欢迎收听第11期《金牙的一排一座》。 今天节目开头的歌曲是音乐剧《灯塔》中怀恩和霍普的唱段《一束光》。 我很喜欢《灯塔》，在第一期节目中就推荐过，这是一部很走心的音乐剧，陪我度过了今年的跨年时光。剧中的一些唱段也出了OST版本，可以在音乐平台免费收听。 今天节目的嘉宾就是《灯塔》等剧的制作方——魅鲸的老板王作文。 说起魅鲸，在剧迷圈的口碑相当不错。不仅是因为制作了《灯塔》《最美的一天》《巴斯克维尔的猎犬》等质量较高的音乐剧和话剧，更是因为这家公司格外注重用户体验—— 比如我看的《灯塔》跨年场，就搞了抽奖活动，现场送出几张新一年的魅鲸出品套票，最高价位，时间任选；比如我看的《巴斯克维尔的猎犬》正好是第100场，就安排了所有演员来参加返场演出，还给每个观众颁发了纪念奖状；我记得还在网上看到过一个帖子，大概是说自己网上买的场刊有一点小瑕疵，本来想换一本，结果剧方直接给退了钱。 剧迷们常常说的一句话是“魅鲸赚大钱”。在疫情下，很多剧迷也很关心魅鲸目前的状况，有剧迷在明知现在买票肯定会被退票的情况下，仍然会在每次开票时买票支持，希望陪戏剧公司共度难关。 所以，这期节目，我就要和王老板一起聊聊魅鲸的运营之道、他怎么看待音乐剧观众的长期培养，聊聊受到疫情影响的《翻国王棋》《最美的一天》等项目。 节目流程： 00：03：13 《翻国王棋》小剧透：新旧交替的故事+突破小剧场的视听体验 00：06：05 “大猎犬”比“小猎犬”有怎样的升级 00：08：25 《最美的一天》尝试短档期商业模式 00：12：10 怎么看待《最美的一天》的市场反响以及“全女班”的选择 00：15：09 为什么魅鲸更偏向于做原创剧 00：16：27 如何做原创：全公司一起提选题 00：17：50 王作文经常被大家否选题，“我在公司没有什么地位” 00：19：00 《灯塔》初版更偏悬疑，王作文主动请辞导演工作 00：20：35 谈运营经验：换位思考，将心比心 00：21：50 为什么《灯塔》OST选择免费 00：23：15 Z世代与公司品牌形象 00：26：40 如何看待“魅鲸赚大钱”的祝福 00：27：30 王老板在剧迷常逛的小组潜水，“我们经常研究差评” 00：29：30 疫情下运营压力很大，感动于剧迷买票支持 00：30：00 为什么2022年疫情比2020年对戏剧公司影响更大 00：33：40 看到剧迷给自己的控评，“那天有点飘” 00：34：30 关于音乐剧“出圈”的思考 00：37：25 为什么戏剧缺乏视频类推广素材 00：40：55 音乐剧行业需要造星吗 00：41：40 谈明星演舞台剧，“不能指望明星带票” 00：45：10 如何看待市场上的不成熟演员 00：47：10 演员出身的王作文谈重回舞台：先减减肥 00：47：45 谈当年音乐剧演员的市场行情：毕业就失业 00：48：30 谈疫情下的国产戏剧发展机遇：不能浮躁 对话摘录： 谈创作氛围—— 原创绝对不是一个闭门造车的过程，我们必须时刻把门打开，要不停听到外面的意见和想法，看到外面的市场大家到底喜欢什么，再决定我们要做什么。 但是一切还是基于说这个题材，我们公司大部分人是喜欢的，然后再通过市场部门和宣传去分析我们喜欢这个东西是不是可以对接市场，再往上就是制作人来分析它整个的投入成本是否可以落地，基本是这么个流程。 选题是每个人都可以讲，有的时候大家都会说我最近看了什么，我觉得这个好像可以，公司大家都是开放办公，所以喊一嗓子就都能听得见，然后大家一起参与进来讨论。 尤其是我经常会被否，就我有时候提出来的一些想法也不切实际，大家就会说这个不行，我说好吧，我再想想。 我在公司里面没有什么地位，我们的管理很扁平，大家都会有什么说什么。我们公司氛围我也一直说氛围好，大家做事情就会开心，包括我们对于主创搭配、演员搭配上，其实我们更讲的是整个的氛围，前提就是要大家聊得来、玩得来、工作得来，这样整个环境好的情况下，大家创作的动力能量就会更好。 谈观众培养—— 抛开商业逻辑来讲，我们从本心出发，将心比心，这个很重要。我们时常会换位思考，如果我们是观众，我们希望体验到什么看到什么，我们希望你的服务是什么样。包括做项目、包括做运营、包括我们开发出来的每一个文创周边，都是这样想的。 我们自有版权的情况下，我们能做主的，一定尽量给到大家福利，比如OST免费，我们还不如换一个逻辑，把它也变成我们的宣传口。我们自己作为消费者的时候，有人发给你一首歌，然后你打开一开要付费，就算了，很多时候我们就会换位思考想这件事情。 其实相对于赚不赚钱这个事情，我更想做的是公司的品牌形象，最值钱的是口碑。这段时间我会去了解一下新的市场，比如说现在最新的消费时代是 Z时代，这个人群和音乐剧的人群有大部分重合，包括大家的消费思路都是一样的——我不再看你的硬广，你的硬广对我来说已经没有任何说服力，因为它都是精美的，都是包装过的，然后我也不再相信其他的网红了，我最相信的就是你官博下面的评论和我朋友的评论，我朋友对品牌和这个项目的评价。然后还有一点，现在新的消费市场更看重品牌，消费者也更愿意陪着品牌去成长。 我们公司2018年刚开始的时候，我们也说小鲸可能就是一个养成系的品牌，我们也确实很多不足的地方，但是大家都能谅解，我们也选择第一时间跟大家说对不起。 我在网上是比较关注于差评，我会经常研究差评，为什么说我们不好，有则改之无则加勉，我们就会拿出来讨论。因为时代是这样，马上要从互联网2.0进到3.0时代，你更要去着重用户体验，2.0时代本来对用户体验这个事情已经无限放大，如果你不注重用户体验，能替代你的选择太多了。 谈疫情影响—— 这一轮疫情是意想不到的，其实大家都有点措手不及，每一个同行朋友都在非常好的规划自己的2022年。因为2020年从“小酒馆”开始，到去年整个小剧场产业发展还不错，在一个上升的趋势，大家就会觉得看到一些希望，可能就把更多精力投入在产品、投入在项目里面去做计划。 