《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第448位 地下丝绒 《海洛因》 The Velvet Underground-Heroin 把金钱与名利的欲望踩在脚下，地下丝绒乐队是二十世纪最具影响力的艺术运动的音乐之翼。 年轻的词曲作者卢·里德（Lou Reed）从针筒上刮下污垢，将其在声音的调羹上点燃。与此同时，受过古典音乐训练的威尔士人约翰·凯尔（John Cale）则施展了一种先锋派令人不安的黑暗咒语，用以滋养着受折磨者的心灵。这两个人在1964年相遇后，凯尔将里德早期的Demo小样，从最初的原声版本转变成了在器乐编排上足够激进的作品。古怪的作曲家用键盘和中提琴为这些城市叙事增添风味，通过工业感十足、嗡鸣不断的即兴演奏来延长高潮部分。在剩余两名成员吉他手斯特林·莫里森（Sterling Morrison）和鼓手莫琳·“莫”·塔克（Maureen ‘Moe’ Tucker）出现后，他们组成了地下丝绒最闪亮的阵容。而这首只用了两个和弦，没有贝斯的歌曲也就这样出现了。 歌曲以吉他和鼓点缓慢开始，随后约翰·凯尔 (John Cale) 持续嗡鸣的电中提琴加入。在这里歌词描述的是药物作用下最初的快感，主人公有一种从现实中解脱和逃避的错觉。这与黑暗暗示以及随之而来的崩溃并置。老李对生动意象和感官语言的运用，将听众沉浸在这种体验中，让他们同时感受到快感与低谷。而随着节奏逐渐加快，器乐编排变得越来越混乱，反映了主人公心智的紊乱。凯尔的中提琴发出刮擦声和噪音，和失真的吉他创造了一个声音景观，体现了成瘾的动荡旅程。这种声音的混乱可以解释为主人公生活中混乱无序的代表。而后歌曲速度放缓至最初的节奏，重复相同的模式后结束。 第一次听完之后脑子嗡嗡的，都是提琴的回响和老李邪魅痉挛的声音。实话实说，《海洛因》是摇滚乐史上最早正面、直白地描写硬性毒品及其体验的歌曲。它打破了流行音乐的题材禁区，将地下世界的黑暗面赤裸裸地呈现在主流视野前。地下丝绒挑战了流行音乐的边界，无论是主题的禁忌性（毒品、性、边缘生活）还是音乐形式的实验性（噪音、速度变化、非传统结构），成为实验摇滚、朋克和后朋克等众多流派的源头，其影响力深远而持久。 最后要说的一点是，这首歌没有道德立场，只是侧重于对主题的客观描述，60年后的我们提起这首臭名昭著的歌，也必须强调这一点，这个立场可以防身，也可以保命。 一首歌的两种味道：无。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第460位 雪纺绸合唱团 美好的一天 The Chiffons-One Fine Day 歌曲和水晶合唱团《他予我深情一吻》一样发行于1963年，制作人同样是菲尔·斯佩克特。在这首歌里，斯佩克特再次祭出了自己的“声墙”法宝，通过层层叠加的录音和多轨混音，将雪纺绸合唱团甜美少女的声音包裹在一个几乎具有交响乐般规模的流行音乐声场中，创造出一种宏大、饱满、华丽、具有冲击力的声音效果——这成了当时女团音乐的标准。 和水晶合唱团不一样的是，雪纺绸合唱团甜美、清新、直接、充满少女的活力，旋律极其抓耳，是“纯粹”的泡泡糖流行乐代表。歌曲由格里·戈芬和 卡洛尔·金 (Gerry Goffin & Carole King)创作，描写的就是美国“婴儿潮”一代青春期的纯真乐观和对未来的美好憧憬，这首歌在当年虽然没有获得主流音乐奖项，公告牌百强单曲榜最高也只到了第五名，但随着时间的推进， 经常出现各类“史上最佳流行歌曲”、“最佳女子组合歌曲”、“最佳60年代歌曲”的媒体或乐评人榜单中。 