事实证明，人类雄性荷尔蒙爆棚时，是什么话都能说得出口的。傀儡乐队同名首张专辑的开场曲《我想当你的狗》，就是这么一首歌。你不要看乐队主唱伊基·波普现在满脸皱纹，在1969年的他22岁的时候，也是个美少年。触目惊心的标题和歌词之外，不断重复的下行三和弦吉他连复段贯穿整首了歌。它呼应了伊基·波普歌词中所描述的堕落。他向毒品、向施虐受虐（S&M）、向虐待狂（sadism）屈服。《我想当你的狗》这首歌，提前定义了70年代后朋克音乐里的虚无主义，而在当时，这种阴郁的情绪与伍德斯托克那个嬉皮年代的社会崩塌和疏离感相吻合。当然高高在上的乐评人想要更宏大一些，会说它体现了工人阶级的焦虑和幻灭。而伊基·波普本人也确实是这么说的：我想写一些宏大的歌曲，比如上帝，而我把上帝倒过来写，就得到了这首歌的名字。歌曲连接了60年代末的迷幻摇滚与车库摇滚。地下丝绒乐队的约翰·凯尔在这首歌中演奏了钢琴和雪橇铃，更让人着魔的是吉他手罗恩·阿什顿，仅仅用了三个和弦就以其强烈的节奏与严重失真的吉他影响了后来的朋克与重金属。如同地下丝绒乐队一样，傀儡乐队的影响力远远超过了他们商业上的成功。而今天晚上，你想对谁唱起这首歌呢？ 一首歌的两种味道，这首歌自青春期开始伴我成长，一路走来听过太多的翻唱版本，这里选择了三个不同风格的女声，她们是：StunGun Detroit、Emilie Simon、P.E.。另外，我还要推荐这些艺术家的翻唱版本：Forgotten Tomb、FUTON、Helltrash、Monsieur Job、Shallowmar、Psychonaut 4，最后这个其实已经有一部分“阿卡贝拉”被我混入StunGun Detroit的前奏中。 2010年，傀儡乐队在被提名七年后终于入选摇滚名人堂，并在现场进行了表演。此时的乐队早已不是那个七十年代初被主流忽视的原始朋克先驱，而是被公认为改变了摇滚乐走向的传奇，但看看台下的巍然不动的燕尾服，你就该知道，傀儡们入选是有多难。 演出阵容中伊基·波普时年62岁，依然是那个永不衰老的“原始尖叫者”。原始吉他手詹姆斯·威廉姆森（James Williamson） 回归，他的吉他声如同电锯般锋利。后朋克传奇乐队“伪装者”（The Pretenders） 的主唱克里斯·海因德（Chrissie Hynde） 和吉他手詹姆斯·斯科特·沃克（James Scott Wakeling） 加入，填补了已故成员（罗恩·阿什顿）的位置，带来了致敬与新鲜血液的奇妙融合。伊基老师依旧赤膊上阵，皮肤松弛却肌肉线条依旧，标志性的舞台动作——抽搐、嘶吼、与观众互动——丝毫未打折扣。他不仅是在表演，更是在向优雅的上层社会挑衅，或者说入侵。一个以反体制、反主流起家的乐队，最终站在了代表主流音乐工业最高荣誉的殿堂上。对傀儡乐队乐迷来讲，有没有一种“被招安”的感觉?