如果今天没有疫情，可能到现在5月份也已经上了好多戏了，国内也开始没有淡季旺季区分了。在《声入人心》之前，我们还是会参考百老汇的规律，它也分淡季旺季，比如开年的前几个月，6月之前相对来说是淡季，大家的项目都少上一点。6月到10月之前可能相对来说一点点增加，然后10月到年关的这个时候是整个市场的一个旺季。但可能这两年在市场看到一些希望的情况下，大家就会不再去区分淡季旺季了，所以这次就会有些措手不及，真的一下子打乱掉大家的计划。 谈戏剧出圈—— 我自己还没有想到很好的出圈方式，除非用名人效应，用大厂综艺去推这件事情，当然这个是很好的，但我们也不确定还有哪家大厂哪一个平台能再愿意关注到这个行业来。 我一直觉得音乐剧出圈有点尴尬，它介于难跟不难中间。其实难是在于大家的底层逻辑，没有接触过剧场的朋友们，对剧场有一种天然的屏障，大家就会觉得这个东西太高雅了，我无福消受，然后票价又贵，我看一个现场，可能能看个好几部电影，可能最大的屏障还是在于大家对于剧场的屏障。换一个角度来讲，我觉得简单点是我一直觉得你让我去形容音乐剧，我会用非常大白话去说，这个艺术门类它就是一个有故事的晚会。故事也不复杂，因为音乐剧的结构本身影响到它讲不了非常复杂的故事，其实很多歌也很好听，可能像百老汇早期的模式，是以主打歌来去做第一波强推，就是用歌曲去做破圈去做宣传，其实我觉得这是相对来说简单的点。 谈戏剧推广—— 我现在向朋友去安利一部剧，我去转任何一家公司的推送，它只有一个项目简介，然后歌曲，所以我们说不要收费，把它做一个安利的渠道。但是我们想一想，如果我们向朋友去安利电影，我们有太多的素材可以转发给朋友。 有一部分原因是因为合成的场次和首演的场次离的时间非常短，可能视频素材制作时间相对来说就会很紧张。因为电影是先拍完，然后去剪片子，然后再定档，它中间少则几个月，多则一年几年的宣传时间，素材也是现成的。 像咱们戏剧行业，其实从排练到合成到演出，整个时间就非常紧，还是国内的一个制作思路。 像百老汇还是相对来说也会比较充足，项目是一点一点出来的，到确定进到百老汇的时候排练，做工作坊之后进去合成，这个过程就会积累很多的素材。 谈明星效应—— 讲的直白一点，你不能指望着明星去帮你带票，因为你在消耗他们，就是明星也需要好作品。好作品之外，你还要考虑这个作品和艺人能不能有非常良好的化学反应，就是他在演这个作品的时候，能不能有一些大家平常看不到的他。 如果从最浅层的带票逻辑去考虑，其实往往效果都会达不到非常好的预期。 归根结底你要去做剧的质量和品质，这个东西过硬了，明星就是加分项。
欢迎收听第十期《金牙的一排一座》，今天要和大家聊的是一部舞台剧《弗兰肯斯坦》。 前几天我写了一篇文章，《上海剧圈停摆60天，戏剧人们还好吗》，关注了一些上海的戏剧公司，和一些受到疫情影响的项目。写这篇文章的时候我也算了算，自己3月到5月买的十几张在北京的演出票，几乎全都遭遇了退票。上海这轮疫情，对戏剧圈的影响是全国性的。 在文章里，我关注了一个舞台剧项目，英国国家剧院舞台剧《弗兰肯斯坦》的中文版。这部戏原定于3月28日在上海排练，5月18日在上海首演，再去几个城市巡演，6月底来到北京完成首轮演出。但疫情打乱了所有计划，剧组在4月中旬做了一个决定，把排练地和首演城市都搬到北京。如今，剧组仍然在用线上线下结合的形式在排练着。 《弗兰肯斯坦》由奥哲维和大麦“当然有戏”联合制作，在和制作人李琮洲聊天的过程中，我感受到了一种戏剧人的顽强，虽然有时差的影响、空间的阻隔，但全剧组还是在全力推进这部剧与观众见面。 记得去年年底，我第一次在网上看到这部戏进行演员招募的信息，就一直很期待这个项目。毕竟原版是一部经典的高分作品，两个男明星飙戏火花四射，从文本和表演上都是一个很有挑战的项目。李琮洲告诉我，因为原版珠玉在前，全剧组也是顶着压力，而在表演上的难度，甚至让不少演员打了退堂鼓。 在这期节目中，我和李琮洲聊了聊《弗兰肯斯坦》中文版的制作，包括文本舞美上的创新点、演员的选择、国际化团队的配合等等。 我自己觉得，从演员阵容到中文版的落地改编，都是值得期待的，希望这部作品可以如期首演。 节目流程： 00：02：15 为什么要从上海转移到北京 00：07：21 与《弗兰肯斯坦》的缘起 00：10：48 英国国家剧院版《弗兰肯斯坦》的独特之处 00：12：54 《弗兰肯斯坦》中文版不是对原版的复制 00：13：45 特效妆复刻原版，英国团队进行网课传授 00：14：35 导演和演员们如何看待开场戏的表演难度 00：15：48 英方导演给剧组带来怎样的帮助 00：20：45 为什么做中文版压力巨大 00：21：40 文本创新：引入原作者的女性视角，降低惊悚感 00：25：20 形体表演：开场大戏会有创新 00：27：30 舞美设计：从环形舞台变成镜框舞台 00：31：19 汉化翻译：难点是找到时代感 00：34：30 情感落地：用“人形怪物”做“人”的镜像 00：35：50 演员选择：演技+星感 00：37：08 开场大戏：在排练场压力很大 00：38：10 与大麦“当然有戏”的合作：要珍惜这个时代还愿意投资做戏的人 00：40：45 巡演计划：最大目标是在北京能演成 对话摘录： 谈英方导演—— 我们的英方导演是环球莎士比亚剧团的前艺术总监，他真的非常棒。在英国做这种大的剧团的艺术总监的人，他的思考首先是很有方法的，想法会更系统一些，他很多的创意点，在说出这个创意点之前，他可能已经走了很长一段路，不是说依赖于一个火花的迸发。 这种艺术总监他平常工作可能是跟所有的导演说，你这个戏该怎么变得更好，因为都在他的剧场里演，会有很多不同的导演，他要告诉别人说你这个戏怎么能变得更好。所以变成他自己做导演的时候，他本身是一个更有方法的人，他也是能跟中国人沟通清楚的，会把很多因为语言因为文化造成的障碍削弱。 