2018年，包含《美好的一天》的雪纺绸合唱团精选集因其“文化、历史和美学上的重要意义”被美国国会图书馆选入国家录音登记部进行永久保存。 一首歌的两种味道：来自Carpenters的味道。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第449位 披头士乐队 便士巷 The Beatles-Penny Lane 《便士巷》创作并录制于1966年底至1967年初，与约翰·列侬创作的《永远的草莓园(Strawberry Fields Forever)》共同作为双A面单曲于1967年2月发行。这两首歌原本计划收录在具有划时代意义的专辑《佩珀军士的孤独之心俱乐部乐队(Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band)》中，但因单曲太受欢迎，被誉为有史以来最伟大的单曲，最终没有收入专辑中。 歌曲主要由保罗·麦卡特尼创作，约翰·列侬也贡献了部分歌词。是麦卡特尼对童年和青少年时期在利物浦生活记忆的描绘。歌词如同一幅充满生活气息的印象派画作，描绘了便士巷及其周围的景象和人物：展示照片的理发师）、不穿雨衣的银行家、留着干净整洁的头发消防员、卖罂粟花的护士，而小镇青年麦卡特尼坐在那里，看、听便士巷发生的一切，充满了具象的细节和微妙的观察：没有明确的叙事线，而通过跳跃的画面拼接，营造出一种怀旧、温馨又略带超现实感的氛围。 麦卡特尼创作时的心态是怀旧和温情，他试图用音乐“画”出他记忆中利物浦的特定地点和人物，旋律非常明亮、流畅、朗朗上口，具有典型的麦卡特尼式流行旋律美感。而编曲是这首歌最革命性的部分之一，由乔治·马丁制作，保罗主导创意。运用了大量的古典乐器，营造出独特的巴洛克流行/室内流行乐的感觉。除了乔治哈里森只负责了吉他部分、其余三位成员每人要多使用三种乐器。其中最令人惊艳的，大卫·梅森，用高音小号吹奏的那段华丽、宛如号角般的间奏旋律。 1967年是“爱之夏”和迷幻摇滚的鼎盛时期，与同时期许多迷幻作品（包括披头士自己的《Strawberry Fields Forever》、《Lucy in the Sky with Diamonds》）探索内心、梦境和药物体验的内省或迷幻氛围不同，《便士巷》以其明亮的色调、清晰的意象和对现实世界的描绘，成为一股清流：迷幻时期的实验性也可以用来描绘现实世界的诗意。不知为何，今天在听这首歌的时候，我竟是想到了鲁迅先生的《从百草园到三味书屋》，“蟋蟀”“何首乌”狗窦大开的同学，和消防车”“理发师”“卖罂粟花的护士”的画面结合在一起，倒是蛮迷幻的。 一首歌的两种味道：传奇民谣音乐人Livingston Taylor，挪威女生Emily Linge，比利时吉他手Guy Lukowski的器乐版，三个版本三种味道。

专辑名：命运派对 发行时间：1990年9月 发行厂商：新艺宝 《命运派对》是Beyond的第7张粤语专辑，也被认为是Beyond视野最开阔的一张专辑：专辑十首歌曲，在延续了友情、爱情、理想的题材之后，这一次把更多的目光放在了各种社会问题上—— 专辑里的第一首歌是《光辉岁月》，20岁以上的华人应该都会哼几句吧？它的创作背景是这样的：南非的官二代曼德拉，在追求民族解放被抓捕入狱27后，无条件释放，然后黄家驹写下了这首歌向他致敬：“缤纷色彩显出的美丽，是因它没有分开每种色彩”，黄家驹强调的是不分种族歧视，共创美好家园——很美丽的一个非洲梦，或者说的地球梦。