1945年3月7日出生 2006年8月3日 Arthur Lee 亚瑟·李 1967年是摇滚史上最为传奇的一年：The Beatles发行了《Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band》，The Doors发行了同名专辑《The Doors》，The Velvet Underground则推出了《The Velvet Underground & Nico》。在这片星光璀璨的天空中，Arthur Lee的Love乐队发行了他们的第三张专辑——《Forever Changes》（永恒变幻） 《Forever Changes》这张专辑的制作过程本身就是个传奇：乐队成员当时沉迷于毒品和酒精，生命都岌岌可危，更不用谈及创作状态了。录制专辑时，成员们似乎更关注自己的派对和幻觉体验，而非音乐创作。Arthur Lee对此的描述很有意思，充满了早期摇滚乐队的宿命感：“我们曾经每个晚上都创作。在我们开始赚钱后，我们赚得越多，就干得越少，越不像一个乐队。每人各自有了房子，凯迪拉克汽车，他们就不需要我了。钱毁了他们，也毁了我。”然而，正是这种“毁灭”的过程中，音乐史上最不可思议的杰作之一诞生了：《Forever Changes》融合了民谣和迷幻摇滚，并加入了管弦乐编排，创造出了一种既美妙又令人不安的声音。我们来听《Alone Again Or（再次孤独）》。 在爱与孤独中携手同行，它是变化世界中生存的不安之美，这是一支如此精致脆弱的乐曲，以简单纯粹干净的原声吉他，弦乐拉进你的心跳，带着优雅与张力，墨西哥街头乐队风格的小号独奏，如同阳光冲破乌云般闯入你的耳中，让你沉浸在自己的世界里无法自拔，这是一个人在夜里走在公园里的那种孤单吧。而《A House Is Not A Motel（家非旅店）》则带听众走进了Arthur Lee内心深处的黑暗。 Arthur Lee1945年出生在孟菲斯，虽然自诩为第一个黑人嬉皮士，但事实上，他是一个混血儿，父亲是白人爵士短号手，可能因为肤色更接近黑人，他更有认同感。但不管白人黑人混血人，每个时代的青少年都有为赋新词强说愁、标新立异的义务和责任，Arthur Lee的青春期也一样，他戴着菱形框的老花镜，穿着军靴和其他嬉皮士风格的服饰，有时候甚至只穿一只鞋走来走去，当然，也组乐队玩黑人音乐节奏蓝调，在看到The Yardbirds的现场后，他决定转向民谣摇滚，不再被困在黑人酒吧里演出。在他的领导下，跨种族乐队Love发行了第一张专辑，同名专辑《Love》，这张专辑应该说只是乐队现场演出的唱片再现，以Rolling Stone和The Yardbirds的风格为主，有摇滚有迷幻有民谣摇滚，有一定市场，但整体效果并不是特别理想，这倒并不是说模仿的痕迹太重，观众不买账，总有一些黑人女孩儿厌倦了烂掉布鲁斯，而喜欢这种更新鲜的风格。没有一炮而红主要的原因是Arthur Lee不太愿意去巡回演出，乐队缺少曝光度。 Love乐队的第二张专辑《Da Capo（从头再来）》是一个很好的契机，Da Capo是意大利语，指的是古典音乐的乐曲从头部进行反复，这个时候的Arthur Lee野心十足，有突破首张专辑风格、进行实验探索新起点的意思。专辑中出现了一些被后来称为“游艇摇滚（Yacht Rock）”的元素，爵士元素，甚至有评论说这可能是第一张爵士摇滚专辑。专辑中有两首歌特别出彩。《7 and 7 Is（七的困局）》和长达18分钟的即兴演奏《Revelation（启示录）》，其中，《Revelation》是最早占据唱片一整面的摇滚曲目，而《7 and 7 Is》，我第一次听这首歌其实是来自Ramones的翻唱，它作为Love乐队早期最成功的歌曲，充满节奏感、甚至带点威胁性的能量爆发。根据Arthur Lee本人的解释，说歌曲是源自德州扑克术语“7 and 7”（即双方都是7点的平局），用来比喻一种 “无法决定的中间状态” ，描述的是青春期悬而未决的焦灼感。歌词中的“我”在成年与童年之间撕扯，最终，以核爆的声音收尾，是悲剧吗？ 