风格：Dream Pop/Shoegaze/Indie Electronic/Synth Pop/Post-rock/Alternative/Art Rock/City Pop/Neo-Psychedelia 情感：封存：为过去四年画上“温柔的句号”/ 余韵：让“遗憾”成为回声/暗夜微光：把“失眠”写成摇篮曲/时间错位：在“如果”里短暂停留 TRACK LIST * 00:00Sidearm Memory (侧投记忆) * 03:50sigh of relief * 07:11Brutalist (野兽派) * 10:05Quantum Dawn * 13:03Day Tripper (Beyond) * 17:23Arrows (Beyond) * 21:48Ignorant (Beyond) * 25:37Fibril She Her Her Hers 的新专辑《Fibril》是一张概念专辑（Concept Album），于2025年9月24日数字发行，CD实体版将于2025年10月8日发售，售价2,500日元（含税）[1][2]。 ---- 📀 专辑信息概览 • 专辑名称：Fibril • 发行时间： • 数字版：2025年9月24日 • CD版：2025年10月8日（编号：CNDT-0004） • 类型：概念专辑 • 风格：延续乐队标志性的 Dream Pop / Shoegaze / 独立电子融合风格，但更具实验性与叙事性[2]。 ---- 🎧 曲目列表 1. Sidearm Memory 2. sigh of relief 3. Brutalist 4. Quantum Dawn 5. Day Tripper (Beyond) 6. Arrows (Beyond) 7. Ignorant (Beyond) 8. Fibril 注：第5至第7首为“Beyond”系列，可能构成概念专辑中的叙事支线[1][2]。 ---- 🎛️ 制作与创作 • 作曲：全部曲目由主唱高桥启泰（Hiroyasu Takahashi）创作 • 作词： • Tomasong（第1、4首） • 松浦大树（第2、3首） • 编曲与制作：She Her Her Hers 全员参与 • 鼓录音：Tsutomu Oya（DISCOMPACT） • 混音： • Makoto Hoshino（第1–4首） • 高桥启泰（第8首） • 高桥启泰重混（第5–7首） • 母带处理：Tsubasa Yamazaki（Flugel Mastering） • 特邀乐手： • 小提琴：Moemi Harada • 贝斯：Manami Otsuka（第2、4首）[2] ---- 🎨 视觉与设计 • 摄影：Kodai Kobayashi • 造型：Daisuke Deguchi • 模特：Ryo Miyata • 设计：Noriko Moriya[2] ---- 🌐 发行与购买 • 数字平台：Spotify、Apple Music、YouTube Music、Deezer 等已上线[3] • 实体CD：可在 CDJapan、Juno Records、Rakuten、Amazon Japan 等平台预购[4][5] ---- 🔍 初步评价 虽然目前尚无主流媒体评分，但专辑在 Rate Your Music 和 Album of the Year 上已收录条目，等待用户评分与评论[6][7]。 ---- ✨ 总结 《Fibril》是 She Her Her Hers 在2025年推出的概念性全创作专辑，在保持梦幻音色与空间感的同时，尝试通过“Beyond”系列曲目构建叙事结构。无论是老粉丝还是新听众，都能从中感受到他们在音乐表达上的细腻进化与实验野心。 She Her Her Hers 是一支来自日本的独立摇滚乐队，成立于2011年，目前由主唱兼吉他手高桥启泰（Hiroyasu Takahashi）、鼓手**松浦大树（Taiki Matsuura）和键盘/合成器手とまそん（Tomasong）**组成。 音乐风格 乐队的音乐风格融合了独立摇滚（Indie Rock）、梦幻流行（Dream Pop）、**迷幻摇滚（Psychedelic Rock）和自赏（Shoegaze）**等元素。他们的作品以细腻的旋律、氛围感强烈的编曲和富有画面感的音色著称，常被称为“有画面感的音乐”。 发展历程 • 2011年：乐队正式成立，最初成员包括高桥启泰、坂本夏树和Tomasong。 • 2013年：发行首张专辑《Rollercoaster》，获得一定关注。 • 2014年：发行第二张专辑《stereochrome》，进一步确立其音乐风格。 • 2015年：坂本夏树退出，松浦大树正式加入，乐队形成稳定的三人阵容。 • 2018年：发行专辑《SPIRAL》，风格明显转向更电子化、梦幻的Dream Pop方向。 • 2019年：签约中国厂牌倦鸟唱片（Weary Bird Records），首次在中国展开七城巡演，正式打开亚洲市场。 • 2023年：发行专辑《Diffusion of Responsibility》，并展开大规模亚洲巡演，覆盖16个城市，17场演出。 • 2024年：发行最新专辑《Pathway》，并在东京标志性的LIQUIDROOM举办专场演出，标志着乐队进入新的创作阶段。 中国发展 She Her Her Hers 在中国拥有大量忠实粉丝。他们的歌曲如《Episode 33》在中国流媒体平台上评论数超过六万条，多首歌曲评论数达999+。2023年上海巡演开票当天即售罄，2024年西湖音乐节演出也大获成功。 乐队理念 乐队成员表示，他们的创作理念是**“做自己想做的音乐，总会有人喜欢”**。他们强调成员之间的尊重与个性互补，认为正是这种差异让乐队更具创造力。 ---- 总的来说，She Her Her Hers 是一支不断进化、风格多元、极具国际视野的日本独立乐队。他们不仅在日本本土拥有稳定粉丝群，也在中国等亚洲国家赢得了广泛认可。

风格：合成器流行/硬摇滚/舞台金属/福音与灵魂乐/Funk/R&B/软摇滚/乡村音乐/工业噪音或迷幻实验 情感：狂欢式对抗/占有与嫉妒/羞耻与自我厌恶/孤独的自省/殉道式救赎/巨星自恋与舞台高潮/终极宽恕与集体疗愈隐藏的“末日焦虑” TRACK LIST * 00:00Let's Go Crazy * 04:39Take Me with U * 08:33The Beautiful Ones * 13:47Computer Blue * 17:46Darling Nikki * 22:01When Doves Cry * 27:55I Would Die 4 U * 30:45Baby I'm a Star * 35:09Purple Rain 《Purple Rain》是 Prince & The Revolution 于1984年6月25日发行的第六张录音室专辑，也是同名片《紫雨》的原声大碟。它被公认为80年代流行音乐的分水岭，把"明尼阿波利斯之声"推上主流舞台，全球销量逾4200万张，位列史上最畅销专辑之一。 1. 制作背景 • 一半录音室、一半现场：结尾三连曲〈I Would Die 4 U〉〈Baby I'm a Star〉〈Purple Rain〉直接取自1983-08-03明尼阿波利斯First Avenue慈善演出，19岁吉他手Wendy Melvoin首次登台，成为The Revolution正式阵容的里程碑。 • 无贝斯实验：主打单曲〈When Doves Cry〉后期Prince把贝斯轨道全部删除，仅靠鼓机+吉他+合成器完成，这种"缺低频"做法后来成为流行制作教科书案例。 • 多城接力：洛杉矶Sunset Sound、家乡地下室、演出现场三地录音，再用移动设备回炉混音，保证"现场能量"与"合成器光泽"并存。 2. 曲目与风格概览 曲序 关键元素 情绪关键词 Let's Go Crazy 管风琴布道+硬摇滚速弹 狂欢、对抗死亡 Take Me With U 铃鼓+弦乐，男女对唱 逃离、公路浪漫 The Beautiful Ones 合成器摇篮+假声尖叫 占有欲、情感崩溃 Computer Blue 工业鼓机+talk-box吉他 科技冷漠、性别困惑 Darling Nikki 无贝斯+情色叙事 欲望、羞耻 When Doves Cry 缺低频+鸽哨合成器 孤独、自省 I Would Die 4 U 118 BPM合成器福音 宗教式爱恋 Baby I'm a Star 现场欢呼+铜管疯克 自信、舞台光环 Purple Rain 8分42秒，民谣→弦乐→吉他solo 告别、宽恕、集体疗愈 音乐风格上，专辑把硬摇滚、合成器流行、福音、疯克、灵魂乐和新迷幻熔于一炉，被评论界称为"明尼阿波利斯之声"的定型模板：鼓机+真鼓双层节奏、降调吉他速弹、Oberheim合成器铺底，以及Prince在假声与怒吼间无缝切换的性别模糊唱腔。 3. 商业与奖项 • Billboard 200冠军24周；同名单曲在Hot 100最高第2，却在R&B榜连续夺冠，证明跨种族市场突破。 • 奥斯卡最佳原创歌曲、两项格莱美；美国唱片业协会钻石认证（1000万+）。 • 滚石"500大专辑"常年稳居前100；时代周刊"史上最伟大100张专辑"也在列。 4. 文化影响 • MTV时代第一个"电影+专辑+单曲"三冠王，为《颤栗》之后的音乐视觉化再立标杆。 • 紫色+蕾丝+摩托车符号成为性别流动与黑人摇滚偶像的视觉标签，影响延续到The Weeknd、Dua Lipa、Bruno Mars等当代复古潮流。 • 歌曲结构（布道开场、无贝斯编曲、现场尾奏）被大量模仿，直接催生80-90年代合成器摇滚与"arena ballad"模式。 一句话总结：《Purple Rain》不仅把Prince推上"流行乐国王"宝座，更用一场紫色风暴重新定义了摇滚、舞曲与福音的边界，让80年代的收音机同时响起教堂的圣洁与夜店的狂欢。 Prince（1958–2016）是20世纪最具影响力的多面音乐天才之一；The Revolution则是他在1983–1986年间的固定编制乐队，也是帮他完成商业与艺术双重巅峰的核心班底。下面按"时间线 + 音乐特征 + 文化意义"三幕式，带你快速了解这支"紫雨军团"。 1. 诞生：从"伴奏班子"到"具名乐队" • 1979–1982：Prince最早只是找乐手做巡演伴奏，乐队换血频繁，没有正式名称。 • 1982《1999》专辑背面第一次把"The Revolution"字样用镜像字体出现，但成员仍被定位为"雇佣乐手"。 • 1983年吉他手Dez Dickerson离队，Prince邀请Lisa Coleman的童年好友Wendy Melvoin接任吉他，以此为标志正式"命名"并固定阵容： • 吉他：Wendy Melvoin • 键盘：Lisa Coleman / Doctor Fink • 贝斯：Brown Mark • 鼓&鼓机：Bobby Z • 主唱&多乐器：Prince • 1985年扩编加入萨克斯手Eric Leeds，1986年巡演再加入小号和舞蹈组，人数一度冲到11人，为后来解散埋下伏笔。 2. 作品与声音：把黑人舞曲塞进白色吉他墙 The Revolution时期共留下3张正式专辑，全部进入80年代殿堂级名单： • 《Purple Rain》1984 • 全球1300万+；Billboard专辑榜24周冠军，连续同时占据No.1专辑+单曲+电影。 • 曲风：硬摇滚《Let's Go Crazy》、无贝斯电子 funk《When Doves Cry》、福音抒情《Purple Rain》、合成器圣咏《I Would Die 4 U》。 • 音色特点：大量Linn LM-1鼓机+Oberheim合成器，配合双键盘层叠与Wendy/Lisa的合唱，营造"紫色迷幻"质感。 • 《Around the World in a Day》1985 • 迷幻/世界音乐试水：西塔琴、手鼓、中东音阶；封面模仿1967 Beatles《Sgt. Pepper》的拼贴，显示Prince"反商业"的任性。 • 《Parade》1986 • 黑白电影《Under the Cherry Moon》原声；艺术摇滚+疯克+弦乐编排；诞生史上最精炼funk单曲之一《Kiss》。 3. 乐队贡献与文化符号 • 多性别·多种族：参照Sly & the Family Stone模式，台上同时出现白人女性吉他手、黑人男主唱、犹太鼓手，打破80年代种族/性别分界。 • 创作分工：Prince仍握最终主导权，但Wendy & Lisa的和声/吉他/键盘对《Purple Rain》《Parade》的旋律走向起关键作用；Doctor Fink负责大量合成器编程，Brown Mark与Bobby Z奠定"鼓机+真鼓"混合 groove。 • 视觉与舞台：紫色西装、蕾丝、高跟鞋、霓虹十字架——乐队服装统一紫基调，帮助把"紫雨"从歌曲升级成流行文化IP。 • 解散：1986年欧洲Parade巡演后，Prince因内部摩擦与"控制欲"突然解散The Revolution，只留下部分成员参与后续《Sign o' the Times》的零星录音。 一句话收束 The Revolution不是传统意义上的"伴奏乐队"，而是Prince用来证明"一个人可以演奏所有乐器，但一支伟大的乐队能放大灵魂"的实验体。他们在短短三年里把 funk、soul、rock、synth-pop、迷幻和世界音乐熔于一炉，用《Purple Rain》给80年代流行乐划定了一条新的紫色坐标。

风格：Grunge/Punk/Hardcore/旋律流行/Power-pop/经典重金属/arena rock/独立摇滚/Noise-pop/民谣暗流/金属弦滑音与噪音独奏 情感：愤怒的“我不管”/自我厌弃 + 冒充者综合征/甜蜜依赖与毒性依恋/羞耻与身体羞辱/冷嘲与犬儒/共情与幸存者内疚/空虚与情感解离/恶作剧式的快感 TRACK LIST * 00:00Smells Like Teen Spirit * 05:01In Bloom * 09:16Come As You Are * 12:55Breed * 15:59Lithium * 20:16Polly * 23:10Territorial Pissings * 25:33Drain You * 29:17Lounge Act * 31:54Stay Away * 35:26On A Plain * 38:43Something In The Way * 42:35Endless, Nameless 《Nevermind》是Nirvana在1991年9月24日发行的专辑，由DGC Records发行，制作人为Butch Vig。这张专辑标志着乐队从地下音乐界走向主流，成为90年代另类摇滚和垃圾摇滚（Grunge）运动的重要里程碑。 专辑背景： • 录制于1991年5月，在加利福尼亚州的Sound City Studios进行。 • 专辑的录制过程相对迅速，大约花费了两个月的时间。 • 专辑的混音工作在洛杉矶完成。 音乐风格： • 专辑融合了朋克摇滚的粗糙和旋律流行乐的流畅，创造出一种既具有攻击性又易于接受的音乐风格。 • 歌词主题涉及青少年焦虑、社会疏离、反叛和自我认同。 商业成功： • 《Nevermind》在全球取得了巨大的商业成功，销量超过3000万张，成为史上最畅销的专辑之一。 • 它在美国Billboard 200排行榜上取得了第一名，并在多个国家获得了白金或多白金认证。 文化影响： • 专辑的成功使Grunge音乐风格成为全球现象，对90年代的音乐和文化产生了深远影响。 • 《Smells Like Teen Spirit》的音乐视频在MTV上频繁播放，成为一代人的标志。 • 专辑的封面， featuring a baby swimming underwater reaching for a dollar bill on a fishhook，成为了标志性的图像。 评价： • 《Nevermind》被广泛认为是音乐史上最重要的专辑之一，对后来的摇滚乐队和音乐风格产生了深远的影响。 • 它在《滚石》杂志的“史上最伟大的500张专辑”列表中排名很高。 《Nevermind》不仅是Nirvana的突破性作品，也是90年代音乐和文化的一个转折点，它定义了一个时代的声音和情绪。 Nirvana（涅槃乐队）是一支具有深远影响力的美国摇滚乐队，成立于1987年，由主唱兼吉他手Kurt Cobain和贝斯手Krist Novoselic组建，鼓手Dave Grohl于1990年加入，形成了乐队最广为人知的阵容。他们的音乐融合了朋克的粗糙与旋律的优美，开创了90年代另类摇滚的主流化浪潮，被誉为“垃圾摇滚”（Grunge）的代表乐队之一。 核心成员： • Kurt Cobain（主唱/吉他手，1967-1994）：乐队的灵魂人物，以其独特的嗓音、扭曲的吉他和深刻的歌词著称。他的创作主题常围绕青少年焦虑、社会疏离与存在主义，成为一代青年的精神象征。 • Krist Novoselic（贝斯手）：乐队联合创始人，以低沉的贝斯线条和幽默的舞台风格著称，是Cobain最坚定的支持者之一。 • Dave Grohl（鼓手，1990年加入）：后加入的成员，以爆发力极强的鼓技闻名，后成为Foo Fighters乐队主唱。 经典作品： • 《Nevermind》（1991）：乐队的突破性专辑，全球销量超3000万张，其中单曲《Smells Like Teen Spirit》彻底改变了流行音乐格局，将Grunge推向主流。 • 《In Utero》（1993）：更黑暗、更原始的回归之作，展现了Cobain对名声的复杂情感，包含《Heart-Shaped Box》等经典曲目。 文化影响： Nirvana的音乐打破了80年代华丽金属的垄断，以真实、粗糙的音色和直白的歌词重新定义了摇滚乐。Cobain的自杀（1994年）使乐队传奇化，成为“27俱乐部”的象征人物。他们的音乐至今仍激励着无数乐队，被《滚石》杂志评为“史上最伟大艺术家”第30位。 遗产： 尽管仅活跃了7年，Nirvana的3张录音室专辑（《Bleach》《Nevermind》《In Utero》）和未发行作品（如《MTV Unplugged in New York》）持续影响后世。2023年，乐队成员与已故Cobain的“全息投影”重聚演出，再次证明了其跨越时代的文化力量。 涅槃乐队不仅是音乐的革命者，更是90年代青年文化的缩影，他们的愤怒与脆弱至今仍在回响。

