风格：后摇滚/盯鞋/极简主义电影配乐/氛围音乐/实验摇滚 情感：不确定性与焦虑/温柔与爱/喜悦与狂喜/失落与留白/宁静与沉浸 TRACK LIST * 00:00The Land Between Tides / Glory * 11:35Kanata * 17:56Cyclone * 24:20Elysian Castles * 32:31Where We Begin * 39:55The Last Dawn The Last Dawn是MONO乐队的一张专辑，于2014年10月24日发行。 以下是关于它的介绍： • 专辑定位：这是MONO乐队同时录制的两张概念专辑中的第一张，与《Rays of Darkness》互为补充，在主题和旋律上相对“轻快”。 • 音乐风格：融合了极简主义电影配乐和复古盯鞋音乐的元素，是MONO乐队纯粹风格的体现，没有使用近年来在其作品中占重要地位的大量弦乐器，歌曲更加简洁高效。 • 曲目信息：专辑共包含6首曲目，分别是《The Land Between Tides / Glory》《Kanata》《Cyclone》《Elysian Castles》《Where We Begin》《The Last Dawn》。 • 专辑评价：专辑中的六首曲目通过缓慢构建的张力和释放，描绘了光线的特质，也暗示了其即将到来的低谷。整体音乐情感强烈，包含了不确定性、温柔、爱、喜悦、焦虑和失落等多种情感，从音乐上全面地概括了MONO乐队过去十年的特点。 MONO乐队介绍 • 乐队概览 ◦ MONO（常写作MONO），1999年在日本东京组建的纯器乐摇滚乐队，核心成员为Takaakira “Taka” Goto（主音吉他、钟琴）、Hideki “Yoda” Suematsu（节奏吉他、钟琴）、Tamaki Kunishi（贝斯、吉他、钢琴、钟琴）、Dahm Majuri Cipolla（鼓，2018年加入）。 ◦ 乐队拒绝“后摇”标签，主张超越流派，音乐融合盯鞋、古典、实验、噪音等元素，以吉他音墙、动态起伏、管弦化编排为标志，现场极具张力，被誉为日本最具国际影响力的器乐摇滚乐队之一。 ◦ 2001年首张专辑《Under the Pipal Tree》由John Zorn资助，2009年《Hymn to the Immortal Wind》与28人管弦乐团合作，成为经典；与Steve Albini多次合作录音，发行11张录音室专辑，巡演覆盖全球50多国，年均约150场演出。 • 音乐风格 ◦ 核心特质：纯器乐、长篇作品、渐强式叙事（Crescendo-driven），结构类似Godspeed You! Black Emperor，以吉他为基础，叠加钢琴与弦乐，情感饱满且内敛，爆发时力量强劲。 ◦ 风格演变：早期受Sonic Youth、My Bloody Valentine影响偏向盯鞋，后期融入更多管弦与实验元素，形成宏大史诗感，NME称其获“诸神的美誉”。 ◦ 音色特点：大量使用混响、失真、延迟效果，构建沉浸式声场，细腻管弦与迷幻噪音交织，器乐叙事兼具悲伤与喜悦，氛围独特。 • 情感表达 ◦ 音乐多传递忧郁、内省、希望等复杂情绪，以器乐叙事探讨生命、时间、存在等哲学主题，如《Dream Odyssey》以极简钢琴开篇，延迟吉他渐入，营造深邃宇宙感，成为后摇经典。 ◦ 现场演出以极致动态与情感张力著称，常与交响乐团跨界合作，如纽约、东京等地的23人交响乐团演出，将摇滚能量与古典严谨完美融合，提升现场感染力。

风格：氛围后摇/北欧后摇/后金属/氛围音乐 情感：迷茫与探寻/孤独与沉静/希望与救赎/初心与纯粹 TRACK LIST * 00:00Correspondence * 03:38Surface * 10:41Harbour * 17:27Lighthouse 《Ocean Rift》是瑞典后摇乐队Seas of Years的首张EP，于2013年4月7日发行，全长约23分钟，共收录4首纯器乐后摇作品。以下是详细介绍： 基本信息 • 发行信息：2013年4月7日发行，由乐队吉他手Jari Lindholm负责录制与混音，以乐队原名Ocean Rift命名。 • 曲目列表： 1. 《Correspondence》 2. 《Surface》 3. 《Harbour》 4. 《Lighthouse》 音乐风格与特点 • 风格：典型的氛围后摇，旋律磅礴细腻，氛围忧郁又带着纯真感，乐器编排极具画面感，能让听众联想到海洋与航行的场景。 • 特色：双吉他营造出辽阔音墙，鼓点与贝斯构建沉稳节奏基底，歌曲起承转合自然，如《Surface》开篇华丽震撼，《Harbour》以柔美旋律始、以猛烈吉他收尾，每首歌都像一页航海日志，记录在大海中寻找方向的旅程。 情感表达 专辑以“海洋裂缝”为意象，既象征深渊，也代表光亮涌入的地方，传递出在迷茫中追寻、于孤独中怀揣希望的情感，是乐队对后摇风格的初探，也为后续创作奠定基调。 Seas of Years是一支来自瑞典斯德哥尔摩的后摇乐队。以下是关于他们的介绍： • 成立时间与成员：乐队成立于2012年仲夏，最初名为Ocean Rift，成员包括Jari Lindholm（吉他）、Patrik Muhr（吉他）、Calle Sjöström（鼓）和Vilhelm Andersson（贝斯/吉他）。 • 音乐风格：他们的音乐简而深刻，磅礴却细腻，有着强大的感染力和独一无二的画面感，虽稍显忧郁，但带有孩童般单纯的情感。 • 代表作品：2013年发行首张EP《Ocean Rift》，包含《Surface》《Harbour》《Lighthouse》等曲目。2016年发行全长专辑《The Ever Shifting Fields》，2017年推出概念EP《Three Horizons Away》。 • 乐队经历：Seas of Years是较为知名的后摇乐队，2016年曾来中国进行巡演，受到许多乐迷的喜爱。

风格：流行/电子/R&B/独立流行/室内流行/Emo Pop 情感：坠入爱河/心碎/悲伤/释怀/平静 TRACK LIST * 00:00this is what falling in love feels like * 02:00moon and back * 04:28golden hour * 07:57this is what heartbreak feels like (心碎何堪) * 10:35i'm not okay * 13:00ghost town * 15:38this is what sadness feels like * 18:50wonder if she loves me * 21:31save your breath * 24:17this is what falling out of love feels like * 26:38catch me * 29:35i can't help it JVKE的首张录音室专辑this is what ____ feels like (Vol. 1-4) 于2022年9月23日发行，以4个情感篇章串联爱情全周期，收录12首歌，发行首周空降Billboard 200第40位，是其出圈代表作。 