《Da Capo》专辑发行后，Arthur Lee和他的爱乐队，已经小有名气，算是带头大哥，Jimi Hendrix和The Doors的主唱Jim Morrison，都是他的粉丝，他开始提携后辈带着老板去看The Doors的演出，The Doors在之后和Love签约同一个唱片公司，很大程度上他们是冲着Arthur Lee去的。但这个时候Love乐队本身的问题越来越大，另一个创作者，吉他手Bryan MacLean（布莱恩·麦克林）和他的矛盾越来越大，Love本质上其实是Arthur Lee的个人工具，而非一个平等的乐队。他拒绝带着乐队去全国性或美国之外的巡演，甚至拒绝了蒙特雷国际流行音乐节的邀请。相比较The Doors很好的抓住机会脱颖而出，Arthur Lee给出的理由是不知道会被如何对待......MBTI人格测试中的两种大类型，这应该算是i人性格，这个对乐队的发展非常不利，但另一种说法是，Arthur Lee不愿意出门巡演，是想离他的毒品来源近一些。 在之后，就是我们在节目开头说过的让Love乐队迅速燃烧，然后破灭的专辑《Forever Changes》。Arthur Lee曾预言自己会在26岁时死去，这一预言没有成真，但《Forever Changes》却成为了Love乐队创作巅峰与终结的休止符，这是一张靠着药物推动的专辑，复杂的歌曲结构、刻意讲究的唱法和黑暗、晦涩的歌词素材。依旧是叫好不叫座：它被无数摇滚音乐人奉若圭臬，但商业上的不成功最终导致了乐队原始成员与Arthur Lee分道扬镳，他开始了长期更换乐队成员的恶性循环。 退圈入狱销声匿迹后，Arthur Lee在千禧年找回了原班人马重启演出，但时代已经过去了，年轻人不再为老梆子买单。Arthur Lee没能死在26岁，这或许是他最大的不幸，这或许也是他留给世界的、超出预言的另一种馈赠。他活了下来，带着那份早熟的苍老、未竟的野心与被毒品和法律磨损的才华，成为了摇滚史上一道独特的暗影——一个在“爱”的名义下，始终与孤独和毁灭同行的混血先知。Arthur Lee的音乐如同他本人一样，处在一种美丽的矛盾之中：在民谣的宁静与迷幻的狂乱之间，在黑人的律动与白人的旋律之间，在天真的向往与世故的绝望之间，永恒变幻，也永恒地停滞在那个1967年的，充满了不安预感的黄昏的梦里。 本期选曲 Andmoreagain Alone Again Or A House Is Not a Motel My Little Red Book 7 And 7 Is Always See Your Face Everybody's Gotta Live

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第439位 约翰·库格·梅伦坎普 《粉色小屋》 John Cougar Mellencamp-Pink Houses 1983年初夏，32岁的约翰·梅伦坎普开车回印第安纳州的家。他刚获得格莱美奖最佳摇滚男歌手表演奖，经历了多年在空荡荡的低级酒吧演出、与不靠谱的经纪人勾心斗角后，他终于取得了商业上的成功：从小镇青年成长为中心地带摇滚流派的积极分子。 而在这个清晨，他看到洲际公路不到两米的地方一个抱着猫的黑人男子，坐在他饱经风霜的粉色小屋的门口，面对飞速行驶喧嚣吵闹的高速公路车流面不改色岿然不动。灵感瞬间而来，这个场景就是《粉色小屋》的第一段，主歌描写了几个美国众生相，在反复吟唱的副歌中唱出点睛的一句：这就是美国吗？对美国梦在中下层阶级中的下沉提出了讽刺和质疑。“这是一首反美国的歌曲，”约翰·梅伦坎普在接受访问时说，“美国梦基本上已经证明它不再奏效了。这是我夹带私货的另一种方式。” 回到开头的“中心地带摇滚流派”，这是20世纪70年代末至90年代初在美国独有的摇滚乐流派，中心思想是歌颂美国蓝领阶层的生活、奋斗与梦想，尤其聚焦于中西部工业城镇（即所谓的“Heartland”）的普通人故事。它融合了摇滚、民谣、乡村和布鲁斯元素，音乐风格直接有力，歌词充满叙事性和社会关怀。《粉红小屋》就是这么一首标准的中心地带摇滚歌曲。梅伦坎普原本希望它能成为一堂关于美国种族、阶级和生存的课。副歌中重复的“这就是美国吗？”这句歌词，本意是讽刺和愤世嫉俗的，但是，更具有讽刺意味的是，歌曲反而被用于政治广告和竞选集会，莫名其妙的放过了这个公知美奸，美国人民，还是要加强政治学习啊~~~

