不久前，因为工作关系，我认识了一位新朋友——戏剧导演邵斯凡。 斯凡是通过朋友的朋友的朋友，辗转找到我的。然而第一次见面，我们便真诚地畅聊了很多彼此近些年思考的问题，比如： 如果一位艺术家长期保持文化输出，那么他又靠什么输入呢？ 对于艺术家来说，最重要的是灵感光顾的频率还是艺术生命的长度？ 在一个山寨泛滥的时代，为什么依然需要经典与精品，精心打造的戏剧或商品背后传递着怎样的价值观？ 等等，等等。 这次会面，让我几乎忘记了时间，出于对这种谈话气氛的迷恋，我又邀请斯凡做客后浪剧场。 这个邀请背后，其实暗含了很多信息： 我们是因为戏剧这条纽带相遇的，艺术常常有这样的能量，把不同的人汇聚到一起； 两个不善social的人，可以在第一次见面时就可以敞开心扉毫无戒备地聊这么多，本质上是因为真诚吧，真诚是通往一切的道路； 真诚让斯凡展示出一种可持续合作性，这在当今的时代格外可贵，所以我们希望邀他进一步畅聊甚至寻求合作的可能。 这期节目里，我们主要聊了两大主题：巴黎有哪些重要剧院，每个剧院喜欢演哪种风格类型的戏剧；一家名为“不合时宜的孤独者”的戏剧出版社及其折射的法国戏剧出版生态。 从前者出发，我们既可以略窥巴黎的城市规划以及城市\国家对戏剧的重视程度，也可以看出戏剧文化在市民中的弥漫范围。后者，则如其名，透露了戏剧出版（包括戏剧、出版）在法国的处境，这种处境在我国又何尝不是如此呢，但前路艰难，并不曾阻挡勇敢者的步伐。这里与大家分享一份“不合时宜的孤独者”的logo，他们所有的书都用相同的封面和相同的logo，在这个logo里，一群流浪者背对读者\观众，向蓝天与白云深处走去，虽是孤独的流浪者，却衣装得体，十分体面，这个富有韵律与史诗感的画面，在斯凡第一次从包里掏出书本时就打动了我，也引发我对自己从事的工作想了很多，现在贴出来，希望你们也会喜欢。
最近两三年，我经常在各类话剧节目单上看到一个名字：祖纪妍。比如话剧《晚安吧，妈妈》《终成眷属》《家里红旗不倒》《嘿，是我》的宣传资料中，都可以看到这个名字。因为姓“祖”，我便一直以为这位导演是位长者，直到录音当天看到本尊，才知道是为很有少年感的90后。 可能是时代发展太快，资讯越来越发达，导致我对比自己年轻的人常常充满惊叹，惊叹于他们对世界的认知和对生活的见地，好像自己当初只知道稀里糊涂地度日，怎么就没有过思想闪耀、意气风发的时刻呢？因此，嘉宾越是年轻，我便越是慎重，并试着在他们身上学习多元的气度，哪怕仅仅是静赏。 虽然近几年一直活跃于话剧界，但祖纪妍其实是学电影的，本科和硕士都就读于北大。所以我们的话题便从她高为什么选择考北大以及考上之后在北大的校园生活开始。 北大有哪些东西是让你感觉值回票价的呢？ 带着这个问题，祖纪妍回顾了在北大课堂内外所感受到和学习到的物超所值之物。北大自由的空气和多元的文化，与高中应试教育的填鸭和单一的评判标准形成了鲜明的对比，这种差异，反而让她从被动学习转向了主动学习。所以对她来说，北大有太多东西都是值回票价的了。 而进一步促使她改变，甚至找到自己，包括找到自我的节奏（自我觉醒），是大二去香港浸会大学交换的半年。 不同的城市文化，不同的校园氛围，让她在差异中看到了内地学生的优势和局限，也看到了香港文化中一些让人舒服的生活方式。更重要的是，这半年，因为课业压力的减轻，反而让她更清楚自己要什么和不要什么，因而也拥有了争取和放弃的勇气。 在这个过程中，当初从西方文明史课上学来的每天写3000字的训练，让她获得了某种意义上创作的起点。