Fogy Radio - 节目列表

Elliott Smith艾略特·史密斯 1969年8月6日－2003年10月21日 民谣歌手艾略特·史密斯在我的朋友圈里处于比较极端的现象：喜欢的人非常喜欢；不喜欢的人，有些还比较刻薄，说他的嗓音类似于男版夹子音，我只能说第一印象确实很重要，如果你是一个主观主义者，面对着艾略特·史密斯粗犷的外表和与之对立的纤细阴柔的嗓音，确实不太喜欢的起来。 《酒吧之间》（Between The Bars）是关于喝酒的歌，透过嗓音看歌词，酒鬼对另一个酒鬼劝酒，但这不是“我干了你随意”的豪放，也不是“劝君更饮一杯酒”的情谊，而是麻木和痛苦的缓冲剂，各种负面情绪是艾略特·史密斯歌曲必要元素。1969年，艾略特·史密斯出生在美国内布拉斯加州，童年，怎么说呢，我觉得内心敏感的小孩，不管经历了怎样的童年他都会受到伤害，冷暖自知，而敏感内向的小孩受到的伤害会更多一些，艾略特·史密斯也不例外，在和悲催童年对峙的时候，他选择用音乐来麻醉自己，就像他后来同样也沉溺毒品和酒精一样，不断寻找避世良方，而音乐天赋恰逢其时地表现了出来，除了翻唱齐柏林飞艇、平克·弗洛伊德，也有意识的创作自己的作品，艾略特在这期间慢慢学会如何捕捉自己心灵上的复杂的想法，变成编曲技巧。 作为艾略特·史密斯旋律上最悦耳的歌曲，《华尔兹2号》（Waltz #2 (XO)）在编曲上凸显了他的非凡的能力：既能做低保真的民谣吉他歌手，也能做华丽的编曲和丰富的人声编排，但是，我还是要请你去看歌词，这又是一首很沉重的歌，为的是他放不下的童年里和母亲的关系，当然这是我们通过歌词和他的人生经历作出的臆想，艾略特·史密斯其实很讨厌和别人探讨歌词的意思，音乐是一种将情感引导到艺术中的方式，他并不需要给大家解释自己的情感。 《Miss Misery》是民谣歌曲中的Grunge音乐，20秒开始的时候整个人会被拉入进去，你说是痛苦也好，绝望也罢，这种情绪的拉扯其实是让人不舒服的。1997年，因为和电影《心灵捕手》的合作，尤其是片尾曲《Miss Misery》让艾略特·史密斯获得了奥斯卡奖提名，并且站在了颁奖礼上唱了这首歌，这是他唯一一次接近主流世界。《心灵捕手》这部电影，在听这一期节目的朋友可能都看过，我大概每年会重新看一次，最近一次的感悟是觉得剧情不太合理：按心理学的相对剥夺理论，朋友的成功比自己的失败更难让人接受，而电影里每个人都充满着正能量想要威尔不再埋没自己，走上正轨，感觉不太符合人性。艾略特·史密斯其实和主角威尔·亨廷很接近，差不多痛苦的童年，各自在领域内的天才，只是电影里放大了威尔的天才，现实里艾略特酗酒吸毒的逃避方式却更为极端。 王小波说过，别人的痛苦才是你艺术的源泉；而你去受苦，只会成为别人艺术的源泉。但大多数艺术家确实是靠自己的痛苦来艺术创作，而当作品进去流水线之后，往往会被认为是在贩卖痛苦，这并不是艺术家的初衷，却也很难找到平衡点，艺术家的痛苦和挣扎，往往仅仅只是商业模式下的一种酸甜苦辣的调味料。艾略特·史密斯作为一代大家，当然是可以做出其他色彩的音乐，比如他在2000年的时候的第五张专辑《画像8》（Figure 8），在音乐上展示出来的是丰富性，增加了更多的可听性，但，总归是脆弱的人声伴随着灰色阴暗的歌词，让人心碎，让人上瘾的歌声。艾略特是自己心灵的捕手，把自己的抑郁谱成诗歌，或许大多数人都不会喜欢他的声音，但在世界上的其他角落，那些与他一样敏感的人，大概能体会到他的痛苦，这是醉酒前的合唱，也温暖的模糊。 本期选曲 Between The Bars Waltz #2 (XO) Miss Misery Junk Bond Trader No Name #3 《心灵捕手》有一个看上去比较完美的结局，但片尾曲却用了《Miss Misery》这么一首歌。多年后，在电影里和威尔相互救赎的心理学教授桑恩的扮演者，罗宾·威廉姆斯(Robin Williams)选择了离开“痛苦小姐”，他没有成为自己的心灵捕手。罗宾老师同样是我非常尊敬的电影演员，出演过《死亡诗社》、《渔王》、《早安越南》。我非常喜欢他在《早安越南》中那种老式亢奋的播音方式。 本期推荐电影 1987 早安越南 1989 死亡诗社 1991 渔王 1997 心灵捕手 电影获取回复关键词：ES