风格：Dream Pop/Psychedelic Folk/Slowcore/Blues-Rock/Shoegaze/Noise-Pop 情感：孤独/失落与落空/疏离与旁观/微弱但顽强的渴望 TRACK LIST * 00:00Disappear * 04:04Flowers In December * 09:02Rhymes Of An Hour * 13:14Cry, Cry * 17:12Take Everything * 22:06Still Cold * 26:54All Your Sisters * 32:11I've Been Let Down * 35:29Rose Blood * 40:20Happy * 44:19Umbilical * 49:18Look On Down From The Bridge (动画《瑞克和莫蒂》第一季第6集ED) 《Among My Swan》是美国梦幻流行乐队 Mazzy Star 于1996年10月29日发行的第三张录音室专辑，由 Capitol Records 发行。 ---- 🎧 音乐风格与制作特点 与前作相比，《Among My Swan》减少了大量混响与回声效果，整体更偏向原声民谣与迷幻乡村的融合，呈现出一种更内敛、静谧、孤独的氛围。 • Hope Sandoval 的嗓音依旧空灵、慵懒，情绪更加沉静； • David Roback 的吉他则更偏向简洁、滑音与木吉他主导，营造出一种“白雪覆盖的荒原”般的冷寂美感。 ---- 🎶 曲目推荐（共12首） 曲名 时长 特点 Flowers in December 4:57 专辑最知名的单曲，口琴与木吉他交织，温柔而哀伤[^27^][^28^] Disappear 4:04 开篇曲，缓慢铺陈，设定整张专辑的孤寂基调 Cry, Cry 3:58 带有些许乡村摇滚的怨怼情绪，吉他节奏略为鲜明 Take Everything 4:53 情绪浓烈，歌词表达“被掏空”的失落感 All Your Sisters 5:16 被誉为“Into Dust”的精神续作，极简编制，极具穿透力 Look on Down from the Bridge 4:47 收尾曲，常被乐迷视为 Mazzy Star 最动人的“告别之歌”[^29^] ---- 📉 商业与评价反响 • 商业表现：美国销量约21.4万张，未再出现如《Fade Into You》那样的热门单曲。 • 英国表现：单曲《Flowers in December》登上 UK Singles Chart 第40位，为乐队在英国的最高排名。 • 评价： • 媒体评价两极，部分评论认为专辑“过于平淡”，缺乏突破性； • 然而乐迷与后辈音乐人（如 Beach House）却将其视为梦幻流行与独立民谣的巅峰之作，尤其推崇其“情绪统一性”与“夜晚独白感”。 ---- 🕯️ 一句话总结 《Among My Swan》是 Mazzy Star 最寂静、私密、自我封闭的一张专辑，像一封在雪夜写完却从未寄出的信，听完后你会觉得自己也站在那座桥上，望着什么，却什么都不说。 Mazzy Star 是一支美国独立/梦幻流行乐队，于1989年在洛杉矶成立，核心成员为主唱 Hope Sandoval 和吉他手/制作人 David Roback。 ---- 🎧 音乐风格 • Dream Pop（梦幻流行）：以空灵、朦胧的音效著称。 • Neo-Psychedelia（新迷幻） 与 Adult Alternative Pop/Rock：融合民谣、布鲁斯与迷幻摇滚，形成冷感、疏离又极具情绪张力的氛围。 • 标志性元素：Hope Sandoval 飘渺慵懒的嗓音 + David Roback 滑音吉他 + 极简鼓点与手摇铃，营造出“白雪森林缝隙透出的朦胧日光”般的听感。 ---- 📀 代表作品与专辑 • 《Fade Into You》（1993）：最知名的梦幻流行经典之一，被广泛用于影视与广告，被誉为“90年代最具代表性的情歌之一”。 • 专辑： • She Hangs Brightly（1990） • So Tonight That I Might See（1993） • Among My Swan（1996） • Seasons of Your Day（2013）——距上一张专辑17年后回归，仍保持梦幻质感。 ---- 🌙 乐队气质 • 低调神秘：极少接受采访，几乎不拍宣传照，Hope Sandoval 曾因舞台恐惧而拒绝演出，被称为“隐士乐队”。 • 审美理想主义：他们的音乐像“阴空下映在湖面的夜空”，冷冽、缓慢、令人神魂颠倒。 ---- 🪞 影响与评价 • 虽从未追求商业爆红，却被视为 90 年代 Dream Pop 的巅峰与模板，影响包括 Lana Del Rey、Beach House 等众多后辈。 • 乐评人形容：“如果 90 年代后朋克迷幻音乐还有声音，那一定是 Mazzy Star。” ---- 一句话总结： Mazzy Star 是夜色里的一束冷光，用极简的音符把“孤独”唱成了永恒。

风格：indie pop/Dream Pop/Post-punk/no wave/Trip-Hop/Downtempo/Alternative R&B/Minimal Electronic/Ambient 情感：暗恋的试探/距离的焦虑/错失的遗憾/执念的循环/克制的温柔 TRACK LIST * 00:00Intro (序曲) * 02:07VCR * 05:05Crystalised * 08:27Islands * 11:07Heart Skipped a Beat * 15:10Fantasy * 17:48Shelter * 22:18Basic Space * 25:26Infinity * 30:40Night Time * 34:17Stars The xx 的处女专辑《xx》是一张“深夜里的私密对话”，也是 2009 年独立音乐界最大的惊喜之一。以下从背景、声音、曲目与影响四个维度为你拆解这张“神专”： ---- 1. 录制背景：伦敦南的卧室感 • 乐队四人在伦敦西南的 Elliott 学校相遇（校友还有 Burial、Four Tet），签约本地厂牌 Young Turks。 • 专辑在伦敦西部一间改装过的车库录制，制作人 Rodaidh McDonald 刻意保留“房间回声”，把夜深人静、耳机漏音的私密感收进母带。 ---- 2. 声音设计：极简＋低频＋“耳语对唱” • 结构极简：鼓机往往只有 Kick＋Snare＋Hi-hat 三击，吉他多用单音 Delay，贝斯走长音 Sub-bass 线路。 • 空间极宽：Jamie xx 把鼓组做成 60-80 BPM 的“半速 Hip-Hop”律动，留出大量空白，让男女声像“贴耳对话”。 • 情感色温：男女双主唱 Romy 与 Oliver 全程近乎耳语，歌词只谈暗恋、试探、错位与克制，被乐迷戏称“禁欲系 R&B”。 ---- 3. 曲目亮点：11 首歌都是“心跳慢镜头” 01 Intro（2:08） 无歌词却成乐队最“爆款”——两轨吉他用三度音程互相 Delay，鼓机 66 BPM，MV 级氛围被各国综艺、广告、电视台反复征用 。 02 Crystalised 吉他与贝斯像“心跳对拍”，副歌突然降半调，把恋爱里的“较劲”写进和声进行。 04 Islands 循环句 “I am yours now” 重复 20+ 遍，象征“执念漩涡”；鼓组在尾奏才加 Hi-hat，极简到近乎催眠。 05 Heart Skipped a Beat 男女声左右声道轮流“打电话”，鼓机刻意漏掉第一拍，模拟心跳漏拍。 09 Infinity 3′13″ 处吉他 Feedback 突然拉宽，像是“情绪裂口”，常被当作现场大合唱收官。 11 Stars 全专辑最“暖”一曲，Romy 用假声把“天花板”打开，给冷色专辑留一点余温。 ---- 4. 发行与余波：奖项、销量、文化渗透 • 2009 年 8 月 17 日发行，首周英国专辑榜 No.3；年底获 Mercury Prize（英国水星音乐奖）。 • Metacritic 综评 87/100；NME 将其列为“2009 年度专辑”第二位，2013 年入选“NME 史上 500 大专辑”第 237 位 。 • 截至 2025 年，专辑全球销量破 150 万张，黑胶长期占据 Discogs 抢手榜；单曲 Intro 在 Spotify 累计播放超 10 亿次，成为“氛围音乐”代名词 。 ---- 一句话总结 《xx》把“少年暗恋时的小心翼翼”做成低频律动，用极简留白让情绪放大；它让全世界知道：克制，也可以比宣泄更动人。 