因为只要坚持下来，这种日积月累的训练就会带来你思维和语言方式的改变。 而说到进入话剧界，竟像是一次游戏过程中的小小冒险，本来只是想玩票一下，不料一路通关，获得了北大剧星风采的冠军。然后歪打正着地和话剧结下了不解之缘，神奇地实现了从校园演出到社会商演的逐步转变，用她自己的话说，当初在校外咖啡馆跑过的火车吹过的牛，竟然全实现了！ 而当我问及当初的电影专业对于她日后指导话剧有何帮助时？她说，连生活都是电影教的，电影教会我什么样的价值观是值得追求的，教我怎样谈恋爱，所以你也可以认为关于戏剧的所有东西也是电影给的。 在话剧创作的道路上，她曾经说自己欠老天十个剧本。如今想来，其实不过是句大话，老天不在乎这十个剧本，我也不在乎，我更在乎的是写这十个剧本的过程，因为通过写作可以获得一种最纯粹的快乐。
美国最大流媒体平台Netflix（奈飞）这两年跟戛纳撕扯不断。去年奉俊昊和鲍姆巴赫的电影被戛纳群嘲、抵制，今年戛纳“掌门人”福茂则宣布奈飞出品的电影无缘主竞赛，奈飞本来要放到戛纳的五部电影也临时撤片。虽然二者的矛盾牵扯到的因素相当多，但仅从电影放映及发行方式来看，里面所呈现的问题关系到我们每一个会看电影的人。电影在未来的存续方式是否会因流媒体的发展而产生变革？大银幕与小荧幕哪个更适应我们今天的生活节奏？VR到底是不是电影的未来？ 【嘉宾介绍】 开寅 笔名「九只苍蝇撞墙」，生于北京，现居蒙特利尔。1997年毕业于上海外国语大学法语语言文学系。2011年获得法国巴黎第一大学（索邦）电影理论博士学位。研究方向为电影与意识形态、电影语言与技巧演变及中国电影史。曾任电影专业媒体编辑、记者，电影编剧、电影项目策划。 Peter Cat 国内最为专业的电影节媒体深焦的联合创始人，现从事电影国际发行、制片等工作。 【节目概览】 03:14 - 14:00 嘉宾就这两年Netflix与戛纳之间的恩怨阐述自己的观点及流媒体对传统电影放映方式的挑战。 14:25 - 23:40 嘉宾聊自己的观影习惯及不同媒体上电影的美学观念分歧。对比电视对电影院的冲击，流媒体对电影院的冲击甚至更大。国内引进片的删减对于观影选择产生的影响。 24:09 - 41:00 从《小偷家族》谈国内电影市场氛围，艺术电影在国内的现状与大众品味。中国的电影文化氛围较为特殊，看电影更像是一种“运动”。电影院文化在当前阶段的各种样貌。 41:20 - 48:25 从蔡明亮与盗版的纠纷谈国内的盗版文化及影响。电影作为文化产品的价值该从什么角度判断。 48:40 - 54: 27 对于卢米埃尔兄弟与爱迪生发明两种观影性质的讨论，二者的区别是否就是传统观影与未来观影的雏形。VR到底能不能做电影，李安的《比利林恩的中场战事》是不是与电影本体南辕北辙。 54:30 - 01:04:00 《托尼·厄德曼》与《燃烧》都经历了戛纳场刊评分炸裂，资源放出评分下滑的情况，这种状况是不是与观影方式及氛围有很大关系。两位嘉宾就此展开激烈辩论。 01:04:10 - 结尾 当下人们的生活方式与观影行为的影响。信息爆炸的时代人们面对海量选择时，碎片化的趋势在任何领域无法阻挡。算法对于观影习惯以及生活习惯的影响与局限。Peter Cat 推荐《盛夏》。 欢迎关注“后浪剧场”微信服务号houlangjuchang，本期节目彩蛋将会在服务号独家推送。