Bonnie Lou 邦妮·卢 1924年10月27日——2015年12月8日 1924年，邦妮·卢出生在美国伊利诺伊州，从小学习吉他和小提琴，听着乡村音乐长大，最重要的一点是从她来自瑞士的奶奶那里学会了约德尔唱腔。约德尔唱腔最一开始，是阿尔卑斯山的牧民用来呼喊牛羊和伙伴的，归去来兮哟哆嘞噫~~~~现在差不多已经成为非物质文化遗产了，但在上个世纪前叶，约德尔是风靡一时的美国乡村音乐唱腔，邦妮·卢自16岁起在电台唱歌，就是以女约德尔歌手闻名，她也是靠着这个技能在一众女歌手中脱颖而出，获得了唱片合约。1953年她唱红了《孤独七天》（Seven Lonely Days），开始成为一线女歌手。 《孤独七天》这首歌红到什么地步呢，让邦妮老师和华语乐坛也有了联系，1954年，这首歌在香港被张露翻唱，由于填写的中文歌词太过于挑逗一度还被禁播——当然现在看来只是一首普普通通的歌了。邦妮其实并不是《孤独七天》首唱，只是她刚好把这首歌给唱红了，相当于大家都在拍同样的短视频段子，有时候翻拍的点击量就是要大于原创，当然邦妮·卢并不是一个只会翻唱的花瓶，她在第二年就把音乐风格转向摇滚乐，和猫王差不多是同一批的早期摇滚乐歌手。1955年，她的摇滚乐唱片《Daddy-O》爬上了排行榜第14位，是非常厉害的，如果继续坚持，摇滚教母这个桂冠肯定能戴上，只是她心思不太在歌唱事业上，之后就主要以在电视圈发展为主了，当然，歌唱事业也是在进行，在大奥普里剧院表演，在各种场合进行表演，但说实话属于她的，能唱红的歌，在70年代之后基本上就没有了。 红极一时，但续航能力不太够，就是我们今天的主角邦妮·卢。（封面照片用了AI扩图） 本期选曲 Barnyard Hop Seven Lonely Days Daddy-O Drop Me a Line Two-Step Side-Step

feat. yoyo 惠特尼·休斯顿是全世界流行音乐界公认的超级大Vocal，她自身的唱功首屈一指：首先黑人身体机能，这个基因带来的是从小黑人音乐浸泡出来的R&B节奏感、律动、真假音转换、腔体共鸣、技巧、声音的厚度和音域——集这些特点于一身的黑人女歌手有很多，但惠特尼·休斯顿外貌上更有优势，模特出身加上非常立体接近白种人的五官，天时地利人和，让她打破了种族和性别的屏障。 《I Will Always Love You》是不得不放的一首歌——历史上销量最高的一首单曲。年轻时总喜欢说一下永远之类的话，可哪里有什么永远，就连你的歌迷也不会永远爱你：惠特尼·休斯顿死前那几年过得很惨，反复吸毒戒毒，现场唱歌嗓音非常差，死的时候也是非常不体面，所以说不该碰的东西还是不要碰。 说个八卦：特朗普计划把惠特妮的雕像放入美国英雄花园，但拜登上任后这个“英雄花园” 项目被取消掉了，2025年，特朗普又卷土重来了，也不知道后续会怎么样。最后是轻松一点的歌曲：好女配渣男，惠特尼·休斯顿和艾瑞莎·弗兰克林，超级大女神的合唱，It Isn't, It Wasn't, It Ain't Never Gonna Be，歌曲的内容是两个好女人抢一个渣男，这个世界到底是怎么啦。 选了6部惠特尼老师的相关电影，有兴趣的朋友可以看一看。 1992 The Bodyguard 保镖 1995 Waiting to Exhale 待到梦醒时分 2012 Sparkle 闪耀的花火 2017 Whitney Can I Be Me 惠特尼 可以做我自己吗 2018 Whitney 惠特尼 2022 I Wanna Dance with Somebody 与爱共舞 2022 I Wanna Dance With Somebody 电影原声带