世界大同，其实我感觉是乌托邦思想，是个伪概念，时至今日，看看世界上的新闻，只能叹息一声，艺术家的愿望永远只是愿望，或者还要加上妥协。 《俾面派对》， 俾是动词，“俾面”在粤语里据说是给个面子的意思，所以这首歌应该是叫做给面子派对。黄家驹对香港的娱乐圈一直都很看不惯，但为了生存，只好身材曹营心在汉。作为当时香港的一线乐队，他们始终要参加唱片公司和经纪人安排的各种派对，据说有时候在排练的时候，一个电话打来，就要出门去给个面子参加派对， 于是就有了这么一首歌，和《光辉岁月》的宏大世界相比，黄家驹更注重的是对本土社会现象的思考，或者说讽刺的成分更多一些。那么关于娱乐圈的问题，现在应该是好很多了，除了黄家驹去世，黄家强基本退隐，黄贯中和叶世荣现在是更多的是一个拥抱的积极的姿态，我觉得没什么问题。 接下来是专辑中的三首情歌。第一首是《两颗心》。这首歌是黄家强的曲， 叶世荣写的词，感觉黄家强这么年一直都活在爱情里，他写的歌大多都和爱有关——前面有哥哥黄家驹顶着，管那么多干嘛，先去爱的死去活来再说。而《怀念你》是黄贯中的曲，黄家强的词，相比较之前黄家强的《两颗心》，个人觉得在这张专辑的情歌方面，黄贯中做的更出色一些。《怀念你》是黄贯中在Beyond中期做的非常出色的一首歌，在当年也被拍成了MV。 专辑中的另一首情歌，《无泪的遗憾》则是来自黄家驹的担纲，我们可以感受一下黄家驹与前面二位的不同之处，是否更多一些悲怆的味道。 《可知道》是一首在编曲上很奇怪的歌，里面用到了非洲鼓，联系到之前向曼德拉致敬的《光辉岁月》，所以之后的Beyond会去非洲采风，也是一件理所当然的事情了，Beyond在这张专辑中第三次抓住社会问题，黄家驹在这里号召先富起来的一部分人，对贫困的人们，伸出自己的双手。这首歌另一个古怪的地方是，中间的独奏居然是用键盘完成的，这个大概会让主音吉他手黄贯中很受伤，所幸的是下一首歌，他就有事情做了：《相依的心》，名字听上去像是一首情歌，但他却是一首不折不扣的歌颂友情的歌曲，好基友，一辈子，大家一起奋斗。 旋律和灵感随手拈来，只有两分多钟的歌曲，但却是Beyond第一次在副歌中采用双旋律的形式来演唱。 《命运派对》这张专辑中有两首，相对保持Beyond之前风格的作品，这么说其实也是相对的，因为它是建立在Beyond和流行音乐市场相互妥协之后的产物：《撒旦的诅咒》是来自于黄贯中的歌曲，感觉这首歌已经有了后来三子时期的那种风格，所以黄贯中自己，应该也是很喜欢这首歌的吧。需要提到的是黄家强的贝斯，在里面很出彩。另一首《战胜心魔》属于励志歌曲，是Beyond电影《开心鬼救开心鬼》的主题曲，这是标准的Beyond乐队，标准的黄家驹风格的大路货（无贬义）。 1990年，20世纪最后10年的开始，在中国香港，本土乐队Beyond发行了他们的第7张粤语专辑《命运派对》，专辑还没推出，预定就已经超过了白金的销量——五万张的预售销量在这个弹丸之地，是非常了不得的数字——Beyond在不断突破，摸索中，再一次跨出了一大步：他们开始关注社会，提出自己的观点，甚至在《不知怎么去保护环境的人（包括我）》中提到了节能减排的理念，依旧给年轻人输入正能量，所有的这些，被完美的写入了这张专辑里，正如里尔克的诗歌里说道的一样，纵然池塘的倒影，常常模糊不清。唯其在双重境界，歌声才会变得永恒。