第二他会比较务实地去思考一件事情怎么做，他推迟来华后，他也是很快跟我讲，这项目如果再往前走，我这边需要做什么，需要找一个更有经验的中国导演，在地面给他做排练。 谈文本创新—— 这个戏肯定是个男人戏，但是这个事是个女人想的，玛丽·雪莱是个女作家。导演他做了很多功课，他说玛丽·雪莱当时在怀孕，身体不太舒服，好像也经历过流产，所以她会很恐惧生出来会不会是一个怪物，她的想法是从人形生物这个点去入手的。 现在很多《弗兰肯斯坦》的评论讨论的是科学伦理的概念，导演在做文本阐释和内容分析时，他说其实这像照镜子，就是我们通过一个不是人的这么一个生物的身上，我们其实在看自己，看自己如何变成一个人，因为这个人形生物一直在努力变成一个人，他去学习爱、去学习如何去爱、但是又被世界辜负，他有很多的反应，这里面折射人性的一个成长。相反来讲，弗兰肯斯坦博士可能早就已经忘了爱是什么，他也不愿意去爱，不愿意再花时间去爱。 可能在我们这个版本里面就会出现玛丽·雪莱的一些影子，会出现一个女性视角的影子，而不是一个我们印象中的完全的男人戏。 谈舞美设计—— 英国的那个版本的剧场本身就是一个环形舞台，所有的景都是用吊装的，那个剧也从来没有去过其他的地方。从我们角度来讲，我们从创作之初基本就是一个镜框舞台的方式，然后在里面填了馅儿，但是也会用到乐池，不是说完全都在镜框里，也会出来一块跟观众很接近的。 设计也挺巧妙的，把整个景片、背景切成四块，然后四块它有不同的组合，做出很多不同的场景街区，什么勃朗峰这些很高很大的东西，在舞台上各种移动，还是蛮有德国很冷峻的那种感觉，但是还是一个非常漂亮的东西。 谈汉化落地—— 其实翻译从文学层面上来讲并不难，我们找的翻译老师非常有经验。 但是后来导演提到另外一个问题，导演说这个故事是一个前工业革命时期的状态，其实有点像咱们晚清洋务运动的这样一个概念，导演希望能够对标到中国的一个时代，然后用这个时代的语言的一些方式。比如说莎士比亚的剧，你听这个词你能明显感觉到是一个莎士比亚或者莎士比亚时代的东西，它也是英语，但是很多词汇用法不同。 导演希望在中国也能找到这种语言风格，但是咱们中国的语言进化进展又不太一样。咱们100年前跟咱们现在说话的状况完全是太遥远了，所以又得去找一些其他的可能的方式让他对位，因为我们也有很多古装戏。 所以像这些东西我觉得是比较需要一些思考和讨论的，包括跟观众的 balance，我们要平衡，从英语翻译成中文，我们希望演员在说词的时候说的像中文一样，大家能听懂的很舒服的那种中文。 谈演员选择—— 首先基点肯定是演技，因为这个东西如果你没演技拿不下来，特别难。这个戏真的特别难，所以第一个我觉得还是演技是最重要。第二个要有知名度有市场性，要有魅力和星感。 我们找演员还都有缘分，一个是档期问题，还有很多演员甚至是被吓退的，说实话就是谈完了以后，他不觉得说需要挑战这个东西，他觉得说算了，搞不定，这个也
今天做客《金牙的一排一座》的嘉宾，是上海剧圈顶流——缪时客老板张志林。 这期播客的开场曲叫《凝望月亮》，出自缪时客出品的音乐剧《月亮与六便士》，也是张志林自己作曲和演唱的。 3月11日，原本是小剧场版《月亮与六便士》首演的日子，而那天，也是这轮疫情下上海剧场演出全面叫停的日子。 不知不觉，上海演出暂停已经快两个月了，《凝望月亮》中有这么一句歌词：抬头仰望天空的月亮，倾听自己内心的向往，尽管坎坷艰辛，它都能够照亮心中那个地方。我感觉还蛮能代表疫情下戏剧人和剧迷们的心态的——尽管暂时无法进入剧场，但我们始终向往，剧场也是点亮我们内心的地方。 疫情前，我去上海参与录制了一次《爱乐之都》，张志林作为爱乐鉴赏团的成员出现在现场时，在场的观众都给予热烈欢呼，当时给我的感觉就是，人气好旺！后来节目开播后，也有很多剧迷用玩梗的方式给张志林控评，不愧是音乐剧圈顶流。 最近，正在北京隔离的我，和在上海被隔离了N天的张志林通了个电话。虽然没有见面，但从交流的状态中就能感受到张志林是很乐观开朗的人，这次的聊天也很愉快，不知不觉就聊了很多，所以我决定分为上下两期来发布。 那今天的上期，我们先聊一聊《爱乐之都》、音乐剧宣发、《小说》的高清蓝光等等剧迷们关心的问题。 节目流程—— 02：35 被临时叫停的“小月亮” 03：22 张志林会来出演“小月亮”吗？ 04：10 小剧场的作用之一：培养年轻演员的平台 05：00 《月亮与六便士》的小剧场不仅演剧，也要打造成文艺空间 06：19 小剧场的作用之二：延长IP的生命周期 08：00 《小说》的小剧场是文学空间 09：08 音乐剧应该如何宣发？ 10：10 谈音乐剧出圈：先服务好音乐剧观众 11：40 做“剧圈顶流”是什么感受？ 12：14 谈录制《爱乐之都》 17：02 《爱乐之都》需要造星吗？如何看待音乐剧圈的明星演员？ 21：30 《小说》的高清蓝光到底何时出？ 24：30 官摄版难度在哪里？ 27：50 音乐剧周边产品如何做？ 28：55 观众要为不成熟的音乐剧演员买单吗？ 32：31 缪时客会吸纳明星艺人演音乐剧吗？ 对话摘录—— 谈音乐剧出圈： 说到出圈，我觉得我们还是要把自己的音乐剧的号、我们自己音乐剧的观众先服务好，不要老是想着说要出圈、要挣钱，那种这个事儿可遇不可求，我觉得你把自己的东西做好，我们自己的号现在也有小10万个关注粉丝，还不够多吗？这些人你把他服务好。 谈造星： 其实最早《爱乐之都》找我去开策划会的时候，我也说过我的观点，我说如果真的是造星了，造完了以后他就不会演音乐剧了，或者说他只能给出一点点时间来演音乐剧。音乐剧明星每年在音乐剧的舞台上，他演多少场，你是数得出来的，但是作为一个音乐剧演员，他一年应该演100场、200场，因为这个是他的职业。 