一、专辑核心信息 • 唱片公司：JVKE Music LLC（AWAL发行） • 时长：约32分钟 • 创作：JVKE包揽词曲制作，部分曲目与兄弟Zachary John Lawson、Owen Goodwin合作 • 风格：融合流行、电子、R&B、独立流行，旋律抓耳，制作精良 二、4个情感篇章与关键曲目 1. this is what falling in love feels like（坠入爱河） ◦ 曲目：this is what falling in love feels like、moon and back、golden hour ◦ 亮点：golden hour 为Billboard百强单曲榜第10名，TikTok爆火，MV获MTV日本音乐录影带奖 2. this is what heartbreak feels like（心碎时刻） ◦ 曲目：this is what heartbreak feels like、i'm not okay、ghost town ◦ 亮点：首单先行，以电子节奏与emo歌词共鸣失恋情绪 3. this is what sadness feels like（悲伤滋味） ◦ 曲目：this is what sadness feels like、wonder if she loves me、save your breath ◦ 亮点：氛围下沉，细腻刻画悲伤与自我拉扯 4. this is what falling out of love feels like（走出爱情） ◦ 曲目：this is what falling out of love feels like、catch me、i can't help it ◦ 亮点：以“放手与重生”收尾，完成情感闭环 三、商业与口碑 • 首周空降Billboard 200第40位，全球流媒体表现亮眼 • 单曲golden hour带动专辑热度，成为其代表作，获iHeartRadio“社交媒体之星”等荣誉 • 黑胶版本于2023年10月发行，含限量黄胶，收藏价值高 四、创作意义 专辑以“情感周期”为叙事线，用音乐记录从热恋到心碎、悲伤再到释怀的完整心路，是JVKE个人成长与情感体验的真实投射，也展现其唱作+制作的全能实力，奠定其在流行乐坛的新锐地位。 JVKE（发音同“Jake”），本名雅各布·道奇·劳森（Jacob Dodge Lawson），2001年3月3日生于美国罗德岛州普罗维登斯，是美国流行乐男歌手、词曲作者兼音乐制作人，活跃于2020年至今。以下是他的核心信息： 一、基本背景 • 成长于音乐家庭，母亲是音乐老师，父亲是教会牧师，从小接触吉他、钢琴、鼓等乐器。 • 早期靠TikTok发音乐短视频走红，与母亲的合唱视频备受关注，首支单曲《Upside Down》于2020年8月发行。 二、音乐生涯与代表作 • 2022年发行首张录音室专辑《This is What ____ Feels Like (Vol. 1-4)》，登上Billboard 200第56位。 • 代表作《golden hour》是其首支Billboard百强单曲榜TOP10（第10位）作品，获MTV日本音乐录影带奖“最佳国际新人音乐录影带”。 • 2022年10月获“MTV推手艺术家”称号，同年与Martin Garrix合作《Hero》，并开启首次全国巡演。 • 2024年10月发行专辑《next to you》。 三、音乐风格与成就 • 风格融合流行、电子、R&B、独立流行，旋律抓耳，情感细腻。 • 荣誉包括第10届iHeartRadio音乐奖“社交媒体之星”、MTV日本音乐录影带奖等。 • 唱片公司为AWAL

风格：器乐摇滚/自赏/盯鞋/实验摇滚/当代古典融合/氛围音乐 情感：存在性的敬畏与追问/悼亡的哀恸与思念/活在当下的珍视与喜悦/自我觉醒与坚定/净化与重生的释然/宇宙归属感与宏大平静 TRACK LIST * 00:00Us, Then * 02:02Oath * 06:42Then, Us * 08:36Run On * 17:54Reflection * 25:13Hear the Wind Sing * 34:10Hourglass * 38:59Moonlight Drawing * 46:54Holy Winter * 54:13We All Shine On * 1:02:12Time Goes By MONO《Oath》介绍（2024） 核心信息 • 发行与定位：2024-06-14发行，是MONO第12张全长、25周年纪念作，与长期合作工程师Steve Albini的最后一张原创专辑。 • 核心主题：以“时间与生命”为轴，追问“What are we doing here？”，聚焦有限生命的价值与当下意义。 • 时长与曲目：71分钟11首，含3首短间奏与8首长篇作品，整体如四季流转的器乐叙事。 • 制作：Steve Albini操刀，管弦乐/铜管与摇滚乐器融合，音色通透，动态克制且层次饱满。 音乐风格 • 核心风格：后摇（Post-Rock），以器乐叙事与动态起伏为骨架。 • 融合元素： ◦ 当代古典融合：弦乐、铜管贯穿，如《Oath》《Run On》的宏大叙事。 ◦ 自赏/盯鞋：吉他音墙与迷幻效果，《Reflection》《Hear the Wind Sing》沉浸感强。 ◦ 实验摇滚：电子音效、室内弦乐、钢琴留白扩展表达。 ◦ 氛围音乐：间奏与过渡段用缓慢铺陈营造沉浸，如《Us, Then》《Then, Us》。 ◦ 器乐摇滚：无主唱，靠乐器推进情绪，段落呼吸感强。 情感表达（核心脉络） • 存在性敬畏与追问：直面生命有限，宏大音景承载对意义的深度思考。 • 悼亡的哀恸与思念：《Hourglass》用旋律与缓慢铺陈传递对逝者的怀念与不舍。 • 活在当下的珍视与喜悦：强调今日珍贵，捕捉季节与瞬间的感动，感恩日常。 • 自我觉醒与坚定：《Hear the Wind Sing》传递自信与追梦决心，挣脱外界纷扰。 • 净化与重生的释然：《Holy Winter》以冬日隐喻悲伤净化，《Moonlight Drawing》从怅惘走向昂扬。 • 宇宙归属感与平静：管弦乐与音墙交织，带来与宇宙相连的宁静，赋予生命庄严力量。 曲目速览（关键曲目亮点） 1. Us, Then：短间奏，钢琴+轻弦乐，开篇如春日黎明，氛围铺垫。 2. Oath：同名曲，铜管起势，吉他渐强，象征对生命的“誓言”，情绪坚定。 3. Run On：鼓点驱动，弦乐/铜管与失真吉他交织，张力拉满，生命奔涌感强。 4. Reflection：钢琴起，盯鞋音墙与弦乐碰撞，情绪内敛又充满力量。 5. Hear the Wind Sing：旋律明亮，吉他层叠，传递活在当下的喜悦。 6. Hourglass：极简钢琴+弦乐，如时间流逝，哀而不伤。 7. Holy Winter：冬日雪景意象，从肃穆到释然，为重生铺垫。 