The xx 是一支来自英国伦敦的独立音乐乐队，成立于2005年。乐队最初由四位成员组成，分别是主唱兼吉他手Romy Madley Croft、主唱兼贝斯手Oliver Sim、鼓及制作人Jamie Smith（艺名Jamie xx）以及键盘手Baria Qureshi。四位成员在Elliott学院相遇，该校以培养包括Hot Chip、Burial和Four Tet在内的音乐人著称。 乐队的音乐风格融合了独立流行、电子、后朋克、艺术摇滚和Trip Hop等元素，以极简主义、低调神秘和情感深沉著称。他们的首张专辑《xx》于2009年发布，获得了巨大成功，不仅赢得了2010年的英国水星音乐奖，还被《Rolling Stone》等权威音乐杂志高度评价。 专辑中的歌曲如《Intro》、《Crystalised》和《Heart Skipped a Beat》等，展现了乐队独特的音乐美学：简约的吉他旋律、深沉的贝斯线条以及男女双主唱的和谐共鸣，营造出一种都市氛围感，探讨爱情、失落和欲望等主题。 尽管乐队成员年纪轻轻，但他们的音乐却流露出超越年龄的成熟与智慧，深受年轻听众和评论界的喜爱。随着发展，The xx逐渐从四人编制缩减为三人，Baria Qureshi于2009年离队。 他们的代表作品和专辑包括： • 首张专辑《xx》（2009年） • 第二张专辑《Coexist》（2012年） • 第三张专辑《I See You》（2017年） 其中，《Intro》作为专辑《xx》的开场曲，因其极简而充满张力的旋律，被广泛运用于广告、影视和综艺节目中，成为乐队最具代表性的作品之一。 The xx的音乐不仅是听觉的享受，更是一种情感的共鸣，适合在静谧的夜晚或独处时聆听，感受那份深沉与克制的美感。

风格：流行摇滚/爵士/乡村与西部/民谣/巴洛克/室内乐/雷鬼/放克与灵魂乐/节奏蓝调/成人抒情/世界音乐/轻电子 情感：失而复得的“希望”/荒诞与黑色幽默/田园式的“温柔眷恋”/都市男人的自嘲与焦虑/宿命与宗教恐惧/存在主义的“无力感”/小人物的天真浪漫/叙事者的“俯瞰”与悲悯 TRACK LIST * 00:00If I Ever Lose My Faith In You * 04:30Love Is Stronger Than Justice (The Munificent Seven) * 09:41Fields Of Gold * 13:23Heavy Cloud No Rain * 17:11She's Too Good For Me * 19:41Seven Days * 24:20Saint Augustine In Hell * 29:38It's Probably Me * 34:47Everybody Laughed But You * 38:41Shape Of My Heart (电影《这个杀手不太冷》片尾曲) * 43:21Something The Boy Said * 48:50Epilogue (Nothing 'Bout Me) 《Ten Summoner's Tales》是 Sting 音乐生涯中最具标志性的专辑之一，它不仅巩固了他在单飞后的艺术地位，也展示了他音乐风格的成熟与多样性。以下是对这张专辑更深入的介绍： ---- 🎵 专辑背景与名称含义 • 发行时间：1993年3月8日 • 名称由来：《Ten Summoner's Tales》这个名字是对 Geoffrey Chaucer 的《坎特伯雷故事集》（The Canterbury Tales）的一种戏仿，其中“Summoner”是中世纪教会中的一种职位。而“Sting”这个艺名本身也与“Summoner”有某种文字游戏式的联系，体现了Sting对文学和语言的热爱。 ---- 🎼 音乐风格 这张专辑融合了流行、摇滚、爵士、古典和民谣等多种元素，展现出Sting对旋律、和声和节奏的精湛掌控。与上一张专辑《The Soul Cages》（主题较为沉重）相比，《Ten Summoner's Tales》更加轻松、幽默，甚至带有讽刺意味。 ---- 🎧 专辑曲目与亮点 1. Prologue (If I Ever Lose My Faith in You) • 开场曲，也是专辑的主打单曲之一。 • 歌词探讨了对宗教、政治和媒体的失望，但最终回归到人与人之间的信任。 • 获得格莱美奖，是Sting最著名的作品之一。 2. Love Is Stronger Than Justice (The Munificent Seven) • 一首带有西部片色彩的幽默歌曲，讲述七个兄弟与一个女人的故事。 • 音乐上融合了乡村和爵士元素。 3. Fields of Gold • 专辑中最温柔、最具代表性的抒情曲之一。 • 以英国乡村为背景，旋律优美，歌词浪漫，是Sting最受欢迎的情歌之一。 4. Heavy Cloud No Rain • 一首节奏感强烈的歌曲，歌词带有讽刺意味，表达对生活不如意的无奈。 5. She's Too Good for Me • 一首幽默、自嘲的歌曲，讲述一个男人对“高攀”的无奈。 6. Seven Days • 一首节奏轻快、旋律抓耳的歌曲，讲述一个男人等待爱情的故事。 • 吉他演奏由著名吉他手 Dominic Miller 担任，他后来成为Sting的长期合作伙伴。 7. Saint Augustine in Hell • 歌词灵感来自宗教与哲学的思辨，音乐上带有戏剧性和张力。 8. It's Probably Me（与Eric Clapton合作） • 虽不是专辑正式曲目，但常与这张专辑联系在一起。 • 是电影《Lethal Weapon 3》的主题曲，由Sting与Eric Clapton共同创作并演唱。 ---- 🏆 成就与影响 • 格莱美奖：1994年，Sting凭借这张专辑获得了最佳长篇音乐录影带奖（Ten Summoner's Tales 的MV）。 • 商业成功：专辑在全球销量超过1000万张，在英国和美国都进入了排行榜前列。 • 评论反响：被认为是Sting单飞后最具“听众友好”的专辑之一，旋律优美、制作精良、歌词深刻但不晦涩。 ---- 🎬 音乐录影带与视觉呈现 专辑的MV由著名导演 Andy Morahan 和 Sting本人共同执导，风格精致、电影感强，尤其在《If I Ever Lose My Faith in You》和《Fields of Gold》中，画面与音乐完美融合，增强了歌曲的情感表达。 ---- 📚 总结一句话 《Ten Summoner's Tales》是Sting用音乐讲的一组现代寓言，它既是他艺术成熟的标志，也是90年代流行音乐中最具文学性与旋律美感的作品之一。 如果你喜欢旋律优美、歌词深刻、风格多样的流行音乐，这张专辑绝对值得一听再听。 Sting，本名Gordon Matthew Thomas Sumner，1951年10月2日出生于英国英格兰诺森伯兰郡，是英国著名的歌手、音乐家、词曲创作人及演员。他以其深情的嗓音、哲思性的歌词和跨越多种音乐风格（摇滚、爵士、古典、世界音乐等）的作品闻名于世。 音乐生涯 1. The Police 时期（1977–1984） Sting最初是作为新浪潮/摇滚乐队The Police的主唱和贝斯手而成名。乐队成立于1977年，风格融合了摇滚、雷鬼和朋克元素，迅速在全球走红。经典歌曲包括： • Roxanne • Every Breath You Take • Message in a Bottle The Police 是1980年代最具影响力的乐队之一，获得了多项格莱美奖，并于2003年入选摇滚名人堂。 2. 单飞生涯（1985–至今） 1985年，Sting 开始个人发展，音乐风格更加多元化，融合了爵士、古典、世界音乐、电子等元素。他的首张个人专辑《The Dream of the Blue Turtles》获得巨大成功，标志着他从摇滚明星转型为成熟的创作型艺术家。 他的代表作品包括： • Englishman in New York • Shape of My Heart • Fields of Gold • Desert Rose 他多次获得格莱美奖、全英音乐奖等荣誉，并以其社会关怀、环保倡导和人道主义精神广受尊敬。 ---- 其他领域 除了音乐，Sting也涉足影视和舞台剧，参演过电影如《沙丘》（1984）和《锁、股票和两杆烟枪》（1998）。他还积极参与环保、人权等公益活动，是多个慈善组织的支持者。 ---- 总结 Sting 不仅是一位音乐巨星，更是一位文化符号。他用音乐探讨爱情、孤独、社会与信仰，作品具有深刻的文学性和哲学意味。他的影响力跨越了几代人，是当代最具影响力的音乐人之一。