Lead belly 铅肚皮 1885年1月29日 1949年12月6日 流浪汉、杀人犯、吟游诗人、12弦吉他之王利德·贝利铅肚皮，1885年出生，迄今为止我们这个计划年纪最大的一位艺术家了。很多人认识他是通过科特·柯本（Kurt Cobain）在不插电演唱会上翻唱的歌曲《昨夜你在何处安睡》（Where Did You Sleep Last Night），以及那些给现代流行音乐排序的书或者排行榜，铅肚皮，他是先驱，更是传奇。 铅肚皮的出生日期有待考证，三个日期，我们选择的中间的，但这不重要，重要的是他很小就自学了吉他和手风琴，在当地小酒馆演出了一段日子后，就觉得自己翅膀硬了，开始出去闯荡。1901年，我大清签订《辛丑条约》这一年，铅肚皮已是个标准的吟游诗人，游走在各个城市之间，在农场打短工也在酒馆做歌手，然后认识了20年代最佳布鲁斯歌手盲柠檬·杰弗逊（Blind Lemon Jefferson），两个人合作了一段时间，他也开始练习自己的标志性乐器，12弦吉他。 铅老师个子不高，凶性十足，两次都因为过失杀人进了监狱，但两次都只是服了最低限度的刑期就被州长释放了，据说是给州长写歌、唱歌，州长满意了就把他特赦释放了，这种情节好像只在国王释放囚犯的童话故事里看到过。铅肚皮创作的大多数歌曲都是在监狱里写的，在音乐风格上，他其实是在白人民谣和黑人蓝调的最中心点，在他之后，白人继续发展自己的民谣民权歌曲，而黑人将蓝调布鲁斯发扬光大。而他本人作为吟游歌手，最大的优点，我个人认为是即兴创作针砭时弊的歌曲，个人思想还是比较左的。 第二次从监狱出来之后，铅肚皮开始为美国国会图书馆做一些录音工作，其实就是类似于我们这里的非遗保护工作，把一些马上要失传的歌曲录制下来。1941年到47年这段时间，他录制了大量的歌曲，但销量都不太好，主要原因，我看到有一种说法，说是种族隔离和偏见让他无法融入主流音乐世界，我觉得这是错误的：彼时芝加哥黑人布鲁斯就已经很红了嘛，主要还是因为市场和唱片公司对他的定位是一个南方的黑人布鲁斯歌手，但他的音乐，其实包罗万象各种风格，监狱歌曲、民歌民谣、牛仔之歌、蓝调布鲁斯，简单点就是，不同种族的美国人的音乐他都在唱，广种薄收没有深挖市场让这个集大成者致死都没有在商业上取得巨大的成功，但在音乐圈子里，他却得到了各色人种的尊敬，像伍迪·格思里、皮特·西格这种民谣民权大神都自认是他的徒弟，他的歌曲也一直是在被后来不同风格的大神翻唱，沙滩男孩、法兰克·辛纳屈、小理查德、汤姆·韦茨、最著名的当然是涅槃乐队了。 尽管铅肚皮的职业生涯很短，但作为先行者，他在12弦吉他上展示出来的天赋和歌声，从路易斯安那州的沼泽地、到德克萨斯州的监狱，再到最后纽约布鲁克林的街道，暴躁老男孩铅肚皮老师和他的音乐最终成为了美国民间音乐的基石和黑人文化遗产的试金石，作为大神心目中的大神，在美国流行音乐的众神殿中，独占鳌头。 本期选曲 John Hardy Ha Ha This a Way The Bourgeois Blues Yellow Gal Goodnight, Irene Where Did You Sleep Last Night