在当下的时代，无论于中国还是日本，女性，尤其知名女性的婚恋观，似乎都成了一个重要的社会议题。 对于霓虹国的女优天海祐希来说，自从2016年9月在“小酒馆”节目中公开不结婚宣言以来，几乎成了一部分当代女性面对婚姻时的icon，尤其被中日媒体报道后，更有了一种标签化的趋势。 对于步入50代的她来说，不结婚既是一种宣言，也更像一种行为选择的后果，而这个结果，某种程度上，有着外在环境与内在性格上的复杂成因。所以，与其停留在媒体报道的这个结果去单纯地评判或效仿，不妨追根溯源，先探究一下这个结果的成因。 一般意义上，对于一个普通人来说，在宽广的生命之河中，情感生活（尤其是爱情）总会占有不小的分量。而借由一个人在情感生活中的处境及态度，来进一步了解其内心，也是了解一个人的重要入口。 《苍之乱》 像表演课上的角色分析一样，我们借由了解他人来观照自己，也借由理解自己而进一步去理解他人的生活方式和人生选择。这个探究过程，如演员进入角色的过程一样复杂，涉及角色所处的时间与空间，还涉及其欲望指数与行动方式。而此种方式的训练，无论于角色创造还是日常生活，都有助于我们透过生活表象，看到内在肌理。 一如上期节目中提及的，天海祐希于1994年出版的诗集《笑容的引力》（笑顔の引力）是了解其内在心理的重要资料。全书58篇诗文，有33篇被划分到讲述情感生活的第二部分“心灵的归宿”，按照诗集编辑的顺序，这33首诗，几乎串起了一段情感生活起讫的整个过程，从一念始，到一念终，从美好的期望，到释怀的回望\展望，而作者27岁时的恋爱观，也在字字罗列、行行并排时渗透于每一寸字里行间。那是一个可能与大部分人印象相去甚远的、更加丰富细腻的少女形象，让读者仿若置身与作者的亲密空间与私密时刻。 尽管诗集发表的1994年（27岁）相比不结婚宣言公开的2016年（49岁）已经过去了整整22年，但我们依稀可以从其青春时代的恋爱观来推测或对照中年之后的婚姻观，抑或且不管那么多，仅仅是跨越时间之河，去静赏一个年轻女孩真诚、细腻、曲折、笃定的一段情，一次情感的波澜与风吹后的余韵，体味其间所有的美好与酸涩。
听过后浪剧场第11、12期的朋友或许会了解，后浪剧场发起成立时，我乐于且敢于接受邀请而加入主播行列，很大程度上，的确是受到了天海祐希小姐的精神感召。 借助自己热爱的工作，去传播美好的事物，激发希望与勇气，便是我从天海小姐身上学到的。所以很想借助后浪剧场这个平台，尝试去传播某些正念，那些从我们出版的“后浪电影学院”和“后浪剧场”系列图书中学到的技术、悟到的精神，那些从我们优秀的著译者身上观察、学习到的做人与做事的态度与方式。 在对天海感兴趣之后，我曾尝试把对她的好奇运用于表演课的角色研究上，试图透过人物的外部行为探究其内心，进而实现对其行为背后价值体系的了解和洞察。 在此过程中，天海的两本自传《为了明天吹来的风》（明日吹く風のために……）和《想要勇气？！》（ユウキ欲しい！?）成了了解其外在行为方式的重要资料，然而更让我受益的，是其一部只有58篇诗文的诗集《笑容的引力》（笑顔の引力），因为它从更深入的层面，揭示了作者很多外部行为背后的心理成因。 比如，很多人都知道她女王式的坚强、勇敢与潇洒，但这本诗集会告诉我们，这些是用敏感、惊慌与纠结换来的。她所面对的恰好是一个年轻人成长路上大约都会遇到的：面对困难时如何抉择？作何态度？尤其在面临严重的自我怀疑或被他人质疑时。 如果说其苦恼显示了与常人无异的一面的话，其最终的达观选择则传递出鲜明的个人作风，某种程度上，也是天海人格魅力所在。 