风格：后古典/现代古典/环境音乐/电子乐/氛围电子/极简主义/世界音乐 情感：脆弱与不安/哀悼与失去/自我怀疑与身份撕裂/渴望庇护/温柔的抵抗 / 接受/和解不是胜利，而是停火 TRACK LIST * 00:00Loom (feat.Bonobo) * 03:46Woven Song * 06:57Spiral * 10:18Still / Sound * 14:31Back To The Sky (feat.JFDR) * 17:54Zero * 22:21New Grass * 26:23The Bottom Line (feat.Josin) * 30:26We Contain Multitudes * 33:44Undone 《some kind of peace》是冰岛作曲家 Ólafur Arnalds 于 2020 年 11 月 6 日发行的第七张个人专辑，由 Deutsche Grammophon 发行。这是他在疫情初期、于雷克雅未克港口工作室录制的“最私人的唱片”，主题围绕“活着意味着什么”“如何与脆弱共处”以及“在失控的世界里找到自己能控制的唯一东西——反应方式”。 1. 创作背景与整体概念 • 与早期先设“概念”再动笔不同，这次 Arnalds 把外部框架全部剥离，只保留“纯粹想表达的情绪”；他把真实生活片段（采样、环境声、朋友谈话）嵌进乐曲，让听众像透过毛玻璃一样窥见他的个人记忆。 • 贯穿全片的 mantra：“We can’t control anything that happens to us. All we can do is control how we react.” 专辑名由此而来——peace 不是“世界和平”，而是一种“与自身混乱短暂停火”的内在状态。 2. 音乐风格与音色手法 • “极简+近场”录音：钢琴刻意录得极轻，你能听到琴键吱呀、琴槌回弹，甚至琴凳的咯吱声；这种“瑕疵”被当成人性标记。 • 古典与电子的呼吸式交替：弦乐四重奏铺底，模块化合成器与颗粒采样（Stratus 钢琴系统）在背景形成“电子薄雾”，偶尔出现明显鼓机（如 Back to the Sky）打破静态。 • 客座声景：Amazonian 部族吟唱、印尼木屋雨声、雷克雅未克港口海鸥等环境采样被拉伸成纹理，让“家”与“旅途”两种空间感并存。 3. 曲目亮点（全专 10 首，40 分钟） 曲目 合作者 / 特色 情绪关键词 Loom feat. Bonobo；脉冲式合成器+钢琴涟漪 黎明微光 Woven Song Amazonian 女声圣咏；弦乐像“温暖的羊毛” 居家庇护 Spiral 120 年爱迪生滚筒录下的老钢琴；循环上升 时间漩涡 Still/Sound 水滴混响+长音弦；中段电子鼓点闪现 忧郁定格 Back to the Sky feat. JFDR；唯一“流行结构”的鼓机抒情曲 失恋缺口 Zero 全专最“电子”之一；合成器琶音模拟心跳 凌晨 4 点 New Grass 钢琴琶音与弦乐交错，像“春日草坪上的光斑” 回暖希望 The Bottom Line feat. JOSIN；女声吟唱+大提琴滑音 允许崩溃 We Contain Multitudes 标题取自 Walt Whitman；纯钢琴独白 自我和解 Undone 采样已故民谣歌手 Lhasa de Sela 访谈；弦乐渐暗 结束即开始 4. 反响与后续 • 发行当周即登顶 Billboard Classical Crossover 榜，获 2021 年冰岛音乐奖“最佳电子/氛围专辑”，并入围 2022 年格莱美最佳新世纪专辑短名单。 • 2022 年推出《some kind of peace — piano reworks》：邀请 Eydís Evensen、Alfa Mist、Lambert 等 10 位音乐人把原曲拆成独奏钢琴或室内乐版本，证明“同一首骨架可长出完全不同的心脏”。 5. 如何聆听 • 深夜独处：用耳机或近场音箱，把音量调到“比说话再低一点”，让机械噪音与环境融为一体。 • 配合视觉：官方 MV 采用冰岛地貌与舞者即兴，适合投影成背景；很多现代舞团也把它当作课堂即兴音乐。 • 情绪入口：若只想快速体验，可先听《Loom》+《Back to the Sky》+《New Grass》三连，再决定要不要进入整张“停火协议”。 一句话总结： 《some kind of peace》不是传统“治愈”专辑，它把“不安”本身装进了柔焦镜头；当你接受那份“停火但未尽硝烟”的残存刺痛，反而离真正的平静近了一步。 Ólafur Arnalds（冰岛语发音：[ˈouːlavʏr ˈartnalts]），1986 年 11 月 3 日出生于冰岛首都雷克雅未克郊外的小镇莫斯费德斯拜尔（Mosfellsbær），是冰岛著名的作曲家、钢琴家和音乐制作人。 1. 音乐起点与转型 Ólafur 的音乐生涯始于青少年时期，当时他担任多个硬核朋克和金属乐队的鼓手，如 Fighting Shit 和 Celestine。然而，他逐渐转向更为内省和细腻的器乐创作，开始将古典音乐元素与电子音效相结合，形成了独特的音乐风格。 2. 音乐风格与创作理念 他的音乐融合了古典、电子、氛围音乐等多种元素，以钢琴和弦乐为核心，常运用循环和节奏变化，创造出既优美又带有悲伤气质的作品。Ólafur 的音乐被描述为“空灵飘渺”，能够触动人心，引发听众的共鸣。 他曾表示：“古典乐对于那些一生从未学习过音乐的人而言，几乎无从入耳。我想用我的古典乐根基，去影响那些从未尝试此类音乐的人们，去接近人们的心。” 3. 代表作品与项目 • 专辑： • 《Eulogy for Evolution》（2007）：他的首张专辑，以钢琴和弦乐为主，展现了古典与现代的融合。 • 《Found Songs》（2009）：在七天内每天创作并发布一首作品，体现了他的创作效率和即兴能力。 • 《Living Room Songs》（2011）：在家中录制，捕捉了生活空间的温馨氛围，音乐简约而真挚。 • 《For Now I Am Winter》（2013）：标志着他音乐风格的进一步成熟，加入了更多电子元素。 • 《Some Kind of Peace》（2020）：获得格莱美奖提名，展现了他对内心世界的探索。 • 合作项目： • Kiasmos：与冰岛电子乐队 Bloodgroup 的 Janus Rasmussen 组成，探索实验电子音乐。 • 与 Nils Frahm 合作：共同创作了《Trance Frendz》等作品，深化了他们对现代古典和电子融合的探索。 • 《The Chopin Project》：与德国-日本钢琴家 Alice Sara Ott 合作，重新演绎了肖邦的作品。 4. 影视配乐与荣誉 他为多部影视作品创作了配乐，包括： • 《Broadchurch》（2013）：英国罪案剧，为他赢得了英国电影和电视艺术学院奖（BAFTA）最佳原创音乐奖。 • 《Defending Jacob》（2020）：苹果电视+系列剧，他因此获得了艾美奖提名。 5. 影响力与评价 Ólafur Arnalds 被认为是新古典和电子音乐领域的重要人物，他的创新精神和对音乐的深情投入，使他在国际上获得了广泛的认可。他的作品不仅受到音乐评论家的赞誉，也深深打动了全球听众的心灵。 他相信音乐中的微小瑕疵和不完美能够赋予作品生命力，正如他所说：“正是这些微小的错误让音乐鲜活起来。”

风格：死亡厄运金属/哥特金属/古典音乐 情感：自我毁灭的快感/爱与愧疚的绞杀/美与死亡的共谋/愤怒与无力的循环/宿命论式的平静/对救赎的嘲讽 TRACK LIST * 00:00The Wreckage Of My Flesh * 08:45The Scarlet Garden * 16:35The Scarlet Garden * 23:07My Wine In Silence * 29:00The Prize Of Beauty * 37:03The Blue Lotus * 43:37And My Fury Stands Ready * 51:23A Doomed Lover 《Songs of Darkness, Words of Light》是英国厄运金属乐队 My Dying Bride 于 2004年2月23日 发行的第八张录音室专辑，由 Peaceville Records 发行。这张专辑标志着乐队在音乐风格上的进一步成熟，也引入了新键盘手 Sarah Stanton，为乐队带来了新的音色层次。 ---- 🎵 专辑概览 • 专辑名称：Songs of Darkness, Words of Light • 发行日期：2004年2月23日 • 录制地点：Academy Studio, Dewsbury, West Yorkshire • 母带处理：Abbey Road Studios • 音乐风格：Death Doom Metal（死亡厄运金属） • 时长：约59分钟 🎤 音乐与歌词特色 这张专辑延续了 My Dying Bride 标志性的 阴郁、沉重、诗意 的风格。吉他旋律凄美而厚重，键盘营造出幽暗的氛围，主唱 Aaron Stainthorpe 的嗓音在低沉吟唱与死亡咆哮之间切换，情绪张力极强。 歌词方面，专辑充满了 黑暗浪漫主义色彩，探讨了失落、绝望、爱与死亡等主题。