但是我觉得像郑云龙、阿云嘎他们这样的的音乐剧演员，他们对音乐剧不光是他自己在舞台上演多少场，他对音乐剧文化的推动有很大的作用在，包括这次阿云嘎担任了爱乐助力团的成员。 但是如果你真的把几十个音乐剧演员在这个节目里面都捧成郑云龙、阿云嘎这样的明星，其实倒蛮尴尬的，因为做音乐剧演员，这份工作就是有一个演出的性质在。 谈观众要不要为不成熟的演员买单： 你觉得不好的你就不要去买他的票。然后这样的演员就分两种，一种他就是意识到了他的场次看的人少，然后他就会奋发图强，提高他的业务，如果他也不奋发图强，他就会被剧组换掉，这是一个很残酷很现实的事情。 观众是喜欢看到你的成长，可能一开始觉得你还不够好，但是如果看到你的成长，观众是很替你开心，替行业开心，替剧组开心的，所以会继续买票支持你的。 最恨的就是恨铁不成钢，但好像我们行业里这种演员还是比较少的，都是挺要上进的，而且都希望从小剧场能够跨到大剧场中剧场去演出。
今天这期节目，我们聊一聊北京人艺正在上演的经典话剧《蔡文姬》。 《蔡文姬》是郭沫若于1959年2月创作的话剧剧本，1959年5月21日，经过40多天的排练，由朱琳领衔主演的《蔡文姬》在首都剧场首演，此后在全国各地连续演出300多场，成为北京人艺的经典保留剧目。 2001年3月，为庆祝北京人艺成立50周年，徐帆版本的第二代《蔡文姬》首演。2011年，于明加版本的第三代《蔡文姬》上演，纪念人艺院庆60周年。今年，徐帆再度回归出演《蔡文姬》。 刚才提到的三版《蔡文姬》，在网上都有整场视频，大家也可以去感受一下三代蔡文姬的演绎。 那今天为什么要聊这部作品呢？这是北京人艺院庆50、60、70周年都复排的经典作品，但是，在网上看《蔡文姬》的观后感，却发现不少观众都在吐槽。 节目流程—— 00:04:18 《蔡文姬》与焦菊隐的话剧民族化探索 00:06:00 舞美和音乐上如何做到民族化 00:07:50 《蔡文姬》的剧本争议 00:09:50 徐帆分析蔡文姬为何难演：她太“政治”了 00:11:12 濮存昕看《蔡文姬》复排的价值 00:12:00 个人观点：《蔡文姬》有哪些创新升级空间 录音文稿—— 我先摘录两位观众在社交平台发布的剧评，看看他们觉得这部剧有哪些问题。 一位剧迷说：剧本真的太过时了。剧情发展一惊一乍的，曹操断案这么儿戏的么？给我看笑了，哪怕等右贤王说完再判也会合理多了啊！而且最后冷不丁就要做媒人是怎么回事儿？我看着宣传册上写着的“就是要为曹操翻案”的口号陷入迷茫……这是洗白么？这不是纯纯抹黑吗？ 另一位剧迷说：昏昏沉沉看完前两幕，我开始意识到问题所在了，这真的不是一部现代话剧。这部话剧，创作于1959年，无论从剧本角度还是从服化道角度，都完全不是当代话剧的标准了。这必然会让毫无准备的观众进入剧场，感受到一种浓浓的故纸堆的味道，甚至有点发霉。从服装上，整体都是运用了非常高饱和的颜色，可以看返场照，你说这是黄梅戏或者什么戏曲的服装也一点不违和。再加上这个灯光，让这部剧的质感就是90年代电视剧的既视感。戏曲的手法就让很多场景可能对于普通话剧观众更难受了，比如开场就有一段表达蔡文姬又思乡又不舍得孩子的感情，反反复复，每个人物来来回回说了好几遍，你又不像戏曲那种唱出来，就觉得特别累赘。然后第二场单于宴会，光侍从出场表现这个宴会规模大的戏，还真就一对侍从一对侍从这么出场，这段我是真睡着了，等我醒过来这帮侍从还没走完…… 《蔡文姬》原定是要演到5月3号的，但最近北京疫情，4月26号开始演出都暂停了，我很幸运买了前半程的票，已经去首都剧院欣赏过这部戏。 当初选择买这部剧的票，一是冲着《蔡文姬》这个题材，毕竟是大才女的故事，大女主戏，又有人艺经典的名头；二是冲着演员阵容，徐帆、濮存昕、杨立新，都是演技派台柱子。 我自己看剧，一般不会提前做功课，就期待大幕拉开那刻开盲盒的感觉，去体会一出戏给自己最直接的冲击。 平心而论，刚才两位观众的观后感，我自己也是有同感的。 我认为，这部戏对于普通话剧观众最大的冲击是戏曲式的声台形表，我从徐帆版《蔡文姬》的官摄版本中截取了她出场后的第一句台词，大家可以感受一下。 这部戏全程都是浓浓戏曲腔的台词风格，演员的步法、调度，也都是戏曲式的。很多现在的观众都表达了对这种形式的不适应，那么，为什么这部话剧要用这种呈现方式？ 其实，《蔡文姬》是北京人艺在发展初期进行的话剧民族化的一大探索。 在当年的社会大环境里，前苏联专家遍布在各行各业，话剧圈也不例外。当时的话剧深受斯坦尼斯拉夫斯基表演体系的影响，但当时的北京人艺副院长焦菊隐提出，要搞话剧民族化，吸取中国戏曲和诗歌、美术、音乐等传统美学的养分。 焦菊隐先生说：“话剧向戏曲学习，主要目的有两个，一是丰富并进一步发展话剧的演剧方法，二是为某些戏的演出创造民族气息较为浓郁的形式和风格。” 搞话剧民族化，第一块试验田是1957年的话剧《虎符》，主演郑榕回忆，除了没有胡琴，整出戏完全和京剧一样，当时演员曾经联名写抗议信。 主演朱琳则说，当时排练需要学习一整套戏曲动作，每天早上练一个小时下腰、劈叉、甩水袖、跑圆场。正式排练时，大家都觉得这很像京剧不像话剧，所以很多演员总忍不住笑。焦菊隐也不生气，只是问他们：你们学的这些东西，该怎么用到戏里去？ 《虎符》首演后也是评价褒贬不一，当时就有观众认为戏曲的动作加得太生硬。但此后，焦菊隐还是继续在《蔡文姬》《武则天》等剧中继续他的话剧民族化探索。 如今回头看这部诞生于63年前的话剧，我认为《蔡文姬》在当年是有自己的历史使命的，它是话剧民族化的载体，拓展了话剧的形式，也传承了中国戏曲。 说到话剧民族化，《蔡文姬》在各方面和细节处都做到了极致。 比如音乐方面，《蔡文姬》里有大量《胡笳十八拍》的唱段，原作曲调早已失传，能从古琴谱中找到的关于《胡笳》题材的作品有39个不同的版本。为了学习和借鉴古谱，1959年《蔡文姬》排练之初，中国作曲家协会和音乐家协会还举办过一次《胡笳十八拍》音乐会，选出一部分作品进行观摩演出。