直面困境，勇于接受自己的脆弱与惊慌，却不陷入负面的情绪，而是积极采取行动去应对，本身便是一种行动式的演员精神（actor就是行动中的人），所以我常常说，她是深谙且践行演员精神的人。 后来我渐渐得知，她的这些借由自我成长悟到的生活哲学，曾跨洋跨海鼓舞过很多人，尤其是很多女孩儿（不限于中国人）。他们中的许多都在自我成长道路上实现了遇见天海前后的重大改变，甚至从懦弱、顺从、犹豫、纠结、躲避、畏缩中唤醒了更加坚定、从容的勇敢一面。 就像演员（actor）借由角色感染观众一样，明星（star）借由自身形象感染粉丝，便像是在生活舞台真实上演的一次次“演员与观众”的良性互动。剧情是明星个人的成长故事，却可照见千百万观赏者的精神生活，这种影响是广泛的，甚至是持久而深远的，直接陪伴了粉丝的青春，甚至影响了其个人命运的走向。反过来，粉丝的热情反馈，也会直接或间接影响明星的形象定位甚至工作选择。 自此，在某种程度上，偶像拥有了近乎宗教的仪式感与感召力。 因而，我又开始对偶像文化发生兴趣，比如对由天海波及开来的宝塚文化、杰尼斯与akb48现象等，还签了《宝塚的经营美学》一书，并在此过程中结识了更多热情而理性的爱好者、研究者，所以也希望日后可以在后浪剧场继续和这些新朋友讨论更多偶像文化相关的节目。敬请期待吧。 本次节目是我在京都旅行时，借助便捷式录音机录的读天海祐希诗集时的一些思考（录音质量略逊），权当抛砖引玉，望大家可顺藤摸瓜，在原文中寻找自己的解读。更重要的是，在成长中找到自己应对困境的方式吧。
福利：送《窦娥》戏剧票，欢迎大家订阅、分享和评论。 作为一名戏剧类图书的编辑，我一直很关注当下的戏剧创作，尤其是国内青年导演们的创作，因为某种程度上，他们预示着中国戏剧的未来走向。 作为从欧丁剧场学习归来的年轻导演，丁一滕没有选择西方的经典剧本，而是将目光锁定在关汉卿的《窦娥冤》这一古老戏曲剧本，这一点我还是挺意外的。 更意外的是，作为一名不到30岁的九零后导演，他选择了“个人的天问”这个表达主题，借窦娥的错位人生与悲惨命运，去追问生命的意义和存在的本质。因为在我的刻板印象中，20多岁的小孩似乎更容易关注情感生活，尤其是爱情生活。 这一切的选择，他是怎么考虑的呢？他在节目里皆给出了答案，很诚恳的答案。 话剧《窦娥》有很多挑战，比如： 他选择男女反串出演。这样的设置在国内外很多传统戏剧中都比较常见，但稍微搞不好，就会有猎奇和搞笑之嫌。那么，丁一滕为什么要这样做，又如何来把握其中的分寸的呢？这背后，藏着他的性别观，而且是超越了艺术，抵达生活本身的、几乎上升到社会学和人类学的意义的性别观。 又如： 虽是传统戏曲故事，使用了戏曲中的脸谱、念白、唱词、步伐、梆子和二胡，但同时又使用了很多话剧的、影像的甚至西方的东西。于是便有了诸多碰撞：东方与西方、传统与现代、戏曲与戏剧、舞台与影像。在这个过程中，无论是情节结构、舞美造型，还是演员表演，都需面对这样两个难题：如何从已有的舞台语言中挖掘新的可能性？如何大胆采用新的媒介与表现方式？（戏剧评论家林克欢先生在《戏剧表现的观念与技法》中提出的疑问） 对于一滕来说，他有着自己的野心，如果说铃木忠志、大野一雄先生在与西方艺术、文化接触之后，可以在自己国家传统戏剧文化中找到新灵感，发展出新形式（铃木训练法、舞踏）的话，他也希望在全球化的视野里，重新发掘传统戏曲的魅力，并在新旧传承中试着寻找属于中国话剧的“新程式”。 在这部戏里，一滕既是导演又是主演，都说导演是演员的一面镜子，那么如何当自己的镜子呢？