与早期作品相比，这张专辑的歌词更具文学性，部分作品偏向虚构叙事，增强了专辑的整体氛围感。 ---- 🎧 评价与影响 • 被认为是乐队最成熟、最具代表性的作品之一。 • 在 Spirit of Metal 网站上获得 17/20 的高分。 • 专辑整体氛围统一，被一些评论者称为“最适合作为葬礼音乐的金属专辑”。 • 尽管有评论指出其在创新上略显保守，但仍被高度评价为“ doom metal 的典范之作”。 ---- 🧑‍🎤 乐队成员（参与本专辑） • 主唱：Aaron Stainthorpe • 吉他：Andrew Craighan、Hamish Glencross • 贝斯：Adrian Jackson • 鼓手：Shaun Taylor-Steels • 键盘：Sarah Stanton（首次参与） • 艺术设计与插画：Andy Green ---- 📌 总结 《Songs of Darkness, Words of Light》是 My Dying Bride 在2000年代初期的重要代表作之一，展现了他们在 旋律性、情绪表达与氛围营造 上的高超技艺。对于喜欢 深沉、阴郁、富有文学感 的金属乐迷来说，这张专辑是不可错过的经典之作。 My Dying Bride（我垂死的新娘）是一支于1990年6月在英国成立的厄运金属（Doom Metal）乐队，与Paradise Lost、Anathema并称为“厄运三巨头（The Peaceville Three）”。以下是关于该乐队的详细介绍： 1. 成立背景与早期发展 乐队由Calvin、Aaron、Andy和Rick四人组建。在短短六个月的排练后，他们录制了传奇小样《Towards the Sinister》，并随后发行了7英寸单曲《God Is Alone》，该单曲由法国小型唱片公司Listenable发行，并取得了良好反响，吸引了大厂牌Peaceville的注意，使乐队在成立一年后便得以签约。 2. 音乐风格与特色 My Dying Bride的音乐以厄运金属为框架，融合了古典音乐、浪漫主义诗歌与哥特美学。他们的作品节奏缓慢而沉重，常交织着小提琴的凄美旋律，营造出如古典挽歌般的庄严氛围。主唱Aaron Stainthorpe的嗓音兼具低沉的叙事性与戏剧化的爆发力，宛如一位吟游诗人，在金属乐的框架下讲述着关于爱情、命运与信仰的永恒命题。 3. 代表专辑与作品 • 《As the Flower Withers》（1992）：乐队的首张全长专辑，奠定了其在厄运金属领域的先驱地位。 • 《Turn Loose the Swans》（1993）：在发行后进行了大规模的欧洲巡演，进一步扩大了乐队的影响力。 • 《The Angel and the Dark River》（1995）：被认为是乐队的经典之作，展现了其独特的音乐风格和深刻的情感表达。 • 《A Mortal Binding》（2024）：乐队的第15张全长专辑，延续了其标志性的死亡厄运风格，展现了乐队在漫长职业生涯中依然保持的创新能力和艺术水准。 4. 成员与变迁 乐队的核心成员包括主唱Aaron Stainthorpe和吉他手Andrew Craighan，他们自乐队成立以来一直是其创作和表演的中坚力量。此外，乐队的小提琴手Martin Powell在1992年至1998年间为乐队音乐增添了独特的凄美色彩，成为早期My Dying Bride的标志性特色之一。 5. 影响与地位 My Dying Bride以其深邃的旋律、恢弘的叙事与文学化的美学，成为整个金属乐史上无法被忽视的传奇。他们的音乐不仅在欧洲和全球范围内拥有大量忠实粉丝，还对后来的哥特金属和厄运金属乐队产生了深远影响。 6. 近期动态 2025年9月，My Dying Bride首次踏上亚洲土地，为中国乐迷带来不可复刻的现场盛宴。9月12日的上海站是他们此次亚洲之行的第一站，演出邀请了芬兰厄运金属名团Swallow the Sun主唱Mikko Kotamäki担任现场主唱，为乐迷呈现一场融合斯堪的纳维亚冷冽之风与英伦优雅黑暗艺术的现场盛典。

风格：放克/灵魂乐/Doo-wop/声乐和声/爵士摇滚/西海岸AOR/预City Pop/新浪潮合成器 情感：雀跃与好奇/汗流浃背的解放/少年惆怅与轻微感伤 TRACK LIST * 00:00スペイス・クラッシュ (Space Crush) * 05:20雨の女王 (Rain Queen) * 10:01ピンク・シャドウ (Pink Shadow) * 14:22時よ * 22:49シルエット (Silhouette) * 26:53ウインディ・レイディ (Windy Lady) * 33:41素敵な午後は * 38:58ペイパー・ドール (Paper Doll) * 44:19キャンディー (Candy) * 47:45エスケイプ (Escape) * 1:01:04Hey There Lonely Girl * 1:06:29ソリッド・スライダー (Solid Slider) * 1:14:49サーカス・タウン (Circus Town) * 1:22:36Marie 《イッツ・ア・ポッピン・タイム》（It's a Poppin' Time）是山下達郎第一张、也是日本流行史上最早采用 16 轨同步录制的现场专辑，1978 年 5 月 25 日由 RCA 发行，双黑胶/双 CD 收录 1978 年 3 月 8-9 日东京六本木 Pit Inn 两场爆满演出的精华，外加两首录音室补录曲。它既是 City Pop 成型前的“能量快照”，也奠定了山下“一人乐队”式制作的雏形。 1. 录制背景 • 1976 年单飞后，山下带着刚成立的 7 人巡演乐队在小型爵士俱乐部连续驻唱，把 Pit Inn 当成“实验室”，每晚试玩新曲、拉长即兴。 • 当时日本现场专辑极少，RCA 决定用刚引进的 MCI 16 track 移动录音车捕捉“小型场馆的汗水味”，创下 J-Pop 现场多轨录音首例。 2. 曲目与亮点 • 全长 75 分钟，15 曲，分“爆风热”与“月光缓”两盘： – 开场《Space Crush》就是 7 分钟合成器＋吉他的 Funk Jam，直接展示 16 轨可层层叠加的“一人合唱”技术； – 《Rain Queen》《Windy Lady》等未发表新曲把 Steely Dan 式的爵士摇滚和 Doo-wop 和声熔于一炉； – 《Hey There Lonely Girl》用日文＋英文双语 Overdub，成为当晚最大合唱点； – 安可曲《Circus Town》加速至原版 1.5 倍，尾声全员打击乐乱入，观众掌声被混成“额外节奏轨”，开创“观众也是乐器”的后期手法。 3. 声音风格 • 现场却近乎录音室质感：鼓与贝斯被收进隔离间，吉他音箱吊到天花板，再用 API 控制台重混，保持 Club 的“蒸汽”同时获得 AOR 的滑顺。 • City Pop 尚未命名，但已能听见日后招牌元素——16 拍律动、电风琴铺底、海岸般明亮的和声，被称作“夜东京 Pre-City Pop 能量原型”。 4. 发行与影响 • 首周卖破 5 万张，创 1978 年日本现场专辑纪录；乐评人称其为“小型场馆的《Frampton Comes Alive!》”。 • 1986 年首版 CD 化时使用 96 kHz 重新混音，低音更紧实，成为 City Pop 复兴时期（2010s）DJ 最爱采样源之一；Discogs 均分 5/5，被海外藏家评为“听不出年代的 50 年前录音”。 一句话总结： 《イッツ・ア・ポッピン・タイム》把 1978 年东京夜的一间爵士俱乐部装进 16 轨磁带，用 Funk、Doo-wop 与尚未命名的 City Pop 节拍，记录了山下達郎“现场即实验室”的青春爆发——它既是日本流行乐最早的高保真现场专辑，也是聆听 City Pop 诞生前夜的最好时光机。 《イッツ・ア・ポッピン・タイム》（It's a Poppin' Time）是山下達郎第一张、也是日本流行史上最早采用 16 轨同步录制的现场专辑，1978 年 5 月 25 日由 RCA 发行，双黑胶/双 CD 收录 1978 年 3 月 8-9 日东京六本木 Pit Inn 两场爆满演出的精华，外加两首录音室补录曲。它既是 City Pop 成型前的“能量快照”，也奠定了山下“一人乐队”式制作的雏形。 1. 录制背景 • 1976 年单飞后，山下带着刚成立的 7 人巡演乐队在小型爵士俱乐部连续驻唱，把 Pit Inn 当成“实验室”，每晚试玩新曲、拉长即兴。 • 当时日本现场专辑极少，RCA 决定用刚引进的 MCI 16 track 移动录音车捕捉“小型场馆的汗水味”，创下 J-Pop 现场多轨录音首例。 2. 