最后，负责音乐创作的傅雪漪在古谱《琴适》的基础上，吸取古代歌曲成分，再加上昆曲抒情优美的唱法，形成古朴又细腻的风格，演唱方式上还加入了戏曲的“帮腔”形式。 值得一提的是，如今歌词是打在剧院两侧的屏幕上，但当年歌词是抄写在幻灯片上，再打在舞台两侧的墙壁上，每一个字都用蝇头小楷书写。 再比如在舞台设计方面，一共5个景，负责舞美的陈永祥画了188张图，导演焦菊隐要的风格就是“大写意”。也就是像传统戏曲那样，把舞台的有限空间变成一个不固定的可以变化的空间，做到虚实结合。《蔡文姬》的第一幕就需要三个景:穹庐外、穹庐帐下、穹庐帐内，但如果把舞台分割成三部分，就会空间狭小顾此失彼。如今呈现出的舞台效果是用幕布幔帐做出似穹庐又不似穹庐的风格，能给观众无限遐想。第一幕中高达七米五，下悬大铜锣的五色旗架，观众能在宋人画《文姬归汉图》中找到原型。 从传承戏曲、探索民族化的角度来说，《蔡文姬》有很高的价值。但除了对戏曲式表演的质疑，如今的观众提出的另一大问题是剧本。 尽管这是郭沫若的作品，但我觉得大师之作也并非不能质疑。其实，在《蔡文姬》首演之时，就在文学界和戏剧界掀起讨论。 郭沫若说，自己写这部戏是为了给曹操翻案。戏剧家张艾丁当时就提出两个问题：第一，选取文姬归汉这件事来替曹操翻案是否合适？第二，从剧本来看，是否已经达到替曹操翻案的目的？张艾丁认为，剧本主要是通过别人之口颂扬曹操，但那些颂词没有见诸行动，显得空洞浮夸。 在看完这部戏后，我觉得《蔡文姬》的人物塑造并不丰满，人物的行为逻辑有时候不能为观众所接受。 比如，为了表现曹操是一个好人，是一个能知错就改的人，剧本却把曹操塑造得不那么聪明——剧情里的周近向曹操进言，说蔡文姬和董祀过于亲密，行为不检，曹操听信一面之词，直接就下令让董祀自裁。到了下一幕，蔡文姬请求面见曹操，跟他言明自己和董祀关系清白，曹操又立刻相信了蔡文姬的说法。在这两场戏中，曹操就仿佛一个捧哏，别人说啥他信啥。而在整出戏最后，曹操突然又给蔡文姬和董祀说媒，当时的台词是：“这是天作之合啦！让我们俩老夫老妻来替天行道吧！” 在曹操的三场重头戏中，他的行为都显得不符合逻辑和常理，所以在观演过程中，现场都出现了笑声。 尽管这出戏的目的是给曹操翻案，但戏中的曹操的形象并不出彩，而作为大女主的蔡文姬，同样人物干瘪。在前三幕她主要的戏剧矛盾就是思念儿女，并没有体现她作为一个杰出女诗人的闪光点，最后还是董祀点醒她，说她心胸狭窄，困于儿女私情，应该减少个人悲哀。给我的感觉是，董祀才是整部戏中最光彩照人的人物形象，蔡文姬显然是不符合当代观众审美的。 对于这样一个角色，扮演者徐帆早在2001年初次演绎时就表示过，蔡文姬太“政治”了，角色线条比较硬，有太多民族、文化和政治的概念围绕在她身边，这让她变成了一种超越了“女人”的“伟人”形象。 的确，这出戏中的蔡文姬给我的感觉更像一个为了表达主题、概念而存在的符号，而不是一个活生生的人物。徐帆当时说，“我要演的不仅是一个生活的人，还是一个政治的人，而政治是最没法演的东西，而作为演员，依附于情感才是塑造人物的最佳途径，我只有抓住她的情感，比如骨肉离别之情和夫妻离别之情，对故土深厚的依恋和对董祀隐约的情意……” 作为观众，我看《蔡文姬》的时候，其实最感动的就是最后蔡文姬与一双儿女重逢的那一场戏，我觉得在那一场我看到了真实的人物和情感，让我有点眼眶湿润。我认为虽然剧本与当代观众距离甚远，但演员们的确尽力在用表演去拉近与观众的情感勾连。 当年郭沫若创作《蔡文姬》时，史学界和文学界正在掀起为曹操翻案之风，《蔡文姬》是那一代人的创新。经历了63年，当史学、文学、影视作品中的曹操形象越来越立体，《蔡文姬》所承载的这个创作目的当然已经过时了，这样一个主题先行的剧本故事难以触动当代观众也实属正常。 在《蔡文姬》中扮演过董祀和曹操的濮存昕认为，人艺上演保留剧目不是为了迎合市场，它的重要作用应该是体现一个剧院的品质和文化精神。 从这个意义上来说，虽然《蔡文姬》的呈现形式和剧本故事在当年直到今天都有争议，一些观众不喜欢，但我认为，如今的话剧舞台上还是有很多符合现代审美、符合观众内心预期的作品，那些作品是主流，而《蔡文姬》反而是一个特别的少数存在，我们应该允许这样的作品继续。 一代人有一代人之戏剧，《蔡文姬》就像一个活着的博物馆，让“话剧民族化”几个字不再是书本里的概念，而是至今仍能被感受到的存在。它有鲜明的时代烙印，在建院70周年之际，北京人艺重演这部戏，是把初代人艺人的探索展现给当代人。 但是，尊重经典和传承经典并不代表着守旧，我认为在保留原作的剧本和戏曲式表演的前提下，仍然可以在服装、音乐、布景等细处进行升级。 比如音乐方面，刚才大家听到的是《蔡文姬》的开场曲。刚才有提过，这是在古谱的基础上创作的，但如今听来，旋律、唱腔甚至音质都有升级的空间。其实国风古韵也可以做得很符合当代审美，最近的爆款舞剧《只此青绿》的主题音乐，我认为就是一首即古朴又流行的作品。 再说布景，相较于传统戏曲舞台，《蔡文姬》的场面可以说是宏大，舞美设计本身也都能在古画中找到出处，传递出戏曲舞台的虚实结合的美。但如今的观众是在影视文化中成长起来的一代，看惯了影视的大场面大特效，再来看《蔡文姬》，难免会觉得过于古早。 其实最需要修改也容易修改的是服装用色。当年的服装设计追求的是表明身份的作用，汲取了传统戏曲的用色习惯。戏曲传统服装中有上五色、下五色之说，上五色是红、绿、黄、白、黑。剧中左贤王是个耿直豪爽、肝胆相照的英雄形象，又是匈奴的王尊，他穿绿色是吸取民族传统用色习惯，同时绿色常常用于忠臣、猛将，比如关羽。 这种用色是可以沿袭的，但问题是主角们的服装选择的是明度很高的颜色，颜色加上质感特别像八、九十年代古装剧中乡村的地主。服装老师鄢修民说，主要人物多采用突出和明亮的纯色，群众和次要角色多用调和的复色或中间色，这是为了在舞台灯光的效果下使人物层次分明、主要人物突出。 但实际看来，即使没有高明度的颜色，整出戏也并不会出现主次不分明的问题，如果把这些过于明亮的颜色替换掉，可能舞台的整体审美会更上一个台阶。 总体来说，《蔡文姬》是63年前的时代产物，如今上演是向当代观众展现北京人艺的发展和探索历程。但经典保留剧目不是只上演给老票友看，为了吸引一批又一批新观众爱上话剧甚至爱上戏曲，《蔡文姬》也应该在传承的基础上开始革新。 参考文献： 《<蔡文姬>的舞台艺术》 《北京人艺论》 《我在北京人艺》