8. Time Goes By：终曲9分钟，融合所有元素，从沉思到平静，收束“时间与生命”主题。 专辑价值 • 乐队转折：告别过往愤怒/黑暗表达，转向温和的存在主义反思，是25周年的“自我誓约”。 • 制作意义：与Albini的收官合作，平衡克制与张力，古典与摇滚融合更成熟。 • 聆听建议：完整连续播放，配合耳机，体验四季流转般的情感闭环。 MONO 是一支成立于1999年的日本后摇滚乐队，被广泛认为是日本后摇界的鼻祖。乐队成员包括吉他手Takaakira “Taka” Goto和Yoda、贝斯手兼钢琴手Tamaki以及鼓手Dahm Majuri Cipolla。乐队的音乐风格以宏大叙事的情感氛围和强烈的现场感染力著称。 MONO的音乐融合了多种元素，既有日式的物哀美学，又兼具西方音乐的爆裂感。他们的作品通常没有主唱，而是通过乐器的演奏来传达情感，给听众带来独特的听觉体验。乐队的代表作品包括《The Last Dawn》和《Rays of Darkness》等专辑。 MONO乐队在国际上拥有广泛的影响力，多次进行全球巡演，包括在中国的演出。他们还与其他知名乐队如惘闻有着长期的合作和交流。

风格：后摇滚/新古典/氛围音乐/极简主义/实验音乐 情感： 内省与孤寂/哀伤与绝望/慰藉与治愈/ 坚韧与希望/联结与共情 TRACK LIST * 00:00Glóð (余烬) * 03:39Blóðberg * 10:55Skel * 15:54Klettur * 22:25Mór * 28:13Andrá * 32:20Gold * 37:33Ylur * 43:28Fall * 46:568 《ÁTTA》是Sigur Rós的第八张录音室专辑，于2023年6月16日通过Von Dur和BMG Rights Management发行。这是他们自2013年的《Kveikur》以来的首张录音室专辑，也是自2012年的《Valtari》后首张有键盘手Kjartan Sveinsson参与的专辑。 以下是对这张专辑的详细介绍： • 创作背景：2022年，Kjartan Sveinsson重新加入乐队后，乐队开始着手创作这张专辑。Jónsi、Kjartan Sveinsson先在洛杉矶即兴创作，受疫情影响，两年后贝斯手Georg Hólm加入，之后他们在冰岛的Sundlaug录音室、伦敦的Abbey Road录音室以及美国的多个录音室进行录制。 • 音乐风格：专辑风格融合了后摇滚和现代古典音乐，以简约的鼓点、飘逸空灵的旋律为特点，搭配伦敦当代管弦乐团的演奏，营造出广阔而内省的音乐氛围。 • 专辑曲目：共收录10首歌曲，包括《Glóð》《Blóðberg》《Skel》《Klettur》《Mór》《Andrá》《Gold》《Ylur》《Fall》和《8》。其中，《Blóðberg》作为先行单曲，于2023年6月12日发布。 • 专辑封面：由冰岛艺术家Rúrí设计，画面描绘了一道燃烧中的彩虹。Jónsi表示，封面意在反映当前跨性别、同性恋和酷儿权利遭到践踏的现状，以及气候变迁等问题。 • 专辑成绩：专辑空降英国独立榜亚军，获得了传媒的一致好评，如Clash评价其“节奏缓慢，却充满情感；巧妙实验性，却同时大胆旋律化”。 Sigur Rós 是一支 1994 年成立于冰岛雷克雅未克的后摇滚乐队，目前由主唱/吉他手 Jónsi（Jón Þór Birgisson）、贝斯手 Georg Hólm 和鼓手 Orri Páll Dýrason 组成。他们以空灵、宏大的声景和 Jónsi 标志性的假声、自创语言（Hopelandic）以及“用琴弓拉电吉他”的独特演奏方式闻名。 音乐特点 • 氛围后摇滚：慢速铺陈、层层递进，从极静到爆发式的音墙。 • 古典与极简融合：大量使用弦乐、铜管、合唱团，强调空间感与情绪张力。 • 语言实验：除冰岛语外，还创造无实义的 Hopelandic，仅保留语音旋律，让听众“凭感觉”理解。 关键专辑 1. 《Ágætis byrjun》（1999） 国际突破之作，销量超 50 万张，获 2001 年 Shortlist Music Prize。代表作〈Svefn-g-englar〉被电影《香草天空》收录。 2. 《( )》（2002） 全专无标题、歌词全为 Hopelandic，8 首曲目均以“Untitled”命名，情绪从压抑到彻底爆发。 3. 《Takk...》（2005） 加入更多钢琴与管弦乐，旋律更温暖，曲目〈Glósóli〉、〈Hoppípolla〉成为影视广告常客。 4. 《Með suð í eyrum við spilum endalaust》（2008） 首次引入原声民谣元素，节奏更轻快，MV 里乐队在冰岛乡间裸奔。 5. 《Valtari》（2012） 与 《Kveikur》（2013） 前者极致梦幻，后者转向暗黑、工业质感，展现两极化创作力。 现场与影像 • 演出常以影院级视觉、环形 LED 屏和极光式灯光配合，被乐迷称为“沉浸式礼拜”。 • 2007 年纪录片《Heima》记录他们在冰岛各地（废弃渔厂、无人山谷）的免费巡演，展现人与自然的共生。 影响与评价 • 把冰岛地貌的寂寥与壮美成功转译为声音，被誉为“冰川般的音乐”。 • 启发了无数电影配乐与后摇滚、氛围电子创作者；Radiohead、Coldplay 均公开表示受其影响。 一句话总结： Sigur Rós 用听不懂的语言和看得见的风景，让后摇滚拥有了“极光”的颜色。

谨以本期悼念于2026.1.12去世的black midi吉他手Matt Kwasniewski-Kelvin 风格：数学摇滚/噪音摇滚/后朋克/前卫爵士/爵士融合/艺术朋克/后摇滚 情感：压抑与爆发的对冲/荒诞与疏离的审视/混乱与未知的躁动/零星的诗意与抽离 TRACK LIST * 00:00953 * 05:20Speedway * 08:38Reggae * 12:07Near DT, MI * 14:28Western * 22:36Of Schlagenheim * 29:01bmbmbm * 33:58Years Ago * 36:33Ducter Schlagenheim（2019）核心概览 black midi的首张录音室专辑，2019年6月21日由Rough Trade Records发行，制作人Dan Carey，录制仅用5天，全长43分10秒，含9首曲目，获水星奖提名，奠定乐队实验摇滚标杆地位。 基础信息 • 阵容：Geordie Greep（主唱/吉他）、Cameron Picton（贝斯/主唱）、Matt Kwasniewski-Kelvin（吉他/主唱）、Morgan Simpson（鼓）。 • 录制与制作：伦敦Mr. Dan's Studio录制，乐队刻意不复刻现场，加入合成器、鼓机、班卓琴等，编曲更丰富。 • 封面设计：David Rudnick操刀，抽象几何线条与混乱色块，呼应专辑精密与狂躁的风格。 音乐风格与特点 • 风格融合：以实验摇滚为基底，融合数学摇滚、噪音摇滚、后朋克、前卫爵士，节拍频繁切换，节奏复杂多变。 • 演奏亮点：Morgan Simpson的鼓点极具冲击力，吉他线条尖锐扭曲，贝斯与鼓构建不稳定的律动，整体呈现“精密狂躁”的特质。 • 演唱与歌词：Geordie Greep唱腔诡异疏离，歌词多为荒诞叙事，如《Near DT, MI》暗指弗林特水危机，《Of Schlagenheim》用超现实意象探讨人际关系。 核心曲目速览 1. 953：专辑开场曲，狂风般的吉他intro，变速与切分密集，奠定复杂多变的基调。 2. Speedway：后朋氛围浓郁，怪异groove与切分感强烈，节奏张力十足。 3. bmbmbm：早期爆款单曲，粗糙质感与重复节奏，压抑中暗藏爆发点。 4. Western：8分钟史诗感曲目，乡村风起始，经数摇推向高潮，终归于民谣吟唱，层次丰富。 5. Ducter：专辑收尾曲，融合噪音与复杂节奏，现场感极强，情绪从压抑到爆发。 情感表达与背后故事 • 情感基调：情绪剧烈起伏，在压抑、荒诞、焦虑与爆发间切换，呈现现代社会的疏离与混乱。 • 创作背景：乐队受Can、This Heat、Slint等影响，作品源于大量即兴创作，歌词多为对社会与人性的扭曲观察。 • 成就与影响：获2019年水星奖提名，入选多家媒体年度榜单，成为英国新实验摇滚浪潮的代表作品，推动独立摇滚的边界探索。 收藏与版本 • 发行CD、黑胶、磁带等版本，黑胶版含折叠海报，部分限量版有特殊配色，是独立音乐收藏的热门品。 black midi是2017年在伦敦成立的英国实验摇滚乐队，核心成员为Geordie Greep（主唱/吉他）、Cameron Picton（主唱/贝斯/合成器）、Morgan Simpson（鼓），2020年吉他手Matt Kwasniewski-Kelvin离队，巡演常加入键盘手Seth Evans与萨克斯手Kaidi Akinnibi。乐队名源自日本电子音乐风格black MIDI，音乐却与该风格无直接关联，2024年8月进入无限期休整。 音乐风格与特点 • 风格融合：以实验摇滚为基底，融合数学摇滚、后朋克、前卫爵士、噪音摇滚等，节奏复杂多变、节拍频繁切换，编曲兼具精密结构与野性张力。 • 演奏与演唱：鼓手Morgan Simpson的复杂节奏型是亮点，Geordie Greep的演唱诡异疏离，常以叙事性歌词构建荒诞故事，现场演出充满即兴与不确定性。 • 情感表达：音乐情绪剧烈起伏，从压抑到爆发、从荒诞到严肃，兼具批判性与戏剧感，契合乐队对人性、社会的独特观察。 关键作品与成就 1. 首张单曲：2018年发布《bmbmbm》，粗糙质感与重复节奏迅速积累人气。 2. 首张专辑：2019年《Schlagenheim》，获水星奖提名，奠定精密与狂躁并存的风格基调。 3. 后续专辑：2021年《Cavalcade》拓展编曲复杂度与情感层次；2022年《Hellfire》以概念化叙事深化戏剧感，获广泛好评。 4. 现场口碑：早期在伦敦The Windmill演出积累口碑，SXSW等音乐节表现亮眼，成为地下摇滚焦点。 视觉与文化关联 • 视觉风格常采用抽象、荒诞的图像与动态影像，呼应音乐的实验性。 • 属于伦敦“Windmill Scene”核心乐队，与Black Country, New Road、Squid等乐队关联紧密，推动英国新实验摇滚浪潮。 背后故事与意义 乐队成员相识于伦敦BRIT学校，早期受Mahavishnu Orchestra等影响，作品常以扭曲视角呈现社会与人性议题，以独特音乐语言打破摇滚边界，成为2010年代末至今最具创新性的摇滚乐队之一。

风格：流行/放克/摇滚/节奏蓝调/灵魂乐 情感：爱恋悸动/内心挣扎/自我剖白/趣味戏谑 TRACK LIST * 00:00Wanna Be Startin' Somethin' * 06:03Baby Be Mine * 10:24The Girl Is Mine(feat.Paul McCartney * 14:06Thriller * 20:04Beat It * 24:23Billie Jean * 29:16Human Nature * 33:22P.Y.T. (Pretty Young Thing) * 37:21The Lady in My Life 《Thriller》是迈克尔·杰克逊的第六张个人专辑，于1982年11月30日由史诗唱片公司发行。 以下是对这张专辑的详细介绍： • 创作背景：专辑原名为《Starlight》和《Midnight Man》，后改为《Thriller》，创作灵感来源于柴可夫斯基的《胡桃夹子》。专辑中的《Billie Jean》灵感源于一位19岁的湖人美少女，而《Beat It》则是在制作人昆西·琼斯的催促下创作出来的。 • 专辑曲目：共收录9首歌曲，包括《Wanna Be Startin' Somethin'》《Baby Be Mine》《The Girl Is Mine》《Thriller》《Beat It》《Billie Jean》《Human Nature》《P.Y.T. (Pretty Young Thing)》《The Lady in My Life》。 • 专辑成就：《Thriller》在1984年获得第26届格莱美奖年度最佳专辑等8项大奖，2008年被收入格莱美名人堂。它还创造了多项销售记录，2012年以6500万张的累计销量被吉尼斯世界纪录认证为最畅销的音乐专辑，2015年成为美国本土销量超过3000万张的专辑。 • 深远影响：这张专辑融合了流行、舞曲、摇滚、放克等多种音乐风格，其音乐视频更是开创了先河，如《比利·珍》的音乐电视成为首部在MTV频道播放的由黑人歌手表演的节目，《颤栗》的录像带长达13分钟，推动了音乐与视觉艺术的结合，对全球流行文化产生了深远影响。 迈克尔·约瑟夫·杰克逊（Michael Joseph Jackson）是美国著名的音乐家、舞蹈家、慈善家、演员，被誉为“流行音乐之王”。 以下是对他的详细介绍： 生平经历 • 早年经历：1958年8月29日出生于美国印第安纳州加里市，是家里的第七个孩子。5岁时展现出唱歌和舞蹈才华，与四位兄长组成The Jackson 5乐团，成为乐团主唱。 • 演艺生涯：1964年，The Jackson 5乐团首次登台演出。1971年，迈克尔·杰克逊开始独唱生涯，发行首支单曲《Got to be there》。1979年，发行第一张个人单飞专辑《Off The Wall》，获格莱美奖“最佳R&B男歌手奖”。1982年发行的《Thriller》是其最具代表性的作品，全球销量过亿。此后，还推出了《Bad》《Dangerous》《HIStory》《Invincible》等专辑。1987年9月，展开个人首次全球巡演。 • 逝世：2009年6月25日，因私人医生违规注射过量丙泊酚及其他镇静剂，心脏骤停抢救无效去世。 主要成就 • 音乐奖项：先后获得15个格莱美奖、26个全美音乐奖，曾两次入选摇滚名人堂。 • 舞蹈贡献：普及了“机械舞”和“月球漫步（太空步）”等舞蹈技术，其独特的舞蹈风格和精湛的舞技对全球舞蹈文化产生了深远影响。 • 慈善贡献：曾资助过39家慈善救助基金会，慈善捐款高达3亿美元，是全世界以个人名义捐款最多的艺术家。