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第440位 盐巴与胡椒-推它 Salt-N-Pepa-Push It 这首十八线县城广场舞团都不太会采用的，有些古老的歌，它的节奏和合成器听上去简单的有点过分，重复的鼓机节拍和喊麦式合唱——但这就是80年代oldschool的标准。 制作人阿佐尔（Hurby "Luv Bug" Azor ）采样了德国电子音乐先驱发电厂（Kraftwerk）的经典作品《环法自行车赛（ Tour de France ）》的节奏，并加入尖锐的合成器音效，创造了极具辨识度的间奏。但问题是歌词有点儿，怎么说呢，擦边或者玩谐音梗。当然她们自己是不承认的，组合成员在接受采访时说："三十年来我们不断解释，对我们这些年轻女孩来说，它纯粹只是舞蹈。而不是另一种意思。” 但事实上所有人都以为是另一种意思。而正是这种“众人皆醉我独醒”的挑衅，帮助歌曲获得更多关注，成为女性在嘻哈音乐中发声的里程碑。乐迷真金白银用脚投票，让她们的专辑获得了白金销量认证，她们也获得了格莱美最佳说唱表演奖提名，当然获奖是不太可能的。那么，问题又来了，你知道另一种意思，是什么意思吗？

1863年11月19日，林肯在宾夕法尼亚州葛底斯堡进行演讲的时候，无论如何想不到，100多年后，AI软件会把他的演讲稿推荐给学生用来学习英语，现如今昔人已乘黄鹤去，您充值的用户也已不在服务区，为了提高我们的姿势水平，知识储备，我们就来听一听背一背林肯老师的葛底斯堡演讲。彼时爱迪生还没有发明留声机，我们无法听到真实的林肯的原声，那就来听2013年电影《拯救林肯》中的葛底斯堡演讲。 刚才听到的，就是我心目中美国白种人对这个演讲稿的演绎，糖分过多有点甜腻，后面加了一段合唱来激励人心，如果美国有春晚，这首歌可以放在到什么时间段呢。葛底斯堡演讲的前因后果很简单，南北战争兄弟阋墙在宾夕法尼亚州打了一场大的战役，死了5万多人，人心浮动，都是自己人，不想再继续了。在安葬阵亡士兵的公墓落成仪式上，林肯进行了272字的简短的言说，通过重新定义战争的意义，将国家统一与平等自由绑定，不仅为北方注入了精神动力，也为后世的美国民主制度提供了思想基石。有人说南北战争的最大受益者是黑种人，这个其实想的有点简单了，主要还是个转型期的资本再分配，虽然奴隶制的存废争议是激发的原因之一，但战争结束后黑人还是底层，当然积极作用是有的，民权运动的种子在此时埋下，百年抗争黑命贵，我们来听一首黑人嘻哈风格的葛底斯堡演讲。 轮回乐队给辛弃疾的《京口北固亭怀古》谱了曲，美国的音乐家同样也对这篇演讲稿动了心思，究其原因其实很简单，因为他们的教材里要求全文背诵。众所周知，囫囵吞枣的背诵是全世界最痛苦的事情，当然，大家也要感谢林肯，只用了2分钟，272个单词浓缩了“自由、平等与新生国家”的宏大主题，演讲结构如诗歌，层层递进，短句+排比，到最后神来之笔“民有、民治、民享”结束，正所谓伟大的思想无需冗长，真正的力量在于精准与真诚。我们在这里不讨论精神和意义，大家也要理性看待这个演讲的内容，社会进步是螺旋式进程，宣言是起点而非终点。而至于娜拉走后怎样，易卜生没有答案，鲁迅先生，好像也是没有答案的。 本期选歌 King Things - Gettysburg Address Infinite Jukebox - Gettysburg Address The City of Prague Philharmonic Orchestra - Gettysburg Address Roy Basler - Gettysburg Address (1863)