在自己分身乏术的情况下，团队的其他小伙伴们，尤其是舞台监督的作用就尤为重要了，因为他们的工作是把所有的艺术设想量化、可操作化。 接着，我们聊到了在丹麦欧丁剧团学习和工作后，对他们的演员与我们国内年轻演员的对比。一滕发现，很多时候，我们的演员在很多方面都有一些散漫与惰性，这个既存在于纪律意识上，也存在于演员的平时训练以及日常生活的细节上，所以，他们的团队也在努力从改善意识做起，试图改进行为；从生活小事做起，试图影响舞台呈现。 可是聊了这么多，我们还是没有找到欧丁剧团的方法，他们的方法究竟是什么呢？为什么每个人的方法都不一样呢？对此，一滕有自己的解读。 最后，回归到一个词“残酷”，这是巴尔巴先生在乌镇戏剧节时从一滕身上发现的闪光点，也是一滕在阅读格洛托夫斯基和安托南·阿尔托先生的著作时读到的，那里藏着一滕人生改变的重要秘密，他说“戏剧给了他生命力，在边缘时刻，让他的创作和生活燃起了希望”。 这个秘密，既是一滕从戏剧里发现的秘密，或许也是戏剧本身的秘密。那么，它究竟是什么呢？
福利：送《窦娥》戏剧票，欢迎大家订阅、分享和评论。 这些年，演员这一行业突然大热了起来，或许是过去一段时间内，虚假的、不真诚的表演太多了吧，当走势进入谷底，似乎便会迎来反弹的生机。 随着社会与文化的发展，社会上有越来越多的表演训练班或工作坊，演员进入行业的机会也逐渐增多，甚至很多非科班出身的表演爱好者也获得了不少进入行业的机会。 那么，从表演爱好者到职业演员，到底有没有门槛与鸿沟呢？ 对90后的丁一滕来说，他用自己的经历和体悟证明，二者之间并无一道门。重要的不是科班与否，而是“舞台上那一股子劲儿，你敢不敢在舞台上燃烧自己”，这决定了你能不能做演员，以及艺术生命可以持续多久。 高中时某次跟随同学去中戏观看某届学生的毕业大戏《名扬四海》，燃起了表演梦。虽然家长严厉拒绝他搞艺术，但他最终还是通过“曲线救国”，考去了北师大，因为那里有传说中的北国剧社。 刚进入北师大，一滕就加入了北国剧社，打算把自己的时间，奉献给爱好中的表演。在北师大的四年，他演了16部戏，平均一年4部。而且大一时就在大学生戏剧节中，凭借《最后的小丑》获得了诸多奖项，并变身为校园红人。 一滕似乎很幸运，在大约大二的时候，进入了黄盈导演的《卤煮》剧组和孟京辉导演的《活着》剧组，甚至出演了黄渤（福贵儿）和袁泉（家珍）的儿子有庆。 之后便加入了孟京辉戏剧工作室，出演了工作室的两部有名的戏：《我爱XXX》和《两只狗的生活意见》，后来甚至成了工作室的重要主创，和丁博轩、关笑天组成了孟导团队中有名的“二丁一笑”组合。 再后来，他在乌镇戏剧节因为《女仆》这部戏，被当时乌镇戏剧节的名誉主席尤金尼奥·巴尔巴先生发掘，并因着此次奇妙的缘分，随巴尔巴先生到丹麦欧丁剧团学习进修。 他还考上的中央戏剧学院的研究生，前几天，他又刚刚拿到了中戏的博士录取通知书。 自此，非科班出身的表演爱好者丁一滕，已经一路成长为备受瞩目的青年演员和青年导演。此时的他，还不到30岁。 丁一滕真的这么幸运吗？这一路行走，是否有什么秘诀呢？他的成长之路对于其他的年轻人、其他的表演爱好者有哪些启示呢？ 本期节目，他敞开心扉，聊及： 北国剧社时的观察与学习； 在黄盈和孟京辉两位导演身上学到的； 对黄渤和袁泉两位优秀演员的观察； 和巴尔巴先生结缘的过程； 以及对世界著名的欧丁剧团之演员训练方法的理解； 对中戏学习生活的体悟； 等等，等等。 原本约定的一个小时的访谈，我们一不小心就聊了超过三个小时，直到录音当日晚上九点半。所以本期节目，可谓干货满满。一滕自己也觉得，一切进行得很欢畅，聊得也很深入。 如果你曾听过或看过他的戏，这期节目一定要听。如果你还不知道他，不妨快来了解一下。 等了解过丁一滕的人之后，我们下一期继续了解他的戏：《窦娥》。