风格：独立摇滚/后朋克/管风琴氛围/车库摇滚 情感：满溢焦躁/偏执/爱情的幻灭与惆怅/讽刺/思想与思念之情/怀旧 TRACK LIST * 00:00Brianstorm * 02:52Teddy Picker * 05:37D is for Dangerous * 07:56Balaclava * 10:47Fluorescent Adolescent * 13:51Only Ones Who Know * 16:56Do Me a Favour * 20:25This House is a Circus * 23:37If You Were There, Beware * 28:13The Bad Thing * 30:38Old Yellow Bricks * 33:51505 Favourite Worst Nightmare 2007年4月23日由Domino发行，是乐队第二张录音室专辑，也是新贝斯手Nick O’Malley加入后的首张专辑，James Ford与Mike Crossey联合制作，首周英国销量超22.7万张空降榜首，获2008年全英音乐奖最佳英国专辑，提名水星奖。 音乐风格 • 核心基底：延续独立摇滚/后朋克复兴/车库摇滚，节奏更紧凑、编曲更激进，较首张更具实验野心。 • 亮点突破：融入冲浪吉他（《Brianstorm》）、ska节奏、实验性鼓点（《Balaclava》），加入环境音效与更复杂的鼓组编排，整体更硬朗、更具张力。 • 演奏升级：乐队演奏技术显著进步，合奏更紧实，如《If You Were There, Beware》的节奏变化与《505》的莫里康内式管风琴氛围，为后续转型铺垫。 情感表达 • 核心基调：以“最爱的糟糕噩梦”为隐喻，聚焦成名后的混乱、欲望与关系的矛盾，在犀利观察中注入更多疲惫与偏执，情感更立体。 • 叙事升级：Alex Turner的歌词更成熟，从谢菲尔德街头扩展到巡演见闻与更复杂的人际图景，如《Teddy Picker》讽刺选秀文化，《Fluorescent Adolescent》怀旧青春逝去，《Only Ones Who Know》演绎爱情的幻灭。 • 情感层次：快歌（《Brianstorm》《D Is for Dangerous》）节奏猛烈、情绪焦躁；慢歌（《Only Ones Who Know》《505》）则显脆弱与思念，收尾曲《505》以公路思乡之情与情感爆发，成为乐队经典。 经典曲目与影响 • 代表单曲：《Brianstorm》《Fluorescent Adolescent》《Teddy Picker》《505》。 • 地位意义：成功规避“ sophomore slump（ sophomore jinx）”，巩固乐队英伦摇滚标杆地位，为后续《Humbug》等转型奠定基础，被NME评为2007年第二佳专辑。 Arctic Monkeys（北极猴子） 2002年成立于英国谢菲尔德，核心阵容为Alex Turner（主唱/吉他）、Jamie Cook（吉他）、Matt Helders（鼓手/和声）、Nick O'Malley（贝斯，2006年加入），是21世纪英伦独立摇滚的标杆乐队，凭互联网传播崛起，风格持续进化。 音乐风格 • 早期（2006-2007）：以独立摇滚/后朋克复兴/车库摇滚为基底，快节奏吉他Riff、利落鼓点，代表作《I Bet You Look Good on the Dancefloor》《When the Sun Goes Down》，首张专辑《Whatever People Say I Am, That's What I'm Not》创英国首周销量纪录。 • 转型期（2009-2013）：《Humbug》融入迷幻摇滚；《AM》（2013）是商业巅峰，融合迷幻/布鲁斯/嘻哈节奏，标志性延迟吉他与低沉和声，《Do I Wanna Know?》《R U Mine?》传唱度极高。 • 成熟期（2018-2022）：《Tranquility Base Hotel & Casino》转向艺术摇滚/太空摇滚/ lounge pop，钢琴主导、合成器铺陈；《The Car》加入管弦乐与电影质感，探索巴洛克流行/放克等，风格更精致多元。 情感表达 • 早期直白锐利：Alex Turner以约克郡口音，用幽默犀利的歌词描绘英国青年夜生活、阶层与爱情，充满市井烟火与青春躁动，如《A Certain Romance》《Fluorescent Adolescent》。 • 中期内敛迷幻：《AM》聚焦都市夜晚的孤独与暧昧，情感克制又浓烈，旋律抓耳，情绪在节奏与吉他Riff中暗流涌动。 • 后期抽象诗意：近年作品歌词转向超现实叙事，以科幻、怀旧意象包裹孤独与疏离，情感表达更细腻，如《Tranquility Base Hotel & Casino》的宇宙浪漫与虚无，《The Car》的电影感叙事。 荣誉与影响 获7座全英音乐奖、1座水星奖，多次格莱美提名，两次压轴格拉斯顿伯里音乐节，影响全球独立摇滚乐队，是21世纪英国摇滚文化的重要符号。

风格：后金属/后核/管弦乐/古典交响/另类摇滚/流行摇滚/电子摇滚 情感：痛苦与内心挣扎/愤怒与社会反抗/救赎与希望/脆弱与治愈/公益的温情与共情 TRACK LIST * 00:00Overture (Live at the Royal Albert Hall) * 02:44Doomed (Live at the Royal Albert Hall) * 07:24Happy Song (Live at the Royal Albert Hall) * 12:07Go to Hell, for Heaven's Sake (Live at the Royal Albert Hall) * 17:16Avalanche (Live at the Royal Albert Hall) * 22:45It Never Ends (Live at the Royal Albert Hall) * 28:53Sleepwalking (Live at the Royal Albert Hall) * 33:50Empire (Live at the Royal Albert Hall) * 38:04Throne (Live at the Royal Albert Hall) * 42:07Shadow Moses (Live at the Royal Albert Hall) * 47:17True Friends (Live at the Royal Albert Hall) * 53:31Follow You (Live at the Royal Albert Hall) * 57:25Can You Feel My Heart (Live at the Royal Albert Hall) * 1:03:25Antivist (Live at the Royal Albert Hall) * 1:07:57Drown (Live at the Royal Albert Hall) * 1:15:06Oh No (Live at the Royal Albert Hall) Bring Me the Horizon《Live at the Royal Albert Hall》专辑介绍 这是BMTH的第二张现场专辑/影音专辑，2016年4月22日在伦敦皇家阿尔伯特音乐厅录制，同年12月2日经众筹平台PledgeMusic发行，所有收益捐赠给Teenage Cancer Trust，是乐队与Parallax Orchestra（Simon Dobson指挥） 的跨界合作，将重型摇滚与管弦乐/合唱团融合，呈现乐队风格转型期的里程碑现场。 