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第441位 德尔·维京斯《与我同行》 The Del-Vikings -Come Go With Me 这首充满上世纪50年代嘟·喔普（Doo-Wop）音乐的典型特征，编曲简单，以和声叠录与呼应式合唱为主要卖点的歌曲，是1957年的畅销单曲。节奏布鲁斯根基加当时的流行音乐的编曲，这是早期摇滚乐的雏形。歌词很简单了，一首小情歌。据说创作者克拉伦斯·奎克只花了10分钟就在军营里写完了，是的，德尔-维京斯乐队的成员大多为服役的军人。作为最早打破种族壁垒的流行乐队，这个乐队包含了黑人和白人不同肤色的歌手或者说战友。现实中，他们没有与我同行，这几个人退伍后都另组建了一个新的德尔-维京斯乐队，到后期，两个高音部歌手都说自己才是这首歌的主唱，弄的像真假美猴王一样，实在是令人遗憾。 一首歌的两种味道，Roy Buchanan的版本是否更贴近你的耳朵呢？

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第442位 小理查德 《继续敲门》 Little Richard - Keep A Knockin' 这首歌是摇滚乐的定型之作，它将节奏布鲁斯、布吉伍吉钢琴与福音音乐的能量融合，定义了早期摇滚乐在声音与态度上的许多关键特征：强劲的节拍、简单的结构、突出的钢琴/萨克斯、以及主唱极具个性的嘶吼。 1957年小理查德录制此曲时，正处于艺术爆发期。他摒弃了当时流行的柔和演唱风，转而采用一种嘶吼、尖叫、充满性别模糊感的狂放唱腔；夸张的造型、安能辨我是雄雌的表演风格以及歌曲中直白的性隐喻，小理查德在歌里高声呵斥访客要速速离去，随后便展开了一场他与萨克斯手之间的“噪音竞赛”，看谁制造的音浪更震耳欲聋——在此之前摇滚乐从未如此响亮、精彩且纯粹过，这对主流白人青少年构成了巨大的吸引力与冲击，也持续挑战了当时的文化规范——齐柏林飞艇乐队的经典曲目《摇滚乐》中就是传承《不停敲门》的鼓点前奏。 但是，钱塘江上潮信来，今日方知我是我。也正是这巨大的影响和反叛的力量，给小理查德自身带来了巨大的不安，直到有一天他突然顿悟，退出乐坛，基督神学院进修去也。 一首歌的两种味道，这里收录的是Louis Jordan和Flamin' Groovies的两个版本，未收录的是早期车库摇滚乐队The Sonics作品，嗓音也是非常赞。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第443位 鲍勃·马利与哭泣者乐队 《我射杀了警长》 Bob Marley & The Wailers - I Shot The Sheriff 这首歌的歌词很诡异，一半像没有接受过太多教育的犯人在给自己做无罪辩护，另一半则像是一个先知在对底层人民传道。 歌曲录制于1973年，收录在鲍勃·马利与哭泣者乐队的专辑《Burnin'》中，是鲍勃老师最经久不衰的作品之一，它将雷鬼乐的节奏与有力的叙事和社会意识强烈的歌词融为一体，兼具娱乐性和发人深省的双重力量。在音乐上，这是雷鬼音乐标志性律动的大师级课程，以切分节奏为特点，典型的"一滴"（one drop）鼓点模式，鼓强调每小节的第三拍。鼓手微妙而推进的节奏驱动着整首曲目，为其他乐器编织错综复杂的旋律线条奠定了基础。吉他手提供了斯卡节奏，一种短促、断奏的和弦模式，强调弱拍，赋予这首歌无可置疑的雷鬼脉动。贝斯手连绵起伏的低音线条与节奏吉他相辅相成，创造出一种既令人着迷又富有驱动力的律动。驱动脉动律动，这个编排看似简单，但效果显著。 一首歌的两种味道：歌曲发行后很快在雷鬼音乐的受众中受到极大的欢迎，第二年，埃里克·克莱普顿的翻唱版本登上公告牌百强单曲榜的榜首，让这首歌彻底破圈。鲍勃老师的原版歌曲被介绍给了更广泛的听众，雷鬼音乐在全球范围内得到了普及。因为歌词的特殊性，你知道普通民众与当权者在全世界范围内都存在着永恒的对立。所以这首歌多年来经久不衰，特别是嘻哈歌手非常热衷于对它翻唱。我们首先听到的是1997年，说唱歌手沃伦 G（Warren G）的翻唱版本。 非常丝滑爽口的说唱。雷鬼乐，尤其是鲍勃·马利的音乐最大的特色就是将个人叙事、政治意识和动人的旋律节奏结合在一起，以超越文化边界的方式呈现。