我们可能在一座城市居住或旅行，却未必曾好好丈量和品味过这座城市的地理肌理和文化气韵。而这二者，可能正是我们区分不同城市性格的重要元素。 这一期后浪剧场邀请老朋友蔡艺芸一起做了一个关于上海的系列，这里的上海既包括我们印象中的老上海，也包括当下的新上海。 艺芸是土生土长的上海人，在上海度过了童年和青少年，在上海读的大学，毕业后又在上海生活和创作了六年，所以她可以提供一个本地视点；我不是上海人，至今也没去过上海，却从各种文艺作品中阅听过太多上海故事，也过太多想象，可以提供一个外来视角。我们就这样做了一个组合，尝试着聊聊上海这座城市。 作为一座移民城市，上海有着多元共存的文化景象：既有法租界、英租界等西洋人和东洋人，也有黄皮肤黑眼珠的中国人；既有宁波帮、广东帮、苏北帮、苏吴帮等外来人，又有松江华亭的本地人；既有进城讨生活的乡下人，也有土生土长的小市民…… 上海的文化就像其象征物旗袍一样，复古又现代。因其开放的姿态，整个城市充满了生命力，尤其是民国时代，中国的电影、话剧、流行音乐、报业、出版业等皆草创于此。
最近，由宫哲和王子川主演的话剧《雷管》正在鼓楼西剧场上演，在准备这个戏之前，宫哲专门抽时间来了一趟后浪剧场，这次聊的不是她自己，而是她所理解的表演： 究竟什么是好的表演？演员如何才能抓住观众？ 在宫哲看来，创作一定是整体的，需要在空间结构上整体关照，也需要在时间节奏上整体把握，而不是突出某一个个体或某一个区块。这便是石挥先生所说的表演的向心。 其实艺术创作都是相通的，无论是写文章、写剧本、做剪辑，甚至编书，都需要在整体关照之下照顾空间结构上的虚实和呼吸，以及时间线上的律动和节奏。在后浪编剧课的韩佳彤老师看来，这就像谈恋爱一样，你需要先建立良好的第一印象，引起对方（观众）的注意和兴趣，然后在互相的撩拨挑逗中互动，一次次发现你所带来的新奇，然后对方愿意进入你的世界，和你共赴高潮。又像是香水里的前味、中味和后味。 这种情绪和情感上的互动，这种观众跟着你忽而紧张忽而放松的节奏，便是任长箴导演所说的呼吸。好的作品，都有好的呼吸，有了呼吸，作品便有了生命。而那种观众与作品共同经历的呼吸律动，便是他们一起创造的心跳旋律，在这个共鸣的过程中，观众和作品产生了情感联系，作品也得以在观众的体验与记忆中获得新生。
中集 上海影戏院的前世今生 地理坐标是一座城市看得见的肌理，文化景象则是一座城市隐形的脉络。某种程度上，一座城市的生命，来自这些地理坐标，更来自生活与旅行于这些建筑物间的人们，是一代又一代流动的人们带来了建筑物的生机，而吸引人们的，则是建筑物里凝结着创作者心血的作品（载体），比如电影和戏剧、画展和商铺。 这一期我们继续和艺芸一起聊上海，围绕上海一些重要的地理区域，比如法租界，比如兰心大戏院、美琪大戏院等影戏院和美术馆等，聊聊这些建筑在老上海时代及新上海时代的生机。 昨天的老上海，昨天的法租界，昨天的影戏院，当时间过去一百多年，地理坐标不变，日常景象却已然是新的模样了。时间的流转，也可见证一座城市、一幢建筑的年龄与风华。 随着话题的转换，音乐也从老上海风味流转为顶楼马戏团的沪语哼唱了。 内容要点： 法租界 上海第一家正式电影院维多利亚影戏院（现虹口大戏院）。 