在话剧《铁流东进》正式首演前三个小时，我在国家话剧院后台见到了这部剧的三位主演——饰演李安本的国家话剧院演员田征、饰演团长的王挺和饰演小柴火的张真源。 演员们在后台有条不紊地做着准备，空气中并没有紧张的气氛，而三位演员都告诉我，对于即将开始的首演，他们并不紧张。 《铁流东进》聚焦新四军通信兵的战斗生活，用两个时空交替叙述的方式，展开为民族浴血奋战的铁血往事。 这部作品是影视演员王挺的话剧首秀，也是时代少年团成员张真源的话剧处女作，演出刚开票就立刻售罄。 在《铁流东进》处于开演倒计时的特殊时刻和演员们见面，是一件有趣的事—— 王挺告诉我，他当天起床发现自己失声，陷入了前所未有的恐惧，对于接下来的演出，其实他自己也正在摸索处理方式； 作为男一号李安本演员之一的田征，坦言自己身边也有朋友在讨论，这次的观众们到底是看演出还是看流量明星的？昨天没有演出任务的他，决定在观众席里好好感受，找找答案； 张真源则早早就来到了后台，早点来剧场也是他磨合状态的一种方式，感受剧场的气场以及给自己带来的感觉，可以缓解上台前的紧张； 在和王挺聊天时，张真源推门进来找一件戏服，王挺当时嘱咐他，等下的演出要把两人之间兄弟的感觉放大。 这部主旋律题材的话剧作品，因为张真源的加入获得了更多关注，两位前辈演员田征和王挺都说，不会把张真源当作爱豆，而是兄弟、小孩、一个很真的演员。 在和张真源聊天的过程中，我感觉到一部作品、一个角色给他带来的自信与成长，聊起这个角色、说起那些曾经困扰他的戏份，张真源侃侃而谈，一个大一音乐剧新生的演员之路，正在启航。 节目流程： 王挺部分—— 00：01：04 王挺首演前险些失声 00：04：34 拳击手经历对当演员有什么帮助 00：06：01 没有B角的演出有多累 00：07：08 在《重案六组》和《铁流东进》都差点挺不住 00：12：19 剧组内部投票决定用方言演戏 00：13：57 “张真源挺聪明的” 00：17：03 影视演员并不比话剧演员low 00：17：32 （彩蛋）张真源突然闯入 田征部分—— 00：20：50 如何理解男一号李安本 00：24：40 独白是一件幸福的事情 00：29：50 在国家话剧院当演员是怎样的体验 00：31：14 国话支持演员参演优秀影视剧 00：32：32 怎么看待年轻偶像演员进军戏剧圈 00：33：54 “张真源身上有值得我们学习的地方” 00：37：04 走进剧场很幸福，就是游戏 张真源部分—— 00：40：00 彩排场仿佛演完了最后一场 00：42：34 台词上有怎样的挑战 00：47：30 “电波是圆的”这场戏曾经让张真源感到尴尬 00：50：00 大一挑战国家话剧院作品感受如何 00：52：10 为什么音乐剧专业学生要挑战话剧 00：53：20 为什么选择音乐剧专业 00：54：00 张真源安利音乐剧 00：56：30 18岁与19岁 对话摘录： 王挺—— 我最担心的是我的嗓子，因为我演戏比较感性，有时候会酣畅淋漓地喊。今天早上前所未有的恐惧感，很多年没有如此的恐惧感了，一个人关在房间里觉得好无助，是因为失声了，就是说不出话来，然后熬到10点能出点声，11点来钟的时候能说话，12点半左右时候好一点，我说不行，我要继续睡觉，然后起来吃了要继续睡，到2点的时候能说了，然后到现在是这个样子，所以我就很担心接下来还有那么多场的演出，我是不是要换种方式来演团长。 我是一个特别要强的人，在话剧舞台上我同样不会示弱，尽管别人比我在舞台上多待了很多年，我就学习向人家虚心学习，但是我有擂台经验，在拳击场上打不好是要挨揍的，牙会被打掉的。我第一次比赛两边都磕出牙沫来了，磕出好几瓣呼哧打飞，相信经过那么残酷的比赛的运动员不会对舞台怯，而且他的心理素质一定会好。 我（跟张真源）说你把我当兄弟演，观众就觉得我们俩情感很亲密，然后我把杜参谋是当老婆演的，因为他是很轴的一个文人，你看我就跟他苦口婆心，当老婆，李安本我是当奶奶演的，奶奶你说什么都对，我惹不起你，岁数大了。 田征—— 我觉得舞台是有魔力的，让我心驰神往，每天我开着车往剧院来的时候，我都是充满了无限的遐想，无限的希望，我就觉得有意思，马上就可以一起好好地在舞台上游戏了。 身边也有一些朋友有两种说法，一种觉得太好了，你看你那票房不用愁了，一下全卖了多好。还有一种就会说那么观众究竟是来看戏，还是来看流量明星的。我个人是希望这两种事情很有可能会融合在一起，第一，票卖出去了，卖空很好。第二，我希望通过这个戏让众多的年轻观众真正感受到戏剧的魅力、表演的魅力，我希望这个戏能带动他们强烈的爱国主义精神。 我觉得（张真源）他身上甚至还有值得我们学习的地方，就是他干净的像一张纸，他的单纯和他的真，这个真特别重要，尤其是他演小柴火这个角色，千万不要故弄玄虚地去演，真东西是演不出来的，你的内心的干净是演不出来的，所以这次张真源来参演剧目，我觉得是成功的，我也希望他能够通过在剧院的这次排练，能够丰富他的表演，能够对他将来上中戏更有所帮助。 张真源—— 真的一直在找这个台词的状态，有时候洗澡的时候，那个镜子正好在那，就会对着镜子自己对自己演，看着自己眼睛在那找角色的状态，我觉得自己有时候是不是有点入戏过深。其实那个时候真的是最自然的一种状态，我感觉非常融入，而且感觉对象就在面前，这种对演员帮助特别大。 我昨天演完之后就有一种好累的感觉，可能平时跳舞也会消耗体力，但那种是流汗的消耗的累，可能一下子就休息好了，但是昨天真的是那种身和心都有一点累。因为心也融入了小柴火那个角色，对我本身是有一点消耗的，就感觉处于一种很复杂的心情，再加上身体也很疲惫，就在想连演九场，其实对我们演员还是挺大的考验。但是昨天我就想，今天一定要睡好，每天我都得睡好，不然每天的观众可能就看不到我最好的状态嘛。当然我不论是什么样的状态，我肯定都会去尽全力去演，我还是想保留一个最好的状态给观众看到。 期待我生日那天也能拿最好的状态展现给大家，大家能够看到19岁的张真源和18岁的张真源饰演的小柴火的不一样的感觉，或许呢，就在一天之间有转变了。