编者按：“人样舞蹈”是快要失传的杭州俚语，有一段时间晚上老听Jimmy Smith 的《Midnight Special》，突然就想到这曲子和“人样舞蹈”和《小丑》（2019）很配。器乐演奏如水流过，听者有心幻想成各种故事，这大概就是音乐的魅力罢。 Jimmy Smith 吉米 史密斯 1925年12月8日——2005年2月8日 如果设一个欧美流行音乐封神榜，吉米·史密斯在里面有自己独一无二的位置，他是把电子管风琴融入福音、R&B、爵士音乐的创始人，灵魂爵士乐的先行者，他的武器是一架哈蒙德B3管风琴。 1925年，吉米·史密斯出生在美国宾夕法尼亚州，家学渊源从小就学习弹钢琴，并且和他爹上阵父子兵，一起上场表演升级打怪，十多岁的时候就凭借布吉·伍吉的钢琴演奏在当地小有名气，从军队退役后正儿八经的进入音乐学院学习了贝斯和钢琴，算是科班出身。1953年，像孙行者拿到了金箍棒一样，吉米 史密斯拿到了自己的第一台哈蒙德B3，他当即闭关开始研究这台管风琴。 吉米·史密斯对哈蒙德B3的开箱评测和研究，这个意义非常深远，影响了后世所有的管风琴手，当时他通过画踏板的平面图，不断查看自己的脚在踏板上的位置，用来得到新的想法，闭关几个月之后，本身的天赋加上从小受到的训练，琢磨出了用传统的福音演奏手法加上用管风琴踏板打出贝斯线这种新的套路，相当于是一代宗师自创了一套功法，这个技术在当时是非常新颖的事情，一下子就得到了唱片合约。他进入音乐圈的时机也是非常好，刚好是迈尔斯·戴维斯的酷派爵士乐开始走下坡路的时候，爵士乐正在不忘初心回归本源。第一张专辑就一炮而红，而且是持续发红，接下去的几年，每一张唱片都是叫好又叫座，这其中，我们首推1968年发行的《Stay Loose》，完全可以听一整天，看看村上春树，喝喝咖啡的混一整天。 哈蒙德B3当然不是万能的，听众也总是喜新厌旧的，吉米·史密斯在70年代中期开始进入了创作瓶颈，也不是写不出歌，就是大家审美疲劳，没有那么喜欢他的三板斧了，到了80年代后期，吉米·史密斯才凭借着在迈克尔·杰克逊的专辑《Bad》演出获得流量再加上以及一系列过硬的专辑，重新回到主流视线，而且还不止于此，由于旋律线过于出色，他还赢得了新一代嘻哈说唱的市场，他的管风琴被很多嘻哈歌手引用，从而被年轻人喜欢。这里要推荐的是2001年的专辑《Dot Com Blues》，和诸多大神合作，是管风琴爱好者的心头爱。 作为初代哈蒙德管风琴大神，吉米·史密斯演奏技巧出神入化，用手可以弹奏查理·帕克式的乐段，用脚踏板可以弹奏出贝斯，而管风琴的美妙音色更是让他突出重围在爵士音乐圈里获得一席之地，他后期因为不断的复制自己，被诟病没有创新，这当然也是事实——年纪越来越大，作品越来越公式化，是大多数艺术家的通病。但这对于爵士乐的里程碑吉米老师来说是瑕不掩瑜的。而对我来说，有时候半夜醒来睡不着，拿出手机选一张吉米老师的专辑就开始听，你知道我会听到什么吗？我会听到那些和弦在向我尖叫，它们飞快的向我飞奔而来，一起舞蹈。 本期选曲 Back at the Chicken Shack The Organ Grinder's Swing Stay Loose Dot Com Blues Three O'clock Blues (with B.B. King) Let's Stay Together B3 model of the Hammond organ ，吉米老师的成名利器。

