宋代围棋在士大夫阶层极为盛行，被列为"琴棋书画"四艺之一。宋太宗赵光义棋品被评为"第一"，曾创制"对面千里、独飞天鹅、海底取明珠"等棋局。宫廷中设有棋待诏职位，著名棋手贾玄、李仲元等"臻于绝格，时人以为王积薪之比也"。民间围棋活动同样活跃，开封城内的寺庙道观与街头巷尾都是围棋高手对弈的场所。 宋代是中国象棋发展的关键定型期。北宋经历160多年的象棋大革新运动，最终定型为32枚棋子、有河界的棋盘、将在九宫之中等规则。两宋皇帝大都喜爱象棋，宋徽宗用瘦金体御书棋子，甚至在被金兵掳北去时仍随身携带象棋。南宋高宗赵构等帝王大力推广，使象棋"家喻户晓"，都城杭州出现专制象棋子和棋盘的手工业者。 宋代还流行"大象戏"等变种，以及司马光创制的《七国象戏》、晁补之的《广象戏图》等改良棋类。李清照在《打马图序》中提到"大小象戏"，但主流棋类仍以围棋和象棋为主。 文天祥，南宋末大臣，不仅是抗元英雄，也是象棋高手。善弈盲棋，被认为是"盲棋第一人"，同时擅长排局创作。即使在崖山之败被俘后，仍制作40多个象棋排局，仅"单骑见虏"一局留传下来，体现其"勇敢顽强和不怕牺牲的大无畏精神"。 司马光，创制《七国象戏》，对象棋进行大胆革新，在象棋史上具有一定影响，体现了宋代文人对棋类活动的创新精神。

宋代装裱在徽宗时期达到巅峰，"宣和装"开创了锦包首、绫天头、黄绢隔水、画心、尾纸的五段式结构。这种设计不仅美观，更蕴含科学的保护理念——锦包首抵御磨损，黄绢隔水隔绝湿气，尾纸缓冲张力。现存上海博物馆的《王羲之上虞帖》清晰保留着这种结构，骑缝处的"宣和七玺"成为鉴定标准。 除了手卷，宋代还发明了便于翻阅的蝴蝶装册页，将书叶对折粘连，"虫鼠不能损"。更具创意的是诗堂装，在立轴上方镶纸供文人题诗，既拓展了艺术互动空间，又增强了画作结构稳定性。苏轼、米芾的许多作品都采用这种形式，使书画成为文人交流的载体。 宋代造纸原料实现了前所未有的多样化。《天工开物》记载，松木纤维长用于书写纸，楠木纤维细适合印刷；南方广泛使用竹子，通过"煮楻法"高温蒸煮去除杂质；北方则善用桑皮、楮皮，造出著名的"澄心堂纸"。这种因地制宜的原料选择，既提高了纸张品质，又实现了资源可持续利用。 宋代人发明了双重防蛀技术：官方采用黄蘖汁染纸，利用其中的小檗碱抑制昆虫神经系统；南宋福州建阳地区创新使用椒汁染纸，花椒中的香茅醛散发刺激性气味，"永无蠹蚀之患"。清代叶德辉曾发现，宋代椒纸"味数百年而不散"，这种天然防虫剂的应用，比欧洲早了六百年。 宋代画家已掌握矿物颜料的特性：石青、石绿等碳酸盐矿物化学性质稳定，不易氧化；蛤粉（贝壳粉末）具有反光性，使画面更显明亮；朱砂（硫化汞）虽鲜艳但易变黑，故多用于次要部位。这种对材料的深刻理解，使宋代画作在历经千年后，依然能让我们感受到"青绿千载，山河无垠"的震撼。