专辑名：命运派对 发行时间：1990年9月 发行厂商：新艺宝 《命运派对》是Beyond的第7张粤语专辑，也被认为是Beyond视野最开阔的一张专辑：专辑十首歌曲，在延续了友情、爱情、理想的题材之后，这一次把更多的目光放在了各种社会问题上—— 专辑里的第一首歌是《光辉岁月》，20岁以上的华人应该都会哼几句吧？它的创作背景是这样的：南非的官二代曼德拉，在追求民族解放被抓捕入狱27后，无条件释放，然后黄家驹写下了这首歌向他致敬：“缤纷色彩显出的美丽，是因它没有分开每种色彩”，黄家驹强调的是不分种族歧视，共创美好家园——很美丽的一个非洲梦，或者说的地球梦。世界大同，其实我感觉是乌托邦思想，是个伪概念，时至今日，看看世界上的新闻，只能叹息一声，艺术家的愿望永远只是愿望，或者还要加上妥协。 《俾面派对》， 俾是动词，“俾面”在粤语里据说是给个面子的意思，所以这首歌应该是叫做给面子派对。黄家驹对香港的娱乐圈一直都很看不惯，但为了生存，只好身材曹营心在汉。作为当时香港的一线乐队，他们始终要参加唱片公司和经纪人安排的各种派对，据说有时候在排练的时候，一个电话打来，就要出门去给个面子参加派对， 于是就有了这么一首歌，和《光辉岁月》的宏大世界相比，黄家驹更注重的是对本土社会现象的思考，或者说讽刺的成分更多一些。那么关于娱乐圈的问题，现在应该是好很多了，除了黄家驹去世，黄家强基本退隐，黄贯中和叶世荣现在是更多的是一个拥抱的积极的姿态，我觉得没什么问题。 接下来是专辑中的三首情歌。第一首是《两颗心》。这首歌是黄家强的曲， 叶世荣写的词，感觉黄家强这么年一直都活在爱情里，他写的歌大多都和爱有关——前面有哥哥黄家驹顶着，管那么多干嘛，先去爱的死去活来再说。而《怀念你》是黄贯中的曲，黄家强的词，相比较之前黄家强的《两颗心》，个人觉得在这张专辑的情歌方面，黄贯中做的更出色一些。《怀念你》是黄贯中在Beyond中期做的非常出色的一首歌，在当年也被拍成了MV。 专辑中的另一首情歌，《无泪的遗憾》则是来自黄家驹的担纲，我们可以感受一下黄家驹与前面二位的不同之处，是否更多一些悲怆的味道。 《可知道》是一首在编曲上很奇怪的歌，里面用到了非洲鼓，联系到之前向曼德拉致敬的《光辉岁月》，所以之后的Beyond会去非洲采风，也是一件理所当然的事情了，Beyond在这张专辑中第三次抓住社会问题，黄家驹在这里号召先富起来的一部分人，对贫困的人们，伸出自己的双手。这首歌另一个古怪的地方是，中间的独奏居然是用键盘完成的，这个大概会让主音吉他手黄贯中很受伤，所幸的是下一首歌，他就有事情做了：《相依的心》，名字听上去像是一首情歌，但他却是一首不折不扣的歌颂友情的歌曲，好基友，一辈子，大家一起奋斗。 旋律和灵感随手拈来，只有两分多钟的歌曲，但却是Beyond第一次在副歌中采用双旋律的形式来演唱。 《命运派对》这张专辑中有两首，相对保持Beyond之前风格的作品，这么说其实也是相对的，因为它是建立在Beyond和流行音乐市场相互妥协之后的产物：《撒旦的诅咒》是来自于黄贯中的歌曲，感觉这首歌已经有了后来三子时期的那种风格，所以黄贯中自己，应该也是很喜欢这首歌的吧。需要提到的是黄家强的贝斯，在里面很出彩。另一首《战胜心魔》属于励志歌曲，是Beyond电影《开心鬼救开心鬼》的主题曲，这是标准的Beyond乐队，标准的黄家驹风格的大路货（无贬义）。 1990年，20世纪最后10年的开始，在中国香港，本土乐队Beyond发行了他们的第7张粤语专辑《命运派对》，专辑还没推出，预定就已经超过了白金的销量——五万张的预售销量在这个弹丸之地，是非常了不得的数字——Beyond在不断突破，摸索中，再一次跨出了一大步：他们开始关注社会，提出自己的观点，甚至在《不知怎么去保护环境的人（包括我）》中提到了节能减排的理念，依旧给年轻人输入正能量，所有的这些，被完美的写入了这张专辑里，正如里尔克的诗歌里说道的一样，纵然池塘的倒影，常常模糊不清。