这一期的《金牙的一排一座》，让我们聊一个老生常谈但又是近期热门的话题——偶像跨界演话剧。 早在2013年《如梦之梦》在内地首演时，导演赖声川就评价李宇春、胡歌、许晴等明星演员演话剧是一件时髦的事，但也是一件冒险的事。 今天下午我刚刚去参加了国家话剧院的话剧《铁流东进》的发布会，这部戏因为有时代少年团成员张真源的参演，一直备受关注。 其实我个人对时代少年团可以说完全不了解，但今天是认识到了他的人气。知道我在发布会的现场后，我的微信上就有差不多十个朋友来表示了羡慕。微博上关于这次活动的报道，也有很多网友来转发互动。 粉丝们很期待自家偶像的舞台首秀，剧迷们则往往对偶像艺人演舞台剧持有怀疑的态度和审视的目光。在这样的高关注度下，我相信对于张真源而言，他自己的压力也是很大的。 今天剧方也表达了一种官方的态度：希望媒体不要过多渲染他的人气，张真源就是一个大学一年级、热爱戏剧的普通演员。 能看出来，剧方想给张真源减压。但开票就秒空的票房号召力，还是会让外界格外关注明星演员的存在。 今天发布会后，我看了一会儿演出的合成，张真源和一群年轻演员一起，在反复排练一场戏。据导演说，30多天的排练中，张真源没有请过一天假，话剧圈的排练费和演出费也都不高，我觉得他作为舞台新人，愿意花时间扎根在话剧剧组学习，本身是一件值得鼓励的事。 今天的节目，我邀请了我的好朋友，一个不追星的剧迷达菲，我们都看过肖战版的《如梦之梦》，最近也提前欣赏了德云社版的《窝头会馆》，一起来聊聊剧迷怎么看偶像演员进军戏剧圈这件事。 节目流程： 00：03：03 普通剧迷会排斥偶像演话剧吗 00：05：10 偶像进军剧圈，音乐剧和话剧谁更难 00：07：20 为什么剧圈和偶像互相需要 00：10：35 话剧圈要完了？偶像并没有这么大的破坏力 00：13：00 如何评价《如梦之梦》和肖战的演出 00：19：25 如何评价德云社版《窝头会馆》 00：26：55 偶像演员能通过话剧学到什么 00：36：52 偶像进军剧圈，为何难以把粉丝留在剧圈 00：38：32 除了文本，话剧还要考虑更多舞台呈现可能性，才能留住观众 00：41：41 欢迎偶像演员，也希望中生代实力演员重回剧场 00：44：18 舞台表演，扯掉偶像的遮羞
上周有这么一个热搜，#预计至3月底全国取消或延期9000场演出#。 根据中国演出行业协会的数据，2月中旬至3月中旬，全国演出取消或延期场次超过4000场，预计3月底全国取消或延期场次约9000场。 这是一个宏观的数据，而对我们剧迷来说，影响就非常具体了—— 比如北京场的《赵氏孤儿》被取消了两次，我不知道何时才能看到这部剧，这笔钱现在可谓是无息存款； 比如上海有三部驻场剧《最美的一天》《弗兰肯斯坦计划》《宇宙大明星》都宣布了封箱，按照目前的疫情情况，可能封箱场也难逃被取消； 比如疫情后国外的引进剧不能进中国，戏剧领域的国际交流暂缓。 这一期《金牙的一排一座》，我邀请了我的好朋友，一个在疫情前经常飞上海看剧的铁杆剧迷过过，来聊一聊疫情对戏剧对剧迷的影响，聊一聊那几部即将消失的上海驻场剧。 节目流程： 00：02：20 你的剧票“包浆”了吗？ 00：06：10 引进剧缺位，却是国产剧的机会 00：10：05 上海封箱剧之一：《最美的一天》 00：20：00 上海封箱剧之二：《弗兰肯斯坦计划》 00：26：00 上海封箱剧之三：《宇宙大明星》 00：32：00 驻场剧封箱启示录 00：35：00 疫情下的剧方“骚操作”：少一些自我感动吧
本期《金牙的一排一座》邀请到的嘉宾，是在剧圈路人缘很好、被剧迷们亲切地称为“好大哥”的张玮伦。 很多剧迷是从《阿波罗尼亚》开始认识张玮伦的，然后被他有趣的灵魂吸引。我在做这个播客栏目之前就问过身边的剧迷朋友，最想听谁来做客我们的节目，很多人都说，当然要请张玮伦！听他聊天就像听相声，就很快乐！ 最近张玮伦参加了东方卫视的音乐剧综艺《爱乐之都》，不仅在初舞台评级中获得了4A，还在talking环节和后台的reaction环节展示了自己的喜剧人天赋。 半个多月前，我在上海见到张玮伦，原定40分钟的聊天被我们以“盘古开天辟地”式的聊法自然地延长到两个小时，我全程被他逗得哈哈直乐。 我们聊了很多有趣的话题，比如他心中的剧圈帅哥、他和大学室友钟嘉诚如何互损，我们也聊了一些严肃的行业话题，对于音乐剧和市场，张玮伦一些朴实的观点触动了我。 聊起真人秀，他说：“真人秀就像是你在台上去演戏，你要在这出戏当中把你的真情实感表达出来，录综艺也是这样，在维持好几个月的这个戏里边你要表达你的真情实感，但是也不能太娇柔造作。” 聊起复读和艺考，他说：“我喜欢表演，所以我考学，而不是我考学，我才喜欢表演。现在有很多人是把顺序整反了，把学校、综艺、一些好的戏，当成是名牌。你要想想你到底是干啥的，你是因为喜欢这个东西，才踏上这条路，而不是直接看到了终点能给你什么，才走这一条路。我是因为喜欢这个开始，而不是喜欢最后那个结果。” 