而嘻哈说唱音乐无疑是最懂雷鬼乐的，他们的采样展示了雷鬼乐的一部分，保持其根源的同时，与不同背景和时代的观众进行互动。下一首歌同样是嘻哈歌曲，来自雪之暴徒（Snowgoons）的致敬。 其实很多说唱歌曲都和这首歌一样有着相同的主题，但很明显，这首歌并没有引起更大的争议，这是否存在双重标准呢？我们来听巴萨诺瓦版本的《我射杀了警长》，巴萨诺瓦音乐也和雷鬼乐一样有着放松的能量，这个版本亦然。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第444位 桑尼和雪儿 《我拥有了你 》 Sonny & Cher I Got You Babe 我20多岁的时候，有一年的冬夜，每天晚上躺在被窝里，让电视机反反复复地播放《土拨鼠之日》，电影剧情早就烂熟于心，主要是闲着无聊，心里暗暗有一点给自己搞行为艺术的想法，电影里在反复生活，我也在反复生活。当然后来才想到，被动和主动的反复，完全和东施效颦都不搭界，完全是两个概念，更何况没有被人看到的艺术，就是无效的艺术。 我们今天介绍的这首歌，甜美欢快又开怀，在电影《土拨鼠之日》里，它和男主的困惑，烦躁，绝望和坦然的各种情绪交织，歌曲和电影形成了鲜明的对比，有一种时间循环的荒诞感。1965年，在鲍勃·迪伦（Bob Dylan）的歌曲《那不是我》 （It Ain’t Me Babe）的启发下，桑尼在车库里用一架低音区有三个坏键的钢琴创作了这首歌，这是60年代最具标志性的二重唱歌曲，编曲上采用了典型的“声墙”制作手法，但规模相对较小，以温暖的管风琴、稳定的鼓点和明亮的原声吉他为基底。雪儿富有磁性的女低音与桑尼略显粗糙的男声形成了奇妙的和谐，这种对比使得他们的二重唱极具辨识度。歌词以一种对话的形式展开，桑尼和雪儿这对夫妻合唱组合轮流演唱，相互回应。歌词内容简单却真挚，描绘了一对年轻恋人尽管一无所有、被外界看衰，但因为他们彼此拥有，就对未来充满信心和无畏。歌词中反复唱到的“I got you babe”是核心，强调了爱情作为抵御世界一切困难的堡垒的力量。 歌曲发行于1965年，正值西方“反文化运动”和“嬉皮士”运动兴起的前夜。歌曲中摒弃物质主义、强调爱与陪伴的精神，与当时年轻人追求和平、爱与团结的理念高度共鸣。它成为了那个时代乌托邦理想的一种温和的“国歌”。但不到10年，雪儿就向法院申请了离婚，离婚过程比较丑陋，因为这首歌的版税相互扯皮，歌曲和现实，同样形成了鲜明的对比。 一首歌的两种味道，跳跃的Etta James为你带来大女主的味道。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第445位 涅槃乐队 我行我素 Nirvana Come As You Are 这是垃圾摇滚的国歌： 与《Smells Like Teen Spirit》(少年心气)的直接愤怒不同，《Come As You Are》代表了Grunge音乐的另一面——内省、阴郁、优美而致命。它定义了那种“表面平静，内核崩坏”的九十年代情绪。1991年，涅槃乐队和制作人Butch Vig（布奇·维格），围绕乐队的第二张专辑开始工作，《Come As You Are》是最后一批出来的作品。乐队每天排练死磕十个小时，坚持了六个月。Butch Vig回忆道：“Kurt与那种看上去懒散的态度相反，他想做一张听起来非常棒的专辑。” 歌曲的吉他连复段非常简单又非常抓耳，在低音区第六弦构建，和贝斯相呼应，是整首歌的基调，不会吉他的人稍加训练后都可以轻松拿捏。 在歌词方面，像《Nevermind》专辑的大部分作品一样——充分展现了Kurt Cobain的矛盾，充满了刻意的对比。他恳求听众“以你的本色来吧”(Come as you are)，随后又默许“像你过去那样”(as you were)，而“慢慢来”(take your time)的指令又与“赶快”(hurry up)相对，但最终“选择权在你”(the choice is yours)。而最后的点睛之笔是“And I swear that I don't have a gun”（我发誓我没枪） ，这句话可以有多种的理解。