唯其在双重境界，歌声才会变得永恒。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第450位 格伦·坎贝尔《当我到达凤凰城时》 Glen Campbell - By The Time I Get To Phoenix 《当我到达凤凰城时》是吉米·韦伯（Jimmy Webb）基于个人经历创作的关于离别最隐忍也最动人的诗篇：他20岁时因为和爱人争吵，从加州开车向东离去。歌曲描写的是在爱情幻灭后，那种想要逃离、避免正面冲突，却又忍不住思念对方反应的复杂心态。在物理距离的拉大与情感断裂的深化下，凤凰城不是终点，阿尔布开克不是终点，俄克拉荷马也不是终点，终点在哪里呢？ 格伦·坎贝尔在1967年录制并发行了这首歌，收录在同名专辑中，这首歌也陪伴了他终生：一直唱到演艺生涯的告别演出。他的嗓音清澈、温暖，带着一丝天然的忧郁气质，完美传达了歌词中克制的痛苦和决绝，旋律线中的流畅和内敛。整个编曲非常克制，它避免了乡村音乐中常见的钢棒吉他或过度花哨的器乐，也避免了流行音乐中可能出现的过度甜腻。这种“克制下的深情”让歌曲的情感冲击力更为持久和深刻。结尾处弦乐和器乐的渐弱，如同远去的车影，余韵悠长——这大概就是“离开的仪式感” 一首歌的两种味道：在Frank Sinatra和Nick Cave的版本之间，我还是选择了后者。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第451位 查比·切克 《扭扭舞》 Chubby Checker The Twist 1959年，胖胖切克AKA查比·切克发行了两首市场反响平平的单曲后，把目光投向了汉克·巴拉德创作《扭扭舞》，彼时这首歌已经有一定知名度，但查比·切克的新版本赋予了这首歌新的生命力。 以萨克斯为主导乐器，没有复杂的和声变化或冗长的器乐独奏；歌词唯一目的就是邀请人们跳“扭扭舞”，没有深奥的含义和复杂的叙事；查比·切克充满活力、略带沙哑的嗓音极具感染力，号召力十足，但一切服务于节奏和舞蹈——他发明的《扭扭舞》是整首歌的推进器，动作非常简单，查比·切克说：“想象着你用双脚踩灭香烟，或者就像洗完澡出来用毛巾擦屁股一样。”。 歌曲在1960年推出后迅速登上公告牌百强单曲榜，而在1962年，有传闻说第一夫人杰奎琳·肯尼迪在白宫里跳扭扭舞，在名人带货的光环下，歌曲再次登顶。尽管艾森豪威尔老师说这种舞蹈是“粗俗的，肮脏的”，但换来的却是更多的白人青少年和中产阶级家庭的趋之若鹜。 查比·切克围绕着《扭扭舞》这个主题，后续发行了一系列相关的歌曲和电影，被誉为“扭扭舞之王”（The King of the Twist），而扭扭舞也成为吸引了所有年龄段的听众来到舞池跳舞：一种既尊重时代又打破传统的舞蹈。每次听到这首歌，我都会想起塞林格《麦田里的守望者》的“我”和妹妹菲比跳舞的那一段，如果你没有看过小说，那么昆汀·塔伦蒂诺的电影《低俗小说》中文森特和米娅·华莱士的尬舞，还有印象吧？现在，让我们双脚分开站立，膝盖微弯，用脚碾地，同时扭动起我们的臀部，一起来跳扭扭舞。 一首歌的两种味道，早期嘻哈团体The Fat Boys的版本。