核心信息 • 录制时间：2016年4月22日（Teenage Cancer Trust慈善演出） • 发行时间：2016年12月2日 • 合作阵容：Parallax Orchestra（Simon Dobson指挥）+ 合唱团 • 发行介质：双CD、三LP黑胶、双DVD、蓝光、数字下载 • 时长：83分33秒 风格与现场亮点 1. 风格融合：重型riff、电子合成器与管弦乐/合唱交织，将《Sempiternal》《That's the Spirit》的曲目重构，如《Throne》《Shadow Moses》的交响化演绎，氛围层次更丰富，情感张力更强。 2. 曲目亮点：含《Avalanche》《Oh No》的现场首演，《It Never Ends》《Empire》自2014年后首次回归，《Drown》作为安可曲收尾，经典曲目焕发新生命力。 3. 舞台意义：乐队首次与完整管弦乐队合作，在皇家阿尔伯特音乐厅实现重型摇滚与古典场景的碰撞，被媒体称为“成年礼”式演出，巩固其跨界创新的乐坛地位。 内容与收藏价值 1. 曲目清单（精选）：Overture→Doomed→Happy Song→Go to Hell, for Heaven's Sake→Avalanche→It Never Ends→Sleepwalking→Empire→Throne→Shadow Moses→True Friends→Follow You→Can You Feel My Heart→Antivist→Oh No→Drown。 2. 慈善属性：专辑所有收益捐赠给Teenage Cancer Trust，兼具艺术价值与公益意义。 3. 收藏价值：限量三LP黑胶、蓝光高清影像等版本，是乐队视觉与听觉融合的重要藏品，适合BMTH粉丝与摇滚现场收藏者。 成就与影响 • 发行后获摇滚媒体与乐迷好评，豆瓣评分9.7，成为乐队现场专辑代表作。 • 推动摇滚与古典跨界的演出趋势，为乐队后续“Post Human”系列的概念化创作铺垫，强化其“突破流派边界”的艺术标签。 Bring Me the Horizon（BMTH）乐队介绍 Bring Me the Horizon（简称BMTH）是一支2004年成立于英国谢菲尔德的摇滚乐队，风格横跨金属核、后核、另类摇滚、电子摇滚等，是当代摇滚乐坛风格转型与创新的代表之一。 核心信息 • 成立时间：2004年 • 发源地：英国南约克郡谢菲尔德 • 现任成员：奥利·赛克斯（Oli Sykes，主唱）、李·马洛尼（Lee Malia，吉他手）、马特·尼克森（Matt Nicholls，鼓手）、乔丹·菲斯克（Jordan Fish，键盘/合成器/伴唱）、马库斯·希普斯（Matt Kean，贝斯手） • 音乐风格演变：从早期的死核/金属核（首张EP《This Is What the Edge of Your Seat Was Made For》），逐步融合电子、流行、另类摇滚元素，形成“后人类（Post Human）”的实验性风格，代表作《Sempiternal》《That's the Spirit》《Post Human: Survival Horror》。 风格与创作特点 1. 风格跨界：乐队打破摇滚流派边界，将金属核的重型riff、电子乐的合成器音效、流行乐的旋律性结合，后期作品还融入氛围音乐、说唱等元素，如《Teardrops》《Parasite Eve》兼具重型节奏与电子氛围感。 2. 主题表达：歌词聚焦心理困境、社会议题、人性反思，早期偏向暗黑、暴力的叙事，后期转向“后人类”概念，探讨科技、环境、自我认知等深层话题，与你关注的后摇、独立摇滚的情感表达与主题深度形成呼应。 3. 舞台与视觉：乐队重视视觉与音乐的结合，海报、MV、现场舞台设计常融入赛博朋克、暗黑美学、科幻元素（如与《攻壳机动队》的跨界海报），视觉风格与音乐风格同步进化，成为独立音乐视觉设计的典型案例。 代表作品与成就 1. 经典专辑： ◦ 《Sempiternal》（2013）：乐队风格转型的标志性作品，入围英国水星音乐奖，主打歌《Shadow Moses》成为金属核经典。 ◦ 《That's the Spirit》（2015）：融入更多流行与电子元素，登顶英国专辑榜。 ◦ 《Post Human: Survival Horror》（2020）：“Post Human”系列开篇，探讨疫情、社会危机，合作艺人包括Yungblud、Babymetal。 2. 奖项荣誉：多次斩获Kerrang!奖、重金属音乐奖，入围全英音乐奖，是英国摇滚乐坛商业与口碑双丰收的代表乐队。

风格：经典轻摇滚/软摇滚/新浪潮/迪斯科流行/民谣摇滚/华丽摇滚/艺术流行/弦乐流行/独立摇滚底色/放克/迪斯科点缀 情感：与自我和解的释然/挣脱束缚的自信绽放/女性情谊的温暖支撑/成长阵痛与创作内省/复古叙事的轻盈与洒脱/平静中的力量 TRACK LIST * 00:00Thorns * 03:14Bloom Baby Bloom * 07:01Just Two Girls * 10:51Leaning Against The Wall * 15:03Passenger Seat * 17:56Play It Out * 22:07Bread Butter Tea Sugar * 25:35Safe in the World * 29:07Midnight Song * 31:58White Horses * 36:28The Sofa Wolf Alice《The Clearing》核心信息 • 发行信息：2025年8月22日，通过Columbia/RCA发行（乐队首张主流大厂专辑），制作人Greg Kurstin（Adele、Paul McCartney合作）。 • 核心主题：专辑标题“The Clearing”即“澄澈之地”，聚焦与自我和解、接纳当下、告别20代的迷茫与不安，在不确定性中找到内心的清晰与笃定。 • 风格转向：褪去早期另类摇滚噪点与盯鞋光晕，转向70年代经典轻摇滚/软摇滚，以模拟质感与电台友好旋律为底色，融合民谣、迪斯科、弦乐流行等，主唱Ellie Rowsell人声被前置，更直白通透。 • 关键曲目： ◦ Bloom Baby Bloom：首单，Blondie式新浪潮，戏剧化编排，复古又新潮。 ◦ White Horses：鼓手Joel Amey献声，旋律抓耳，风格多变。 ◦ Bread Butter Tea Sugar：弦乐驱动，ELO/Beach Boys式层叠推进，70年代黄金摇滚质感。 ◦ Just Two Girls：聚焦曲，Disco-flecked流行，情感直白。 ◦ The Sofa：舒缓收尾，歌词与旋律耐听，氛围感拉满。 • 制作亮点：在LA录制，以“少即是多”为原则，用简洁编曲凸显人声与旋律，吉他轻快扫弦+复杂指弹，鼓组有经典律动，弦乐与合成器增添层次。 • 评价与定位：Metacritic75/100（普遍好评），Hotpress8/10，被视为乐队最精炼、自信的作品，标志其进入更成熟的创作阶段。 Wolf Alice是一支来自英国北伦敦的另类摇滚乐队。以下是关于他们的介绍： 乐队成员 • Ellie Rowsell：主唱，吉他，键盘，合成器，钢琴。 • Joff Oddie：吉他，小提琴，合成器，伴唱。 • Theo Ellis：贝斯，合成器，伴唱。 • Joel Amey：鼓手。 乐队发展历程 • 2010年，Ellie Rowsell和Joff Oddie成立了Wolf Alice，乐队名来源于Angela Carter的一篇短篇小说。同年，他们自发行了名为《Wolf Alice》的EP。 • 2012年，鼓手Joel Amey和贝斯手Theo Ellis加入乐队。 • 2013年2月，乐队在Chess Club厂牌下发行第一张实体单曲《Fluffy》。 • 2014年，签约Dirty Hit Records，5月发行第二张EP《Creature Songs》，12月获得UK Festival Awards的最佳突破艺人奖。 • 2015年6月22日，发行首张录音室专辑《My Love Is Cool》。 音乐风格 其音乐风格融合了另类摇滚、独立摇滚、梦幻流行、盯鞋、垃圾摇滚和民谣等多种元素，呈现出狂野与精致混杂的独特风格。 主要音乐作品 • 录音室专辑：有《My Love Is Cool》（2015年）、《Visions Of A Life》（2017年）、《Blue Weekend》（2021年）、《The Clearing》（2025年）等。 • EP：《Wolf Alice》（2010年）、《Blush》（2013年）、《Creature Songs》（2014年）等。 乐队成就 2017年，凭借第二张录音室专辑《Visions Of A Life》获得英国水星奖。2021年，发行的第三张专辑《Blue Weekend》为他们赢得了一座全英音乐奖。

风格：自赏/后摇滚/梦幻流行/盯鞋 情感：青春迷茫/孤独自省/自我厌恶/微弱希望 TRACK LIST * 00:00아름다운 세상 (Beautiful World) * 05:20변명 (Excuse) * 11:12아날로그 센티멘탈리즘 (Analog Sentimentalism) * 15:36흰천장 (White Ceiling) * 25:36To See the Next Part of the Dream * 30:43격변의 시대 (Age of Fluctuation) * 40:04청춘반란 (Youth Rebellion) * 47:04엑스트라 일대기 (Extra Story) * 50:03Chicken * 56:03I Can Feel My Heart Touching You 《To See the Next Part of the Dream》是韩国单人音乐人Parannoul的第二张录音室专辑，2021-02-23独立发行，后由Longinus Recordings与Poclanos再版，以卧室低保真+自赏摇滚+后摇叙事的融合风格，成为当年独立乐界的现象级作品。 专辑概览 • 发行与制作：2021-02-23上线，10首歌约61分钟；卧室自制，用旧电脑与手机完成，乐器多为虚拟音源，音量常达削波，刻意保留低保真的粗糙质感。 • 封面与意象：引用电影《关于莉莉周的一切》的烟囱画面，象征青春的压抑与憧憬，贯穿全专对成长阵痛的描摹。 • 口碑：获Pitchfork、RateYourMusic等高分，入选多家媒体“2021最佳专辑”，以匿名与非演出的姿态，在全球Z世代中收获狂热拥趸。 风格与制作亮点 1. 音墙驱动的沉浸感：厚重吉他失真堆叠出包裹式音墙，人声模糊化处理，低保真的“毛边感”与情绪的粗粝直接呼应，形成强烈的听觉冲击。 2. 后摇式结构叙事：无固定主副歌，以渐进式编排推进——从细碎旋律到音浪爆发，如《White Ceiling》《Age of Fluctuation》，用器乐张力承载情绪弧光。 3. 情绪化动态：“压抑-爆发-回落”的起伏明显，噪音与旋律的对抗暗合内心挣扎；合成器与电子节拍点缀，添日式梦泡质感，更显细腻。 情感与歌词核心 • 创作背景：歌词写于他自称“人生最黑暗的时期”，聚焦抑郁、自我否定与高考失利的挫败感，音乐成为与失败告别的出口。 • 核心情绪：围绕青春迷茫、孤独内省、自我厌恶与微弱希望展开，以韩语书写普通人的日常痛感——深夜焦虑、时光追念、自我拉扯，在压抑中捕捉片刻微光。 • 文化参照：融入2000年代日系ACG与影视符号（如《莉莉周》《EVA》《NHK》），强化“困在青春里”的集体共鸣。 关键曲目速览 • Beautiful World：开场即铺厚重音墙，人声在音浪中沉浮，歌词写“世界很美却与我无关”，奠定全专的孤独基调。 • White Ceiling（10分钟）：后摇式长曲，从细碎吉他到音墙爆发，像深夜独处时的情绪决堤，为专辑的情绪高潮。 • To See the Next Part of the Dream：同名曲以模糊人声与迷幻合成器，勾勒对未来的不确定与“想看到梦的下一章”的执念。 • I Can Feel My Heart Touching You：结尾回归温柔，旋律舒缓，以“心与你触碰”的意象，完成与自我、他人的温柔和解。 独特价值 以极致DIY与匿名性打破传统音乐工业逻辑，证明“卧室制作”也能做出世界级的情感共振；其“失败叙事”与Z世代的情绪痛点高度契合，成为独立音乐圈的“非典型偶像”。 파란노을（Parannoul）并非传统意义上的乐队，而是韩国独立音乐人정재원（Jung Jae-won）的单人音乐项目，活跃于独立摇滚、自赏摇滚（Shoegaze）与低保真（Lo-fi）领域，因极具沉浸感的音乐质感和细腻的情感表达，在全球独立音乐圈收获大量拥趸。 核心音乐风格 1. 自赏摇滚+低保真基底：音乐以厚重的吉他音墙、模糊的人声和低保真的录音质感为核心，吉他失真效果层层堆叠，营造出包裹感极强的听觉氛围，同时融入独立摇滚的旋律性，弱化激烈的节奏冲突，更偏向情绪的缓慢铺陈。 2. 后摇式的叙事感：部分作品借鉴后摇的结构特点，没有固定的“主副歌”框架，而是通过乐器编排的渐进式推进，从细碎的吉他旋律逐步过渡到磅礴的音浪爆发，像一部无声的电影，自带叙事张力。 3. 