聊起如今越来越好的音乐剧市场，他做出反思：“可能所有的利都是伴着弊来的，现在这种井喷式的剧目的出现、同种类型的出现，会不会让观众审美疲劳呢？无感呢？观众对于剧本会不会说，看了开头，哦又是这种，会不会呢？多了就可能会腻，你不是还是这点事吗，不是说不好，但这种看多了，你不知道别的是啥样了。” 聊起自己的喜剧人人设，他坦诚表示：“我平时是因为紧张，所以我话多，因为我不说话，大家都特别期待我说话，我随便说啥，大家笑了很开心，能带给别人开心是件好事，但是你不能觉得我只能演喜剧。说实话我有些时候我不希望被太多的人注意，一注意到我我就很焦虑，嘴就开始变碎，我就开始好笑，大家就会更注意我。” 聊起粉丝与观众，他说：“我签个名是因为我感谢你，不是你感谢我，你花钱买票来了，我给你签名是你想让我给你签名，那太好了，我终于能为你做点什么回馈的事。” 这期节目，希望能给大家带来快乐，也让大家更加了解张玮伦。 节目流程： 00：03：10 张玮伦心中的剧圈“三帅” 00：06：00 艺考往事，曾复读一年 00：08：40 何为热爱？ 00：09：20 张玮伦眼中的《爱乐之都》与真人秀 00：11：00 和郑棋元、朱芾学到了什么？ 00：12：50 日常生活中两个张玮伦的对话 00：13：52 最佳损友钟嘉诚 00：16：38 谈《人间失格》 00：20：10 重要转折点：《阿波罗尼亚》 00：27：08 市场的冰火两重天，分析《弗兰肯斯坦计划》的票房 00：29：40 “愤青”一下：戏多了对演员有怎样的影响 00：32：40 张玮伦的反思：同质化的作品，会不会让观众审美疲劳？ 00：33：50 张玮伦如何鉴赏音乐剧 00：37：45 最近的表演反思：之前表演上“活”太多了 00：38：57 话痨其实是因为紧张和焦虑？ 00：40：25 谈粉丝：给人签名其实是在表达感谢 00：42：15 谈《爱乐之都》中和大张伟的CP 00：44：40 本期彩蛋：唱《心脏》破音了？！
新一期《金牙的一排一座》，我们邀请了现在音乐剧圈的票房担当之一叶麒圣来和我们聊聊天。 叶麒圣最近参加了东方卫视的音乐剧综艺《爱乐之都》，在上周六播出的第一期节目中，他带来的初舞台是《摇滚红与黑》里的选段《荣耀向我臣服》。 从这个选段就可以感受出叶麒圣成为音乐剧圈票房担当、获得众多粉丝的原因——他的确在舞台上做到了唱演均衡，即使在很短的片段里，也能很快入戏，把观众带入情境。 从22岁出演音乐剧《妈妈再爱我一次》的男主角算起，叶麒圣已经在音乐剧的道路上默默前行了10年，有千场商业演出的经验，这一路有孤独也有掌声，有磨难也有幸福。现在他说，他更在意的是另一个1000场。 大概十天前，我去上海探班《爱乐之都》，和叶麒圣有了这次聊天。 对于我的问题，他认真做好了准备，回答大多数问题时，他都是深思熟虑、慢条斯理的。但当我问到“长得帅是你自信的其中一个来源吗”，一直靠着椅背的叶麒圣突然坐直了，语速加快了一些，聊天的气氛陡然间热烈了很多，他对于颜值话题进行了一番详细阐述，还透露了自己心目中的大帅哥是谁。 颜值，是叶麒圣圈粉的其中一个原因，而这十年来的稳扎稳打，让他的业务能力同样不容小觑。 年轻时在松雷剧团，高强度的排练和演出，让做雾化变成他的生活常态，如今在上海演出机会多了，身体超负荷运转，他也曾累到在舞台上眼前一黑断片儿。 叶麒圣说，他不爱说这些困难，他只希望能留下好的舞台。 入行十年，千场演出，叶麒圣说，他的音乐剧之路，对他影响最大的人是妈妈，最重要的一部剧是《妈妈再爱我一次》，这也是他的第一部剧，是他成为音乐剧演员的开始。 在今天的节目中，让我们来到叶麒圣的一排一座，听他讲讲自己的爱乐之路。 节目流程： 00：00：00 叶麒圣推荐的音乐剧选段 00：02：00 叶麒圣与《爱乐之都》的故事 00：10：30 为什么说《妈妈再爱我一次》是送给母亲的礼物 00：11：50 少年叶麒圣曾经离家出走 00：14：10 去韩国演出，第一次敷面膜 00：16：06 松雷时期，没有替卡，做雾化成为生活常态 00：19：35 叶麒圣的松雷好兄弟：刘令飞和郑云龙 00：23：20 哪部戏是职业生涯最重要的里程碑？ 00：24：50 一千场是一个开始 00：26：12 回应“轧戏”质疑 00：30：30 累到极限，曾在舞台上“黑屏”断片儿 00：33：55 详细聊聊“帅”这件事 00：37：20 参加《爱乐之都》，叶麒圣想“红”吗？ 00：44：50 抢票祝福
《金牙的一排一座》今天和大家正式见面啦，这是娱理TALK旗下一档全新的播客节目，以后的每周四，我们将在这里和大家聊聊戏剧等沉浸式体验。 你会在这里听到关于戏剧台前幕后的访谈、好剧安利、剧迷吐槽，我们的话题也不仅仅限于戏剧，舞台、演出、密室、剧本杀，沉浸式的概念包罗万象，毕竟，我们的人生也就是一场大型的沉浸式体验。 而一排一座，是对剧迷们的祝福，希望大家都能抢到一排一的票。一排一座也是一种面对生活的态度，希望我们能一直站在最前沿，去体验每一段全新的故事。 今天《金牙的一排一座》第一期节目，想先和大家分享我自己的一大爱好——音乐剧。 在这20分钟的时间里，我将聊一聊为何音乐剧让人如此上头、再给大家推荐一些上海的小剧场驻演剧。 节目流程： 00：01：24 关于音乐剧的误解。其实刘昊然的首本名曲也是音乐剧呀！ 00：05：30 音乐剧的独特沉浸式魅力 00：07：25 我为什么要“集卡”？比较之后，我意识到郑云龙演得有多好！ 00：10：55 影视剧的财富密码，音乐剧也有 00：11：20 推荐之一《灯塔》，走心共情之作 00：15：12 推荐之三《危险游戏》，双男主剧的CP火花 00：16：34 推荐之五《阿波罗尼亚》，为什么这是上海的顶流剧 00：19：15 看音乐剧，是一种生活方式
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