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第452位 山姆·库克 《丘比特》 Sam Cooke Cupid 1961年，渴望摆脱大厂牌对创作方向束缚的山姆·库克，成立了自己的公司SAR唱片，急需一首经典用以证明他作为独立创作者和制作人的能力，而《丘比特》显然是救命稻草。 这是一首旋律抓耳、情感普世、制作精良的作品：旋律和编曲上用福音音乐带来的情感力量（通过人声表达）与流行弦乐、拉丁节奏的结合，创造了一种新颖而迷人的“灵魂流行乐”。在温暖的拉丁节奏的律动下，弦乐不再是简单的背景铺垫，而是编织出优雅、浪漫、略带忧郁的氛围，与库克的人声相互呼应。 歌词方面，歌曲以对射手丘比特的呼唤开篇，召唤一位来自远古的人物来解决现代的爱情困境。但为痴情者发声把神性与凡俗的并置，归根结底说的是暗恋的无能为力。何况歌中的“我”连做基本的舔狗都算不上——整首歌歌词不多，内容简单，初中生都能看懂，但山姆·库克通过这寥寥数语，编织了一个避开陈词滥调、却能引发共鸣的故事，将焦虑个性化，使听众既能感同身受，也能在自己多年的相思低语中找到共鸣。歌词中最著名的一句是“For I love a girl who doesn't know I exist（我爱着一个不知我存在的女孩）”，不仅道出了无名爱慕者的痛苦；更将爱慕对象提升至近乎神话的高度，我听得眼睛都要拉丝了，这是灵魂乐所能达到的优雅、深情与流行的完美平衡，而天下所有暗恋者流着泪排着队呼唤着丘比特之箭，甚至都不用做一个马歇尔供求模型。 一首歌的两种味道，来自我最喜欢的女歌手艾米的雷鬼版本？

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第453位 枪炮与玫瑰-天堂之城 Guns N' Roses-Paradise City 歌曲选自枪炮与玫瑰首专《毁灭的欲望》，是专辑的第四首也是最后一首单曲。 歌名和之前的单曲《欢迎来到丛林》属于同一个硬币的两面：《丛林》是残酷现实起点，《天堂之城》是逃离现实终点。大都市生活的黑暗面（丛林）和人们在其中孕育的梦想与幻象（天堂）的对立。和《毁灭的欲望》中的大部分歌曲一样，以黑暗、绝望的视角审视描述底层青年的美国梦的阴暗面。歌曲结构宏大而独特，时长近七分钟，是《毁灭欲》中最长的歌曲，没有传统的主歌-副歌-主歌-副歌结构，而是更像一个情绪不断攀升的过程 。开场以吉他手Slash一段清亮的吉他旋律开场，Axl的演唱进入后，节奏吉他猛烈而稳固，能量积累慢慢把歌曲推到最核心、最狂暴的的副歌，而当你听到最后一段主歌时，它已全速前进——鼓和吉他独奏像旋风般要失控。在最后的几分钟，歌曲加速变成了一种更硬核、更快速的野兽，它几乎变成了一首不同的歌。硬摇滚、朋克风格和华丽摇滚影响的混合，创造出一种反叛且颂歌般的声音，像一杯你无法抗拒的听觉鸡尾酒，最终在狂暴的 Riff 和 Axl 的嘶吼中达到史诗般的顶峰。 但是，相比较这首歌，你更应该去看看这首歌的MV，乐队狂野不羁的舞台形象，尤其是Axl Rose，当时的他，是这星球上所有的青少年心目中摇滚乐队主唱的样子，25岁的罗斯老师所在的舞台，才是真正天堂之城。 一首歌的两种味道：首选是一身正气的Richard Cheese，其次是慵懒的Scubba，这两个版本非常独特，值得一听！ 视频素材来自官网，视频包含了来自两场重要演唱会的激动人心的表演片段——一场在新泽西的巨人体育场 (Giants Stadium)，另一场在唐宁顿公园 (Donington Park) 的摇滚怪兽音乐节 (Monsters of Rock festival)。文稿撰写、歌词翻译、剪辑：声轨锈斑。视频前半段文字为歌词翻译，后半段为相关解读。