"尚意"书风的核心特征在于强调主体精神的表达。苏轼提出"我书意造本无法，点画信手烦推求"的创作理念，主张书法应超越技法规范，直接展现作者的学识、情感与人格。这种"无法之法"的创作观在其代表作《黄州寒食帖》中得到完美体现——作品线条随情感起伏而变化，从压抑沉郁到激越奔放，将"乌台诗案"后的人生感悟转化为震撼人心的笔墨语言，被誉为"天下第三行书"。 黄庭坚进一步发展了"尚意"理论，提出"学书要须胸中有道义，又广之以圣哲之学，书乃可贵"。他将禅宗哲学融入书法，创造出"长枪大戟"般的独特笔法，其《松风阁诗帖》中长撇大捺的线条如"壁坼纹"般劲健，营造出开阔疏朗的空间感，体现出"心即佛"的禅宗顿悟。 米芾以"刷字"闻名，其"八面出锋"的用笔技巧将书法的节奏感与视觉张力推向极致。《蜀素帖》中，他通过提按顿挫与速度变化，使线条呈现出"风樯阵马，沉着痛快"的动态美感，展现了对传统笔法的解构与重构。 相较于唐代书法的"法度森严"，宋代"尚意"书风呈现出三大转变：从追求共性规范到彰显个性表达，从注重技法完美到强调精神内涵，从碑刻的庄严到尺牍的随性。这种转变使书法从"技"的层面跃升为"道"的载体，完成了书法艺术从外在形式到内在精神的审美转向。 宋体字的诞生是书法艺术与印刷技术结合的产物。宋代雕版印刷的繁荣催生了规范化的印刷字体需求，刻工们为提高效率，将唐代楷书简化为横细竖粗、便于雕刻的字体原型。明代中期，随着铜活字印刷的普及，宋体字最终定型，其结构方正、笔画清晰的特点完美适应了大规模印刷的需要。 宋体字虽成熟于明代，却承载了宋代文化精神。明代文人推崇宋刻本，刻工们模仿宋版书字体，形成"仿宋体"，使宋代文化通过字体形式得以延续。这种文化认同使宋体字超越了单纯的技术产物，成为文化传承的载体。

两宋三百余年间，绘画艺术达到了前所未有的高峰，山水、花鸟、人物画全面发展，院体画与文人画交相辉映，为后世留下了无数艺术瑰宝。 宋初设立翰林图画院，至宋徽宗时达到鼎盛，形成了严谨精细的"院体画"风格。画院以"形似"和"格法"为标准，培养了大批优秀画家，同时也刺激了文人画的兴起，形成了多元并存的艺术格局。 北宋山水画以李成、范宽、郭熙为代表，号称"北宋三大家"。他们继承五代荆浩、关仝的北方画派，描绘雄浑壮阔的自然山水。 李成：以"寒林平远"著称，善用淡墨，有"惜墨如金"之称，创造蟹爪枝、卷云皴，作品《读碑窠石图》展现荒寒萧瑟之美。 范宽：代表作《溪山行旅图》以顶天立地的构图、雨点皴表现山石质感，气势磅礴，被誉为"宋代绘画第一神品"。 郭熙：提出著名的"三远法"（高远、深远、平远），著有《林泉高致》，其《早春图》通过细腻的笔墨表现冬去春来的微妙变化。 南宋迁都临安后，山水画风格转变，李唐、刘松年、马远、夏圭并称"南宋四家"，开创了简劲雄健的新画风。 李唐：从《万壑松风图》的雄健到晚年开创大斧劈皴，笔墨简练，对后世影响深远。 马远、夏圭：以"马一角""夏半边"著称，善用边角构图，如马远《踏歌图》、夏圭《溪山清远图》，通过大面积留白营造空灵意境。 宋代绘画在技法上有诸多突破：郭熙的"三远法"、米氏云山的没骨点染、崔白的工写结合、梁楷的减笔法等，丰富了中国画的表现语言。宋代绘画对后世影响深远，元四家（黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙）继承文人画传统，赵孟頫提倡"书画同源"，明清两代更是在宋代基础上不断发展，使中国绘画形成独特的艺术体系。