曲目与亮点 • 全长 75 分钟，15 曲，分“爆风热”与“月光缓”两盘： – 开场《Space Crush》就是 7 分钟合成器＋吉他的 Funk Jam，直接展示 16 轨可层层叠加的“一人合唱”技术； – 《Rain Queen》《Windy Lady》等未发表新曲把 Steely Dan 式的爵士摇滚和 Doo-wop 和声熔于一炉； – 《Hey There Lonely Girl》用日文＋英文双语 Overdub，成为当晚最大合唱点； – 安可曲《Circus Town》加速至原版 1.5 倍，尾声全员打击乐乱入，观众掌声被混成“额外节奏轨”，开创“观众也是乐器”的后期手法。 3. 声音风格 • 现场却近乎录音室质感：鼓与贝斯被收进隔离间，吉他音箱吊到天花板，再用 API 控制台重混，保持 Club 的“蒸汽”同时获得 AOR 的滑顺。 • City Pop 尚未命名，但已能听见日后招牌元素——16 拍律动、电风琴铺底、海岸般明亮的和声，被称作“夜东京 Pre-City Pop 能量原型”。 4. 发行与影响 • 首周卖破 5 万张，创 1978 年日本现场专辑纪录；乐评人称其为“小型场馆的《Frampton Comes Alive!》”。 • 1986 年首版 CD 化时使用 96 kHz 重新混音，低音更紧实，成为 City Pop 复兴时期（2010s）DJ 最爱采样源之一；Discogs 均分 5/5，被海外藏家评为“听不出年代的 50 年前录音”。 一句话总结： 《イッツ・ア・ポッピン・タイム》把 1978 年东京夜的一间爵士俱乐部装进 16 轨磁带，用 Funk、Doo-wop 与尚未命名的 City Pop 节拍，记录了山下達郎“现场即实验室”的青春爆发——它既是日本流行乐最早的高保真现场专辑，也是聆听 City Pop 诞生前夜的最好时光机。

风格：后摇滚/室内乐/现代极简/电影配乐/噪音摇滚/Drone/暗氛围/田野录音/美式民谣/福音音乐 情感：麻木与失重/焦躁与悲鸣/漫长的哀悼与微光 TRACK LIST * 00:00Nervous, Sad, Poor... * 20:55Bleak, Uncertain, Beautiful... 《F♯A♯∞》（1997）是加拿大乐队 Godspeed You! Black Emperor 的首张正式专辑，也是后摇滚史上最具影响力的作品之一。它用“无歌词”的方式讲了一个末世故事：破败的城市、燃烧的列车、荒凉的雪原，以及一丝几乎听不见的希望。 1. 结构与时长 • 原版黑胶只有 3 轨，A/B 两面各 1 首，C 面为 23 min 长曲《Providence》，D 面刻有无尽循环的锁槽，象征“∞”。 • 1998 CD 再版扩充为 3 首 63 min，新增 intro/outro 与 2 段 hidden track，使叙事更完整。 2. 声音设计 • 开场《The Dead Flag Blues》先用低沉男声独白：“汽车着火，司机失踪……”随后口琴、小提琴与铁路声采样交错，像一部黑白的末日纪录片。 • 《East Hastings》前半段街头传教士的喊叫与班卓琴泛音叠加，中段爆鸣式吉他渐强被 Danny Boyle 直接剪进《28 天后》的废弃大桥段落。 • 《Providence》以 4 段“慢速呼吸”式渐强-释放完成 23 min 的史诗，尾段隐藏轨突然切入孤独的小号与火车压轨声，把“∞”做成可触的物理循环。 3. 主题与包装 • 整张唱片围绕“资本主义废墟”展开：歌词页是一张手绘的“未来北美地图”，封套附赠被货运列车压扁的加拿大 1 分硬币和一张手写“给废墟机器的失效蓝图”，暗示经济系统崩溃后的幸存者指南。 • 乐队拒绝任何成员照片与访谈，把“让音乐自己说话”做到极致。 4. 评价与影响 • Pitchfork 9.5/10、NME“90 年代百佳专辑”、《The Wire》“末世循环带”等极高赞誉，奠定了“交响化后摇滚”模板。 • 其“田野录音+弦乐+爆炸式墙音”结构直接启发 Mogwai、Sigur Rós、Swans 等后续乐队，被视为“后摇滚圣经”。 一句话总结：F♯A♯∞ 是一张把“世界毁灭”做成可触摸声音雕塑的唱片——它黑暗、冗长、充满噪音，却在废墟缝隙里留了一枚被列车压扁的硬币，当作人类最后的火种。 Godspeed You! Black Emperor（简称 GY!BE，中文常称“黑帝”）是一支 1994 年在加拿大蒙特利尔成立的实验/后摇滚乐队，以“无歌词、长篇器乐+环境采样”的史诗式作品闻名，被《NME》称为“20 世纪最后一支伟大乐团”。 1. 起源与阵容 • 初创：1993-1994 年间，Efrim Menuck、Mauro Pezzente 与 Mike Moya 三人开始排练，1994 年 12 月自资录制了仅 33 盘的卡带《All Lights Fucked on the Hairy Amp Drooling》，奠定“田野录音+极简重复”雏形。 • 扩编：1995-1996 年大规模招募本地乐手，人数一度达 15 人；现常态 8-9 人，三吉他、双鼓、双提琴、双贝司配置，分工即兴与作曲并重。 2. 音乐特征 • 长度：单曲 15-25 分钟很常见，乐章式结构，常分 3-5 段。 • 素材：大量街头演说、火车声、便利店对话等 Field Recording，配合小提琴、吉他与鼓的渐强爆鸣，营造“末世电影感”。 • 情绪：黑暗、绝望、孤独与微弱希望交织；Efrim 曾说“如果我们的音乐让人恐惧，那只是对世界的条件反射”。 • 美学：拒绝主唱、拒绝明星化，唱片内页无成员照片，手工包装+丝网印刷+火车压扁的硬币等“反工业”行为，强调 DIY 与反媒体操控。 3. 代表专辑 • 《F♯A♯∞》（1997，手工 500 张黑胶；1998 CD 版）：开篇就是荒凉口琴与末日独白，被誉为“后摇滚圣经”。 • 《Lift Your Skinny Fists Like Antennas to Heaven!》（2000）：双 CD 四首长篇，经典段落《Storm》被多家媒体评为“史上最具革命性曲目之一”。 • 《Yanqui U.X.O.》（2002）：与 Steve Albini 合作，更粗粝、更政治化。 • 2012 年重组后持续发行：《Allelujah! Don’t Bend! Ascend!》《Luciferian Towers》《G_d’s Pee at State’s End!》等，依旧保持高口碑。 4. 影响与评价 • 他们把“后摇滚”推向交响化、政治化的新高度，启发了 Mogwai、Sigur Rós、Explosions in the Sky 等众多乐队。 • Pitchfork、滚石、卫报等一致称其为“实验摇滚不可忽视的力量”，现场被描述为“令人精疲力竭的绝美体验”，演出时“整个世界凝神止息”。 一句话总结：Godspeed You! Black Emperor 用无词的黑暗交响、手工 DIY 精神与末日叙事，为后摇滚树立了难以逾越的里程碑。

风格：前卫摇滚/数学摇滚/后朋克/当代爵士/自由爵士/卡巴莱&歌舞杂耍/拉丁音乐/乡村&抒情民谣/速弹金属/速弹技巧爵士/音乐剧&广播剧叙事/电子拼接/采样 情感：荒诞 & 黑色幽默/道德讽喻 / 愤怒/焦虑 & 狂躁/病态浪漫 / 绝望/戏谑式的“自我厌恶”/狂欢式释放 TRACK LIST * 00:00Hellfire * 01:24Sugar/Tzu * 05:15Eat Men Eat * 08:23Welcome to Hell * 12:33Still * 18:19Half Time * 18:45The Race Is About To Begin * 26:00Dangerous Liaisons * 30:15The Defence * 33:1427 Questions 《Hellfire》是英国实验摇滚乐队 black midi 的第三张录音室专辑，于2022年7月15日通过 Rough Trade 发行。与前作《Cavalcade》相比，这张专辑在叙事、编排和风格拼贴上更极端，也更戏剧化，被多家媒体称为“荒诞地狱秀”。 ---- 核心概念与主题 1. 第一人称罪恶叙事 • 主唱 Geordie Greep 化身“巡回演出的司仪”，以近乎 Vaudeville（杂耍歌舞）式的夸张腔调，讲述一连串“烂人”故事：腐败士兵、嗜血拳手、投机商人、战争罪犯等。 • 歌词灵感来自托马斯·伯恩哈德、贝克特、辛格等黑色幽默作家，把“地狱”处理成既恐怖又滑稽的荒诞剧场。 2. “地狱”作为隐喻 • 并非宗教意义上的地狱，而是“贪婪、暴力、资本、战争”的现代火坑；每首歌都是一出道德寓言，结局往往以讽刺或自毁收场。 ---- 音乐风格与制作 • 39 分钟、10 首歌，刻意保持“黑胶单张”长度，避免双碟膨胀。 • 曲式： • 杂耍开场曲 + 拳击叙事（Sugar/Tzu）→ 军旅地狱（Eat Men Eat）→ 乡村抒情（Still）→ 黑暗卡巴莱（The Defence、27 Questions）。 • 乐器： • 核心三人之外，请来铜管、弦乐、手风琴、拉丁打击乐等十余位客座，形成“大乐队+前卫摇滚+拉丁/乡村/爵士”的拼贴。 • 动态： • 前一秒还是 70 人管弦齐奏的“大乐队爆破”，下一秒只剩木吉他和低语；鼓手 Morgan Simpson 的“超速爵士”鼓法贯穿始终。 ---- 重点曲目速览 1. Hellfire（序曲） 1 分 24 秒的“杂耍前奏”，铜管进行曲 + Greep 的半说半唱，立刻把听众拉进荒诞马戏团。 2. Sugar/Tzu 拳击擂台故事：一个邪恶小女孩枪杀了拳手。铜管与鼓组像“组合拳”一样来回重击，被多家媒体选为年度单曲。 3. Eat Men Eat 军营里的“毒酒”黑幕，中段加入拉丁手鼓与弗拉门戈吉他，最后以失真吉他“呕吐式”爆发，形成黑色幽默闭环。 4. Still 全碟最“安静”时刻——乡村抒情 + 弦乐四重奏，歌词却仍是“求救式”爱情绝望，体现“温柔即崩溃前夜”。 5. Welcome to Hell 大乐队铜管与“广播式”旁白，讽刺“战争即旅游”的荒诞；副歌突然加速到 200BPM，被乐迷戏称“地狱迎宾曲”。 6. 27 Questions 收尾卡巴莱：钢琴、手风琴、萨克斯轮番登场，歌词是“法庭+脱口秀”式 27 个自问自答，最终一句“Any more questions?” 戛然而止，像幕布落下。 ---- 媒体与乐迷反馈 • Crack Magazine：称他们把“怪癖边缘磨得更锋利”，从 strength 到 strength 的“淘气而奢华的成功”。 • Slant：虽看似失控，实则编排精密；刻意做成“必须整张聆听”的专辑体验，而非播放列表碎片。 • ProgArchives：技术复杂度仍高，但旋律性、可听性比旧作更友好；被赞为“十年最佳前卫专辑之一”。 • The Quietus：指出现场试演是创作关键——多数歌曲已在《Cavalcade》巡演中“演成血肉”，再进棚精炼，因此听感“火山与过山车并存”。 ---- 一句话总结 《Hellfire》是 black midi 把“前卫摇滚、杂耍歌舞、拉丁爵士、乡村抒情”全部塞进一口“荒诞地狱”大锅的 39 分钟连台戏：既是一次技术炫技，也是一出对现代罪恶的黑色讽刺剧。 Black Midi（常写作 black midi）是一支2017年成立于英国伦敦的实验摇滚乐队，以高难度演奏、剧烈风格跳跃和“什么都敢往歌里塞”的拼贴美学著称。核心成员三人均毕业于表演艺术名校 BRIT School： • Geordie Greep – 主唱/吉他，歌词爱写荒诞叙事与黑色幽默 • Cameron Picton – 贝斯/合成器/和声，负责大量编曲与制作环节 • Morgan Simpson – 鼓手，14 岁即获“英国青年鼓手大赛”冠军，以爵士味的复杂节奏闻名 乐队名字取自日本同人圈的“Black MIDI”现象——把超密集音符堆到谱面全黑的一种炫技文化，这恰好暗示了他们“音符过载”般的听感。 代表作品与风格轨迹 1. 《Schlagenheim》（2019，Mercury Prize 提名） 长段即兴+后朋/数学摇滚基底，单曲 bmbmbm 七分钟几乎只靠一个 riff 不断变形。 2. 《Cavalcade》（2021） 转向更戏剧化的编排，加入铜管、弦乐与合唱，被比作“King Crimson 遇上百老汇”。 3. 《Hellfire》（2022） 概念感最强，故事脚本围绕战争、罪恶与“地狱巡演”展开，音乐上融合先锋爵士、探戈、电影配乐甚至歌舞杂耍（Vaudeville）。 现场与文化影响 • 出道前就在伦敦 Brixton 的 The Windmill 酒吧驻演，成为“后朋复兴”场景的重要发动机。 • 演出以“高密度、零静默”著称：曲目之间用即兴噪音或台词无缝衔接，观众常形容“像被扔进离心机”。 • 他们和 Black Country, New Road、Squid 等乐队一起，被视为 Gen-Z 的“新前卫”浪潮代表，把 prog、jazz 与朋克态度重新拉回独立舞台中心。 现状 2024 年 8 月，主唱 Geordie Greep 在 Instagram 直播中表示乐队“无限期休团”，成员将专注于个人计划，但声明“大门并未关上”。因此，目前 Black Midi 处于 hiatus（暂停）状态。

纪念Takk...20周年 风格：后摇滚/梦幻流行/室内乐/新古典/自赏 情感：童稚的感激/失而复得的希望/静谧的庇护/壮阔的敬畏 TRACK LIST * 00:00Takk... (感谢) * 01:56Glósóli (唯一的光芒) * 08:23Hoppípolla (跃入水坑) * 12:53Með Blóðnasir (鼻破血流) * 15:17Sé Lest (远眺火车) * 24:02Sæglópur (迷失大海) * 32:26Mílanó (米兰) * 43:04Gong (咣) * 48:38Andvari (微风) * 55:14Svo Hljótt (如此安静) * 1:02:45Heysátan (干草堆) 《Takk…》（冰岛语“谢谢”）是 Sigur Rós 2005 年 9 月发行的第四张录音室专辑，也是他们首度登陆主流大厂 Geffen/EMI 的“破冰”之作。以下从四个维度快速拆解这张“北国致谢信”。 1. 声音走向 延续《Ágætis byrjun》的空灵弦乐与 Jónsi 的假声，但明显更“摇滚”：鼓组更靠前、吉他失真度加大、歌曲长度压缩到 2–10 分钟不等，出现大量 4 分钟左右的“准流行”结构，被乐队自嘲为“happy album”。 2. 语言与歌词 一半冰岛语、一半 Hopelandic（自创“无意义”音节）。官方从未给出完整英译，只在碟内小册子里用手写体冰岛词片段点缀，刻意让听众“用情绪而不是字典”接收。 3. 曲目高光 • Hoppípolla：4 分钟钢琴弦乐+铜管，副歌鼓组爆发，BBC《地球脉动》、FA 杯决赛、电影《贫民窟的百万富翁》预告片都曾用其做背景，成为乐队“入场曲”。 • Glósóli：低音鼓行进→弦乐加速→吉他音墙断崖式收尾，MV 里孩子们跳崖飞向太阳，被乐迷封为“北欧少年派”。 • Milano & Andvari：与弦乐四重奏 Amiina 共创，10 分钟钢琴弦乐慢板，几乎无鼓，是专辑最“室内乐”的篇章。 • Sæglópur：前半梦幻钢琴，后半 7/4 拍鼓组+失真吉他“海啸”式高潮，现场必点。 4. 成绩与遗产 首周登上 Billboard 200 第 27 位，美国一年销量 20 万+，把后摇滚第一次送进沃尔玛货架。2025 年 9 月乐队推出 20 周年重装版，加 5 首罕见 B-side 和 Dolby Atmos 空间音频，黑胶礼盒 3000 套瞬间售罄。 一句话总结： 《Takk…》像一封用冰岛语和 Hopelandic 写成的“致谢短笺”，把 Sigur Rós 原本 10 分钟的冰川叙事剪成 4 分钟的流行剪影，却保留了雪崩式的情感峰值——你可以听不懂每一个字，但一定能听懂“谢谢”背后的热泪。 Sigur Rós 是一支 1994 年成立于冰岛雷克雅未克的后摇滚乐队，目前由主唱/吉他手 Jónsi（Jón Þór Birgisson）、贝斯手 Georg Hólm 和鼓手 Orri Páll Dýrason 组成。他们以空灵、宏大的声景和 Jónsi 标志性的假声、自创语言（Hopelandic）以及“用琴弓拉电吉他”的独特演奏方式闻名。 音乐特点 • 氛围后摇滚：慢速铺陈、层层递进，从极静到爆发式的音墙。 • 古典与极简融合：大量使用弦乐、铜管、合唱团，强调空间感与情绪张力。 • 语言实验：除冰岛语外，还创造无实义的 Hopelandic，仅保留语音旋律，让听众“凭感觉”理解。 关键专辑 1. 《Ágætis byrjun》（1999） 国际突破之作，销量超 50 万张，获 2001 年 Shortlist Music Prize。代表作〈Svefn-g-englar〉被电影《香草天空》收录。 2. 《( )》（2002） 全专无标题、歌词全为 Hopelandic，8 首曲目均以“Untitled”命名，情绪从压抑到彻底爆发。 3. 《Takk...》（2005） 加入更多钢琴与管弦乐，旋律更温暖，曲目〈Glósóli〉、〈Hoppípolla〉成为影视广告常客。 4. 《Með suð í eyrum við spilum endalaust》（2008） 首次引入原声民谣元素，节奏更轻快，MV 里乐队在冰岛乡间裸奔。 5. 《Valtari》（2012） 与 《Kveikur》（2013） 前者极致梦幻，后者转向暗黑、工业质感，展现两极化创作力。 现场与影像 • 演出常以影院级视觉、环形 LED 屏和极光式灯光配合，被乐迷称为“沉浸式礼拜”。 • 2007 年纪录片《Heima》记录他们在冰岛各地（废弃渔厂、无人山谷）的免费巡演，展现人与自然的共生。 影响与评价 • 把冰岛地貌的寂寥与壮美成功转译为声音，被誉为“冰川般的音乐”。 • 启发了无数电影配乐与后摇滚、氛围电子创作者；Radiohead、Coldplay 均公开表示受其影响。 一句话总结： Sigur Rós 用听不懂的语言和看得见的风景，让后摇滚拥有了“极光”的颜色。