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第454位 乔治·哈里森 《我亲爱的主》 George Harrison-My Sweet Lord 在披头士乐队的鼎盛时期，乔治·哈里森被称为“安静的披头士”。这个称号或许是因为约翰·列侬及保罗·麦卡特尼的锋芒过甚，也或许是因为哈里森作过于低调，但“安静的披头士”显然有很多话要说，在披头士乐队1970年解散后仅七个月，乔治·哈里森就推出了他的首支冠军个人单曲《《我亲爱的主》。旋律是这首歌成功的关键之一，它极其优美、流畅、朗朗上口，具有强烈的感染力，副歌部分的（“My sweet Lord... Hallelujah... Hare Krishna...”）的旋律线更是清晰、充满情感，易于传唱。 歌曲由哈里森演奏的滑棒吉他开场，埃里克·克莱普顿、林戈·斯塔尔，坏手指乐队一众大牌加入，制作人菲尔·斯佩克特标志性的“声墙”技术让两架钢琴，五把吉他像管弦乐队一样演奏，而和厚重复杂的音乐相比，主歌部分22个简单的英文单词组成的歌词更符合宗教音乐的通俗易懂向下兼容。值得一提的是，这首《我亲爱的主》并不是传统白人宗教歌曲，他在副歌和声部分同时使用了基督教犹太教和印度教的术语：哈瑞·奎师那和哈瑞·罗摩“Hare Krishna” 和“Hare Rama是对印度教神奎师那（Krishna）的赞颂。哈里森此举的目的，不是临时抱佛脚，讨好漫天神佛，而是为了呼吁宗教宗派之间的和睦相处。 歌曲发行后，奇想乐队《他真棒》（The Chiffons《He's So Fine》）的版权持有者，听到了一些熟悉的声音，对哈里森和唱片公司提起了马拉松式的诉讼。“我从未从这首歌中赚到过钱，”哈里森后来接受采访时说。“它一直处于第三方托管状态。就我而言，这首歌产生的影响远远超过了版权方之间的争吵以及他们的贪婪和嫉妒。” 2002年1月，乔治·哈里森去世两个月后，这首歌在重新发行时再次登顶排行榜。 一首歌的两种味道：来自鲍勃马利之子Damian Marley的雷鬼版，和Revival House Project&Bryan Chambers&Floorplan&GeO Gospel Choir（好长的名字）的Floorplan Remix。 我们看到的这个视频（视频在公号），是2023年，为纪念乔治·哈里森经典单曲《My Sweet Lord》问世五十周年，全新制作的纪念版音乐MV。该作品由荣获格莱美奖的混音师保罗·希克斯进行重新混音，导演兰斯·邦斯执掌影像创作，并通过Apple Music独家发布。此次纪念企划源于对哈里森传奇专辑《All Things Must Pass》发行五十周年的致敬。制作由哈里森之子达尼·哈里森与执行制片人大卫·宗夏恩共同监督完成。这部音乐影像的独特之处在于其丰富的嘉宾阵容。参与演出的27位嘉宾横跨影视与音乐领域，包括《星球大战》主演马克·哈米尔、披头士乐队成员林戈·斯塔尔、喜剧演员帕顿·奥斯瓦尔特、导演塔伊卡·维迪提等众多知名人士。在艺术表达方面，影片延续了原曲的宗教意象，但通过现代影像语言进行了全新诠释。歌词中反复吟唱的“我亲爱的主”被赋予更深层的含义——不再局限于宗教崇拜的本意，而是升华为对创作精神与艺术灵性的礼赞。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第455位 涅槃-满怀歉意 Nirvana-All Apologies 流行音乐史上很少有旋律像涅槃乐队（Nirvana）1993年的单曲《满怀歉意》Nirvana （All Apologies）那样无处不在。