而这首歌也有多重的理解，在制作人Butch Vig的眼里，这一一首关于接纳，关于不适应环境的人，在逆境中的挣扎。而Killing Joke(致命玩笑)乐队的眼里，这首歌的前奏侵犯了他们的歌曲《Eighties》的版权。当然，这项指控从未上法庭，因为在Kurt Cobain1994年去世后，Killing Joke撤回了案件。“生命他妈的太短了，伙计，”KJ的主唱Jaz Coleman(贾兹·科尔曼)解释说，“我们可以去钓鱼或做些明智的事情。”。 而关于这首歌的官方MV，Kurt起初不想出现在视频中，但最终被说服了，条件是乐队成员的脸会被扭曲。从《Nevermind》封面艺术（显示一个婴儿在水下游泳）中汲取灵感，Nirvana在视频中被流水所模糊，将他们与观众隔开，模糊不清的形象出现在电视上，好像又是一种矛盾。 一首歌的两种味道，我选择了很多个版本，电子朋克布鲁斯，但是，只要是有人唱的，总找不到那股劲，你能明白我的意思吗？

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第446位 图茨·希伯特与麦塔斯乐队《重压落下》 Toots & The Maytals -Pressure Drop 在20世纪60年代牙买加充满活力的街头，喷涌而出的雷鬼音乐众神们贡献了N多神曲，其中，图茨与麦塔斯的《重压落下》，不仅是一首让人随之摇摆的歌曲，更是一首承载着重要分量的颂歌。 歌曲创作于1969年，正值图茨·希伯特因持有大麻而入狱后不久。虽然他没有明确说这首歌是关于他的牢狱之灾，但这段经历无疑给他带来了巨大的“压力”，于是他创作了一首既可以作为逃避生活压力又可以直面生活压力的歌曲。编曲是早期雷鬼（Reggae）的典范之作，融合了其前身斯卡（Ska）和慢拍摇滚（Rocksteady）的特点，用到了大量的拟声词来保持节奏感，歌曲节奏的不可抗拒性鼓励听众在消化其信息的同时起舞。 歌词的核心主题是“因果报应”。叙述者预见到或正经历着一种无形的、巨大的“压力”正向某个曾经作恶的人（很可能就是对他自己造成伤害的人）袭来。这种“压力”不是物理攻击，而是一种命运的反噬、良知的谴责或宇宙的终极审判。据说这个歌词写法是源于牙买加民间智慧和拉斯特法里文化中对正义与平衡的信念。但在异乡人看来，这种行为和在家门上挂个镜子和夜里诅咒他人并坚信他会马上死去没有多大的区别。归根结底就是十个字：善恶终有报，天道好轮回。 一首歌的两种味道：《重压落下》这首歌被无数艺术家翻唱，其中最著名的是英国朋克乐队冲撞乐队（The Clash），他们的翻唱版本又将这首歌带给了新一代的乐迷。应该说它跨越了种族、国家和音乐类型的界限，影响了从摇滚、朋克到斯卡、雷鬼的众多音乐人。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第447位 香格里拉 街头帮主 The Shangri-Las-Leader Of The Pack 歌曲讲的是经典的“罗密欧与朱丽叶”式的悲剧爱情故事，少女爱上街头霸王，爱情甜如蜜，但因为社会阶层和父母反对被迫分手，最后街头霸王伤心欲绝雨中飙车车毁人亡。和当时的流行音乐相比，这首歌在创作手法上是编曲大于歌词大于旋律的。编曲上的创新性在当时是绝无仅有的：对话的念白、引擎轰鸣声、雷雨声、轮胎摩擦声穿插在Doo-Wop和声里，极大增加了歌曲的戏剧张力和画面感，而歌词中提供的女性叙事视角，无疑又是一次打破常规。歌曲在1964年10月发行，在公告牌百强榜上冠军宝座停留了一周。香格里拉这个组合很有意思，虽然昙花一现就解散了，但她们的音乐和当时大多数女子组合流行的、甜美明亮的风格不一样，有着更多的戏剧性和黑暗主题。 香格里拉组合的关键词是叛逆、爱情、失落、死亡，舞台形象也独树一帜，经常穿着皮衣、长靴，有一种既时尚又略带威胁感的“坏女孩”美学，而这对于后来的朋克摇滚、华丽摇滚和流行文化都有着深远的影响。一首歌的两种味道，我们首先听到的是，丹麦噪音流行乐队The Raveonettes的演绎。而美国朋克乐队Good Riddance（谢天谢地），也有着自己的理解。