis 的低沉吟唱与不安歌词（疏离、城市衰败、存在焦虑）成为灵魂。 • 音色：大量混响、相位、合成器噪点，使整张专辑像一部黑白的城市夜景电影。 3. 曲目一览（原始 LP 8 首） 1. Disorder 2. Day of the Lords 3. Candidate 4. Insight 5. New Dawn Fades 6. She’s Lost Control 7. Shadowplay 8. I Remember Nothing （2007 年再版加收了单曲 “Transmission”、“Novelty” 等） 4. 视觉与文化符号 • 封面：艺术家 Peter Saville 用射电天文学脉冲星 CP 1919 的波形图，黑白极简，成为 20 世纪最具辨识度的唱片封面之一，后来广泛出现在 T 恤、海报、meme 中。 • 销量：首发时仅卖出约 1 万张，但长期口碑发酵，到 21 世纪全球累计销量已过百万。 5. 影响与后世评价 • 被 NME、Pitchfork、Rolling Stone、Q 等反复评为“史上最佳首张专辑”“百大唱片”前列。 • 启发了 The Cure、U2、Radiohead、Interpol、Mogwai 等无数后辈。 • 2007 年再版登上英国专辑榜第 19 位；2020 年 40 周年时，全球黑胶销量再次飙升。 一句话总结：如果你只想用 40 分钟体验“孤独、霓虹灯、工业城市、凌晨三点”的声音，《Unknown Pleasures》就是那张唱片。 Joy Division 是一支1976年在英国曼彻斯特成立的摇滚乐队，被广泛认为是后朋克（Post-Punk）风格的奠基者之一。乐队由主唱 Ian Curtis、吉他手 Bernard Sumner、贝斯手 Peter Hook 和鼓手 Stephen Morris 组成。他们以阴郁、内省的音乐风格和 Curtis 深沉、充满疏离感的嗓音闻名。 他们最初以“Warsaw”为名，1977年改名为 Joy Division。1979年发行的首张专辑 Unknown Pleasures 没有登上主流排行榜，但后来成为摇滚史上的经典，影响深远。1980年，他们发行了第二张专辑 Closer，风格更加冷峻、实验。 不幸的是，主唱 Ian Curtis 因长期受抑郁症和癫痫困扰，于1980年5月18日自杀身亡，年仅23岁。Curtis 去世后，剩余成员改名为 New Order，转向电子舞曲风格，继续活跃于乐坛。 Joy Division 的音乐虽在当年未获巨大商业成功，但其影响深远，启发了无数后来的哥特、独立和另类摇滚乐队。

风格：现代爵士/摇滚/放克/电子/布鲁斯 情感：不安/迷茫/温柔的自省/黑色幽默/反讽/致敬与感恩/破雾而出 TRACK LIST * 00:00送行 Send-off * 07:00速爱好时光 Goodtime Speedlove * 13:45未选之路 Unlived * 20:44致敬 Tip of the Hat * 26:22波普利斯提 Boplicity * 31:37遗忘 Forgetting * 40:56塔玛拉玛 Tamarama * 47:07迈克尔梦见迪斯科 Michael Dreams of Disco * 53:55清晰 Clarity 专辑《清晰 Clarity》 – 顾忠山三重奏（The Lawrence Ku Trio） 基本资料 • 发行时间：2020 年 12 月 11 日 • 乐团编制：Lawrence Ku 顾忠山（吉他 / 作曲 / 制作人） Fred Grenade（毛里求斯 / 贝斯） Nicholas McBride（澳大利亚 / 鼓） • 录音地点：上海 One Dream Studio • 发行公司：环球音乐 × 十一音乐 • 专辑长度：9 首、57 分钟，全器乐作品 创作背景 疫情全球肆虐的 2020 年，顾忠山把“在负面阴霾中逐渐找回清晰感”的真实情绪写进音乐；专辑因此得名《清晰》。乐队在停摆与隔离中反复打磨排练，最终以一次全封闭、不带观众的录音室 session 完成全部录制。 音乐风格 现代爵士为核心，融合摇滚、放克、电子与布鲁斯元素。旋律线条简洁、律动张力强烈；吉他在传统爵士音色与失真摇滚质感之间自由切换，贝斯与鼓在复杂拍号中保持松弛律动。 曲目一览 Send-off 送行 Goodtime Speedlove 速爱好时光 Unlived 未选之路 Tip of the Hat 致敬 Boplicity（Miles Davis / Gil Evans 曲，顾忠山改编） Forgetting 遗忘 Tamarama（鼓手 McBride 作曲） Michael Dreams of Disco 迈克尔梦见迪斯科 Clarity 清晰（专辑同名压轴曲） 荣誉与市场反响 • 第 32 届金曲奖「演奏类」：最佳作曲人奖（顾忠山〈Tip of the Hat〉）、最佳录音专辑提名 • 第 21 届南方音乐盛典：最佳爵士 / 蓝调艺人、最佳器乐专辑、最佳录音三项大奖 • 唱工委音乐奖 2022：最佳爵士演奏专辑 • 豆瓣 9.0+（90% 以上五星 / 四星评价），入选网易云「硬地原创音乐榜」月度 Top 3 聆听提示 • 推荐先听同名曲〈Clarity〉：6/8 拍律动层层递进，代表整张专辑“拨开迷雾”的主题。 • 〈Tip of the Hat〉以 7/4 拍的贝斯 riff 贯穿，吉他 solo 获金曲奖肯定。 • 若喜欢更直接的摇滚质感，可跳到〈Michael Dreams of Disco〉，失真吉他 + 放克鼓点带来现场即听感。 一句话总结 《清晰》是顾忠山三重奏历经疫情淬炼后的“情绪净化”之作：把复杂动荡的时代感受，提炼成 9 首兼具聆听性与演奏水准的现代爵士精品。 顾忠山（Lawrence Ku）简介 1. 身份与背景 • 美籍华裔吉他演奏家、作曲家、音乐教育家，被誉为“华人爵士吉他第一人”。 • 1970 年代出生于美国加州洛杉矶，父母来自中国台湾。 • 先后毕业于 Longy School of Music（作曲硕士）与 New England Conservatory（爵士演奏硕士），师从 Ben Monder、Charlie Banacos、George Garzone 等爵士大师。 • 1997 年移居中国，曾在北京迷笛音乐学校、北京现代音乐学院任教；现任上海 JZ School 校长，培养了大批当代爵士乐手。 2. 音乐风格与成就 • 演奏横跨现代爵士、放克、融合、灵魂乐等多种风格，以音色细腻、即兴想象力丰富著称。 • 2004 年组建放克大乐队 “红节奏 The Red Groove Project”，乐队专辑《浮 Flow》《Proper Up! 正》入围/获得台湾金曲奖演奏类多项提名与奖项。 • 个人及三重奏专辑《Pictures》获第 16 届华语音乐传媒大奖“最佳器乐专辑”。 • 与 Dee Dee Bridgewater、John Legend、Laura Fygi、莫文蔚、李荣浩、陶喆、顺子、A-Lin、袁娅维等海内外艺人长期合作，并担任巡演音乐总监或专辑制作人。 • 2021 年担任湖南卫视《时光音乐会》乐队总监，改编经典作品广受好评。 3. 近期动态 • 2025 年 3 月，顾忠山率红节奏启动“20 周年全国巡演”，首站南京 1701 LiveHouse，带来新旧曲目与全明星阵容。 • 除演出外，他仍活跃于教学、大师班及跨界制作，持续推动中国爵士乐本土化和国际化。 一句话总结 顾忠山是把美式爵士语法与中国音乐语境完美结合的“桥梁型”音乐家——舞台上是一代吉他大师，教室中是中国现代爵士教育的奠基人之一。

风格：Dream-pop/Shoegaze/Noise-pop/Post-rock/New prog/Art-rock/indie-rock/Alternative rock/Brit-pop/电子 情感：疏离与好奇/甜蜜却短暂的悸动/自责与回溯/漫长的告别与自我和解/ TRACK LIST * 00:00Am I Wry? No * 04:54156 * 09:50Snow Brigade * 14:09Symmetry (Album Version) * 19:48Behind the Drapes (Album Version) * 23:26Her Voice Is Beyond Her Years (Album Version) * 26:12Eight Flew Over, One was Destroyed (Album Version) * 30:58She Came Home for Christmas * 34:52She Spider (Album Version) * 39:29Comforting Sounds Frengers: Not Quite Friends, But Not Quite Strangers （中文常被简称为《Frengers》，副标题直译为“不算朋友，也不算陌生人”） 基本信息 • 艺人：丹麦独立摇滚乐队 Mew • 发行日期：2003 年 4 月 7 日 • 厂牌：Sony/Epic（国际版） • 制作人：Rich Costey（曾与 Muse、Sigur Rós、Interpol 合作） • 音乐定位：Dream-pop / Post-rock / Shoegaze 与旋律摇滚的交汇点 标题由来 Frenger 是 Mew 自创的混成词，由 friend + stranger 组合而成，指“介于朋友与陌生人之间的人”——既熟悉又带一点距离感，正好呼应专辑里那种既温暖又疏离的氛围。 曲目构成 • 共 10 首歌，其中 6 首是重录自前两张限量专辑《A Triumph for Man》（1997）与《Half the World Is Watching Me》（2000），4 首为全新创作。 • 特邀女声： – Stina Nordenstam（瑞典）在《Her Voice Is Beyond Her Years》献声。 – 13 岁美国女孩 Becky Jarrett 为《Symmetry》录制童声，因网络结缘后，被乐队专程接到哥本哈根录音。 • Comforting Sounds（2003-03-24） • Am I Wry? No（2003-06-16） • 156（2003-07，欧版限定） • She Came Home for Christmas / That Time on the Ledge（2003-12-15） 音乐与制作特色 • 音色：以 Jonas Bjerre 标志性的高亮嗓音为核心，吉他大量运用延迟与混响，辅以弦乐、电子纹理，营造出“漂浮在星云里的少年日记”质感。 • 结构：Rich Costey 的制作让原本的 lo-fi 质感变得饱满、立体，却不失梦幻的朦胧感。 • 情绪：前半张（1-5 首）旋律明快、鼓点跳跃；后半张逐渐拉长音域，最终由 8 分 54 秒的〈Comforting Sounds〉完成情绪总爆发，被评论界誉为“千禧年后最动人的独立摇滚终曲之一”。 市场与评价 • 丹麦销量突破 4 万张，获白金认证。 • 国际媒体一致高分： – AllMusic 4.5/5 – Drowned in Sound 9/10 – Stylus Magazine A- – BBC 盛赞其“兼具 Radiohead 的深邃与 Sigur Rós 的澄澈”。 • 乐迷口碑：Album of the Year 网站用户平均 4.2/5，被誉为“Dream-pop 教科书级入门专辑”。 影响与遗产 • 让 Mew 首次大规模登陆欧洲、亚洲（日本、印尼、台湾）巡演，成为他们迈向国际的跳板。 • 影响了后续十年一批“旋律化后摇滚”与“独立梦幻流行”乐队，常被拿来与 Sigur Rós、Mogwai、Explosions in the Sky 并列。 • 在乐迷圈流传一句话：“没听过〈Comforting Sounds〉，别说你懂情绪崩溃。” 一句话总结 《Frengers: Not Quite Friends, But Not Quite Strangers》像是一封写给“似熟非熟”之人的长信：前半段把日常心事唱得轻盈，后半段却用 8 分 54 秒告诉你——真正的道别永远比想象中漫长。 Mew（中文名：海鸥乐团）是一支来自丹麦的独立摇滚乐队，1995 年在哥本哈根附近的 Hellerup 成立，现以英国伦敦为基地活动。 成员 • Jonas Bjerre：主唱 / 吉他 / 键盘（1995–至今） • Bo Madsen：主音吉他（1995–2015） • Silas Utke Graae Jørgensen：鼓手（1995–至今） • Johan Wohlert：贝斯手（1995–2006，2013 年回归） 音乐风格 Mew 的音乐被形容为“梦幻、神秘、充满异国情调”，融合了后摇滚（Post-Rock）、新前卫（New Prog）、自赏（Shoegaze）与梦幻流行（Dream Pop）等元素。他们受到 Pixies、My Bloody Valentine、Dinosaur Jr.、Red House Painters 等乐队的影响，旋律宏大、情绪饱满，常被乐迷称为“来自另一个星球的声音”。 创作特色 • 歌词：几乎全部出自主唱 Jonas Bjerre 之手，灵感多来自他的噩梦与梦境。 • 视觉：Jonas 会把梦境拍成动画，现场演出时用作背景投影，并亲手制作毛线布偶，成为 Mew 演唱会最具辨识度的标志。 • 和声：专辑里所有合音都由 Jonas 一人完成，高低音交错营造辽阔的声场。 代表专辑与作品 1. 《Frengers》（2003） 让乐队在丹麦一举成名，获丹麦音乐评论奖“年度最佳专辑”“年度最佳乐团”。《Comforting Sounds》成为乐迷心中的“心灵鸡汤”。 2. 《And The Glass Handed Kites》（2005） 欧洲口碑大爆发，蝉联丹麦销量榜冠军，并在 2006 年丹麦音乐奖横扫“最佳丹麦专辑”“最佳丹麦乐团”等四项大奖。 3. 《No More Stories...》（2009） 曲风更偏流行与电子实验，打入 Billboard 200，成为他们在美国成绩最好的专辑之一。 4. 《+ −》（2015）与《Visuals》（2017） 继续探索更简洁、直接的旋律与电子质感，巡演足迹遍布欧美、亚洲。 演出与影响 • 2009 年把首次中国专场放在台北；随后又到上海、北京等地巡演。 • 被丹麦媒体誉为“国宝级摇滚乐团”；在欧洲独立音乐圈拥有大批忠实听众，也影响了 Sigur Rós、Wild Beasts 等后辈乐队。 如果想快速入门，可以先听这三首： • Comforting Sounds（8 分钟情绪史诗） • The Zookeeper’s Boy（旋律抓耳的梦幻摇滚） • Satellites（2015 年后的新世代代表作） 一句话总结： Mew 用 30 年时间把噩梦做成银河，把旋律写成童话，成为北欧最浪漫、最“ celestial ”的声音之一。