梦幻流行元素点缀：偶尔会加入轻柔的合成器音色和舒缓的人声旋律，弱化自赏摇滚的“噪音感”，增添几分梦幻与朦胧的色彩，让整体风格更具层次感。 表达的情感 Parannoul的音乐始终围绕青春的迷茫、孤独的内省与对生活的温柔和解展开。他的歌词多以韩语书写，聚焦于普通人的日常情绪——如深夜独处时的焦虑、对过往时光的怀念、与自我的拉扯，以及在压抑生活中寻得的片刻光亮。 音乐里的“噪音”与“旋律”的对抗，恰如其表达的核心矛盾：个体在喧嚣世界中的渺小与挣扎，以及在挣扎中不肯熄灭的微弱希望。这种情绪没有强烈的控诉感，反而带着一种“自我消化”的温柔，容易让听众产生强烈的共鸣。 代表作品与专辑 1. 《To See the Next Part of the Dream》（2021）：这是Parannoul的成名作，也是其最具代表性的专辑。整张专辑以青春的迷茫和对未来的彷徨为主题，其中《Beautiful World》《White Ceiling》等曲目，凭借厚重的吉他音墙和细腻的情绪，成为独立音乐圈的热门作品。 2. 《After the Magic》（2023）：风格相对更明亮，减少了部分低保真的粗糙感，加入更多钢琴、弦乐元素，情感上从“迷茫”转向“和解”，传递出“在经历黑暗后，依然愿意相信美好”的内核。 独特之处 作为单人项目，Parannoul的创作完全依赖个人灵感，作品带有强烈的私密性和自传性，仿佛是他的私人日记公开版。同时，他很少公开露面，也不举办线下演出，这种“神秘性”让听众更专注于音乐本身的情感传递，也让他的作品更具纯粹的独立音乐气质。

by Cory Wong/Metropole Orkest/Jules Buckley 风格：Jazz-Funk/交响乐/融合爵士/放克/Soul/流行/摇滚 情感：自信昂扬的活力感/俏皮灵动的探索欲/温柔沉静的日常诗意/宏大开阔的自由感 TRACK LIST * 00:00Starship Syncopation * 03:50King Bozzi (feat. Sam Greenfield) * 08:27The Sorcerer * 12:41305 (feat. Electric Kif & Chris Potter) * 18:55Burning * 22:14Sell By Date * 26:49Midwest Conquest * 31:47Chateau * 35:44Utopia (feat. Marti Fischer) * 39:27Quotidian Fields 《Starship Syncopation》是Cory Wong与荷兰Metropole Orkest、指挥Jules Buckley合作的2024年器乐专辑，于2024-07-26由Roundwound Media发行，全长约44分钟，共10首曲目。核心是将他标志性的Jazz-Funk律动与交响管弦乐深度融合，打造“律动与史诗感共存”的听觉体验。 基本信息 • 发行：2024-07-26（数字），黑胶版2024-11-08 • 制作：Minneapolis录制节奏组，后与Metropole Orkest管弦编曲融合 • 合作阵容：Sam Greenfield、Chris Potter、Electric Kif、Marti Fischer等 音乐风格 • 核心：Jazz-Funk，标志性切分扫弦+清亮Strat音色贯穿 • 融合：交响放克/灵歌/融合爵士，管弦乐（弦乐、铜管）扩展层次，既有节奏冲击也有电影感氛围 • 点缀：摇滚能量（如《Burning》《Starship Syncopation》）、热带律动、五声音阶旋律（如《Utopia》） 情感表达 • 高能量喜悦：《Starship Syncopation》《King Bozzi》《Midwest Conquest》用16分音符扫弦与管乐呼应，传递活力与自信 • 神秘与灵动：《The Sorcerer》以紧凑节奏+管乐色彩，营造俏皮又抓马的叙事感 • 深情与宏大：《Quotidian Fields》《Chateau》用弦乐铺陈，温柔克制，呼应“日常中的诗意” • 自由与探索：《305》《Utopia》的即兴与旋律，传递对未知的好奇与创造的愉悦 关键曲目亮点 1. Starship Syncopation：专辑同名曲，吉他与管乐互答，开场即定“律动交响”基调 2. 305（feat. Electric Kif & Chris Potter）：6分钟融合爵士，萨克斯即兴+节奏组驱动，层次丰富 3. Midwest Conquest：标志性右手16分扫弦，管弦乐强化力量感，致敬中西部根源 4. Quotidian Fields：弦乐主导，氛围舒缓，收尾回归“日常之美”的温柔 核心价值 这张专辑是Cory Wong的一次突破：他没有让管弦乐沦为点缀，而是让律动与交响平等对话，既满足Funk爱好者，也为器乐音乐带来更宏大的表达空间，证明“复杂编曲与跳舞节奏可以兼得”。 Cory Wong（1985-03-08）是美国华裔吉他手、词曲作者、制作人，活跃于明尼阿波利斯，以** funk 律动+爵士精准+流行感染力**的风格著称，也是Vulfpeck与The Fearless Flyers核心成员，格莱美提名音乐人。 一、核心身份与风格 • 身份：吉他手、制作/编曲、巡演乐手、播客/综艺创作者（如《Cory and the Wongnotes》）。 • 核心风格：Jazz-Funk为主轴，融合R&B、Pop、Soul、Rock，标志性是极具律动感的吉他扫弦与切分，音色清亮、节奏扎实。 • 技术特点：右手精准的percussive picking，左手流畅旋律线，擅长用节奏推动情绪，现场充满活力与互动感。 二、关键经历与作品 • 早年：纽约出生、明州长大，9岁学钢琴，后转学吉他/贝斯，就读McNally Smith音乐学院，20岁起职业音乐生涯。 • 乐队合作：Vulfpeck（2010年代中期起）、The Fearless Flyers（超级乐队），合作Dave Koz、Jon Batiste、Chromeo、Victor Wooten等。 • 重要专辑 ◦ 2017《Cory Wong and The Green Screen Band》（首张） ◦ 2018《The Optimist》（Billboard爵士榜Top 20） ◦ 2020《Meditations》（与Jon Batiste，获格莱美提名） ◦ 2022《Power Station》（80年代funk-pop向） • 荣誉：格莱美提名、Billboard榜单成绩，跨界影视配乐与综艺创作。 三、标志性与影响 • 标志性：Fender签名款Stratocaster，音色明亮通透，适配他的节奏与旋律需求。 • 影响：重塑现代jazz-funk吉他语言，推动器乐流行化，以轻松幽默的内容与教学，让更多人爱上律动与合奏。 四、情感与表达 音乐传递积极、温暖、充满活力的情绪，用精准节奏与明亮旋律传递“快乐可通过演奏与联结创造”的信念，现场常是集体律动的狂欢。