尽管时至今日，《少年心气》、 《我行我素》（Smells Like Teen Spirit、Come As You Are）的点播率在音乐流媒体平台上更靠前。但《满怀歉意》有一种全然不同的特质，一种神秘的倦怠感，试图永久地铭刻在你的脑海深处。 也许仅凭音乐理论就足以解释这首歌为何如此令人难忘地有力——Kurt Cobain确实对流行旋律有着出人意料的偏好，这首微妙、近乎披头士式的抒情风格与《In Utero》专辑中垃圾摇滚的沉重感形成对比。歌曲创作期间Cobain正处于个人生活的极度动荡期：与毒瘾的斗争、与媒体和名声的紧张关系、与妻子寇特妮·洛芙（Courtney Love）充满争议的婚姻、初为人父的责任感与压力、慢性胃痛的折磨。歌曲以最后的叠句：总而言之，我们不过如此（All in all is all we are）传达出对身份和处境的顺从和接受，而从听者角度得到的共鸣是，我们都有各自的差异和痛苦，但本质上趋同，大家也都是这样不过如此。 《满怀歉意》常被记作一首最初是电声作品，后在MTV不插电（MTV Unplugged）上被不朽化的歌曲，在MTV不插电的表演中，Cobain配上大提琴伴奏的演唱是当晚的亮点，好像也暗示了他未来可能探索的方向。Kurt Cobain将他的部分灵魂注入了这首歌，但他并不是像歌曲中那样能用略带戏谑的语气轻松对待生活，这大概勉强可以解释歌曲为什么被排在乐队最后一张录音室专辑《在子宫》（In Utero）的第12首，也是最后一首的位置。 一首歌的两种味道：听了太多版本，最后选择了DOA+8 bit的版本，算是相对比较新鲜。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第456位 劳埃德·普莱斯-斯泰格·李 Lloyd Price-Stagger Lee 这是基于真实事件改编的凶杀叙事歌曲。事情发生在1895年的圣诞夜，两个黑人赌鬼斯泰格·李和比利，因赌博发生争执，斯塔格李开枪射杀了比利。这个故事有很多个歌曲版本，近现代最著名的，可以参考尼克·凯夫1996年的专辑《谋杀歌谣》。 回到劳埃德·普莱斯-斯泰格·李，1958年录制，1959年发行后就登上了公告牌流行音乐排行榜榜首，普莱斯以充满犯罪小说般含蓄张力的旁白开场：夜色清朗、月儿昏黄，树叶纷然飘落，乐队随即加入，普莱斯高喊出斯泰格·李和比利因赌博而争执的故事，以斯泰格·李的子弹穿过比利身体并打碎酒保的玻璃杯作结。“斯泰格·李，上啊！”合唱声贯穿全曲。 斯泰格·李的故事在当时美国黑人中广为流传，本身流量就很大，劳埃德·普莱斯和制作人对原始故事进行了戏剧化的改编和浓缩，在音乐风格上是节奏布鲁斯和早期摇滚乐，旋律朗朗上口，以呼喊式的、带有福音和布鲁斯色彩的演唱为特点。民谣的叙事性与强劲节奏结合，营造出一种既欢快又暗含暴力的独特氛围。作为一首由黑人艺术家演唱、改编自黑人民间故事、带有强烈黑人音乐元素的歌曲，能登顶主流流行榜冠军，具有重要的文化意义。它证明了黑人音乐的巨大商业潜力和对广泛听众的吸引力，为后来的灵魂乐和更多黑人艺术家进入主流铺平了道路。 当然，为了艺术，为了能顺利上综艺，他也修改过歌词， “我不得不编一些歌词，说斯泰格·李和比利是为了一个女孩发生争执，”普莱斯在2013年告诉《公告牌》杂志。“这毫无道理，简直荒谬。” 一首歌的两种味道，为你奉上的是Neil Diamond老师演绎的版本。