上海大光明电影院（1947年《假凤虚凰》首映地） 上海话剧艺术中心 兰心大剧院 美琪大戏院 亚洲当代戏剧季 1933老场坊 国际舞蹈中心 1862时尚艺术中心是新起之秀 昊美术馆与《宣言》（凯特·布兰切特主演） 上海当代艺术馆（又称大烟囱） 插曲： 《南屏晚钟》 https://www.xiami.com/song/mQ6eC27540c?spm=a1z1s.6626001.229054121.57.S8x9Hw 《上海童年》 https://www.xiami.com/song/mQ7FFf70abc?spm=a1z1s.3521865.23309997.1.2jRFzI
上集 老上海的电影与音乐 我们可能在一座城市居住或旅行，却未必曾好好丈量和品味过这座城市的地理肌理和文化气韵。而这二者，可能正是我们区分不同城市性格的重要元素。 这一期后浪剧场邀请老朋友蔡艺芸一起做了一个关于上海的系列，这里的上海既包括我们印象中的老上海，也包括当下的新上海。 艺芸是土生土长的上海人，在上海度过了童年和青少年，在上海读的大学，毕业后又在上海生活和创作了六年，所以她可以提供一个本地视点；我不是上海人，至今也没去过上海，却从各种文艺作品中阅听过太多上海故事，也过太多想象，可以提供一个外来视角。我们就这样做了一个组合，尝试着聊聊上海这座城市。 作为一座移民城市，上海有着多元共存的文化景象：既有法租界、英租界等西洋人和东洋人，也有黄皮肤黑眼珠的中国人；既有宁波帮、广东帮、苏北帮、苏吴帮等外来人，又有松江华亭的本地人；既有进城讨生活的乡下人，也有土生土长的小市民…… 上海的文化就像其象征物旗袍一样，复古又现代。因其开放的姿态，整个城市充满了生命力，尤其是民国时代，中国的电影、话剧、流行音乐、报业、出版业等皆草创于此。 “上海文艺旅行地图”系列一共分上中下三集，这期为上集，主要聊老上海的电影文化和流行音乐，并围绕多栖发展的明星聊聊由明星带动的摩登的生活方式。 插曲： 《渔光曲》 https://www.xiami.com/song/cqBKpe7c4b?spm=a1z1s.3521865.23309997.2.W7CYCW 《四季歌》 https://www.xiami.com/song/dC6FX27038?spm=a1z1s.3521865.23309997.11.bHKBIa 《春风吻上我的脸》 https://www.xiami.com/song/xL1hgT13911?spm=a1z1s.3521865.23309997.113.lau5ae
出于对当下戏剧现场的兴趣，我们接着邀请了鬼才王子川。这是后浪剧场聚焦新锐戏剧人的第二弹。 因着工作的需要及个人的爱好，我经常跑去北京大大小小的剧场看戏，因为很想知道： 当代的戏剧工作者他们关注和思考的问题是什么？ 他们在以什么样的创作理念、什么样的舞台形式为当代观众提供精神食粮？ 我们当代演员的观念与格局是怎样的？ 生活中，他们拥有怎样的自我修养方式？ 创作中，他们如何创造角色？ 子川像他的舞台形象一样鬼马，穿着萌萌的绿拖鞋晃晃悠悠、溜溜达达地来道了后浪剧场。 和很多第一次来后浪的嘉宾一样，他的小伙伴一进来就开始称赞这座红色小楼自带的盛夏凉气，在她眼里，这座老楼及其中的书店和录音间，竟然成了质朴而炫酷的存在，她还告诉我们她对纸质书的钟爱，觉得作为有形有质有香味的书，捧在手里与电子书是不同的，而且书店安静的氛围也特别重要，可以为人提供安心的气氛。 这都是戏剧人对环境或物体的一种本能的敏感。 子川则一进来就对整个录音师空间的场域以及不时传来的风声和窗外自行车铃铛声很感兴趣。说来也巧，室内，我们聊着戏剧人的生存境遇，子川毫不掩饰他对金钱和买房的渴望，因为自话剧引入中国以来，戏剧人几乎一直难逃物质上的清贫，石挥已经是话剧皇帝的时候，还得在上海的亭子间里栖息，在连演七十多场晕倒在舞台上的时候，还在为要不要吃个鸡蛋或大饼而纠结。所以子川“夸大其词”的渴望，我看到的是一种对欲望的坦诚。窗外，一会儿是收废品的叫卖声，一会儿又是快递员飞速而过的声音。大家都是为了生计，都是为了饭碗，终生忙碌，众生皆苦。室内室外，互相对照。在艰辛\诱惑的生活面前，或许更加考验创作者\劳动者对艺术的尊严与赤诚。 而像《繁花》的朋友一样，他们也是一进书店就指着各种书说哪本买过，哪本读过，再次印证了那句“几乎每个电影人或戏剧人书架上都至少有一本后浪的书”。读者的反馈，对编辑来说，是莫大的礼物。 话题开始，我们主要聊了子川松弛的表演风格，这个也是观众对其称赞有加的地方。他很不学院范儿，很王子川。 语言是洞察一个人思维方式和表达方式的重要密码，从子川和我的对话中，可以感受到他的想法和他的演出一样天马行空、与众不同，而他的语言也弥漫着一种忽而懒散忽而认真的北京味儿。 从他的内容中，则可以看出，他表面漫不经心，实际一直在暗下功夫，用他自己的话说，就是去“偷”，去蹭各种形式风格的免费表演工作坊，去和从法国雅克·勒考克国际学校学习回来的郗望聊天，并且会反省自己在舞台上“耍”的尺度与“戒律”。 最好玩的是，他用《火影忍者》中的查克拉（チャクラ，人体掌控各组分能量完美融合所产生的一种能量。）来比喻演员的能力和能量，并通过在演出现场和空间以及观众的互动来描述观众与演员共赴某处的美妙幻觉。 子川并没有把演员身份神圣化，不过是一种职业，一种饭碗，所以当我赞叹他整个六七月连着赶三个戏的高强度劳作时，他则说，你们上班不也得这么劳动么，你没看见刚刚路边在大热太阳底下修路的工人吗，大家都是在工作。 无论生活中还是舞台上，都充满了规矩，大部分人也都本本分分、规规矩矩地生活着、创作着，但这种平静中，需要一些人偶尔调皮地玩耍一下，打破一下禁忌，因为只有不断地挑战和打破，我们的生活和创作才会激起水花，获得新生。 所以无论是表演还是录音，你都可以看到子川的调皮和不按常理出牌，也危险，也好玩，有一种出其不意的游戏快感。或许这也是我们原始戏剧体验的一种吧。只要这危险也拥有其自身的戒律与尺度。 王子川 毕业上海戏剧学院表演系05级。09年，成立戏子合作剧团，担任戏子合作社社长、导演和编剧。2011年，受邀参加艺术人文“新青年”·第三届先行青年创意戏剧节2012年，受邀参加现代戏剧谷。2012壹戏剧市民剧场－国际五城市民戏剧秀。2013年，受邀参加首届两岸三地青年戏剧节。2016年，受邀参加两岸小剧场艺术节开幕大戏。2017年，受邀参加第三届全国优秀原创戏剧邀请展。2017年，荣获上海·静安现代戏剧谷壹戏剧大赏“年度新锐导演”奖。2017年，受邀参加北京新文艺团体“优秀戏剧作品展演”。2018年，获新京报“年度新锐艺术家”。 主要作品：《哈姆雷人》 、 《狂聊斋》 、 《狗跳墙》 、《奥菲利亚》、《非常悬疑》、《非常悬疑2：再来一遍》、《疯子公主老国王》、《四情旅店》、《我叫水冰月》、《枕头人》、《开放夫妻》、《雅各比和雷弹头》、《厨神传奇》等。
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