专辑名：再见理想 发行时间：1986年3月 发行厂商：自费出版 1993年6月30日黄家驹在日本去世，终年31岁。时间永是流逝，街市依旧太平，这一晃眼就是30多年过去了，现在的香港有没有音乐圈？娱乐圈还是和过去一样风声水起吗？Beyond乐队其余的几位成员在解散乐队后，过得还好吗？黄家驹会托梦给他们，让他们重组乐队吗？这一切无从谈起，也不可言说。我们只能把耳朵和眼睛拉回到过去，连带着我们的青春回忆。我们的Beyond乐队黄家驹时代专辑赏析，从他们第一张专辑开始说起，首先是1986年3月他们的第一张专辑《再见理想》。 Beyond从1983年组建到1986年发行第一张专辑《再见理想》，这三年期间，乐队在不断磨合，成型，1983年，黄家驹的弟弟，19岁的黄家强加入乐队；1985年，21岁的黄贯中加入乐队，加上之前就在乐队的刘志远、叶世荣和黄家驹，最终形成了5个人时期的Beyond。这个时候他们的心愿是举办演唱会和发行一张属于自己的专辑，在自己筹钱举办演唱会时，他们认识了第一任老板，也就是后来和Beyond乐队恩恩怨怨很多年的陈健添。专辑中的《永远等待》这首歌，描写的就是那个时候Beyond的内心情怀：“但愿在歌声可得一切，但在现实怎得一切”。 《再见理想》这张专辑是Beyond乐队自己自费出版的，所以并没有经过正常商业模式的删减或者混音，军鼓惨不忍听，每首歌都是肆无忌惮的拉开去，时间跨度很长，像《永远等待》和《Long Way Without Friend》这种歌，1首5分钟1首7分钟，传统的唱片公司肯定不太愿意给你出版。关于歌曲长度的问题，在唱片产业化的现当代是很严肃的话题，没有人愿意花时间去听太冗长的歌，比如说Queen最脍炙人口的《Bohemian Rhapsody》，将近6分钟的长度，当初想要发表时也是饱受争议，而且这个现象现在愈演愈烈，现在的短视频平台里的热门歌曲都是非常短，尽可能在几十秒内用节奏打动你，但黄家驹的Beyond不这么想，《再见理想》这张专辑中其他歌曲，像《Myth》（神话）同样也是6分多种，无穷无尽的吉他Solo，这个当然是受到了齐柏林飞艇（Led Zeppelin）和平克·弗洛伊德（Pink Floyd）的影响了，早期的Beyond是非常靠近艺术摇滚的，《Myth》 讲述的是一个悱恻缠绵的神话故事。 分两部分的《Dead Romance》非常值得拿出来讲，创作动机来自当时香港名噪一时的十大奇案之一，雨夜屠夫林过云的连环杀人案，这样的题材在黄家驹的创作中好像是绝无仅有的。第一部分是吉他曲，第二部分加入了人声，人声部分很明显可以听出平克·弗洛伊德的痕迹，而吉他则是第二个声部，后半部分独奏的时候，情绪、画面都会具象化出现在你的脑子里。你回过头再去听纯器乐演奏的《Dead Romance Part 1》，盲人摸象但听者有心，器乐交织在一起，我个人觉得《Dead Romance》的两首歌，算是Beyond在艺术摇滚风格上的最佳作品之一。 我们将要听到的这首歌叫《旧日的足迹》，黄家驹在开场前说的这段话翻译成普通话是：这首歌是根据我认识的来自北京的朋友，他们有机会旧地重游，再回到香港之后，（我）根据他们感受和看到的东西，写成的作品。 《旧日的足迹》，同样是专辑中很著名的一首歌，专辑里收录的是最初的现场Live版本，之前说Beyond自费举办演唱会——他们是真的胆大包天，在乐队组建没多久，专辑没发行，甚至没有多少知名度的情况下，居然敢开演唱会，这在当今社会是无法想象的，为了这个演唱会，黄家驹前前后后，去做很多的工作，然后海报的设计还是他自己做的，我们知道Beyond乐队的吉他手黄贯中是一个平面设计师，但黄家驹也有着同样的才华，至于这首《旧日的足迹》，虽然有点儿粗糙，但是现在听来，是Beyond早期非常珍贵的一个现场录音，而《再见理想》这首歌， 它可以有两种理解方式：第一种是为赋新词强说愁要和理想永别说再见，第二种是再一次见到看到自己的理想,与现实结合后的感慨，你觉得黄家驹唱的是哪一种呢？这首歌的作词是Beyond后来的4人组：黄家驹、黄贯中、黄家强、叶世荣共同完成的，作曲则是黄家驹。黄家驹在后来1987年的演唱会上说，写完这首歌他激动的好几天睡不好......收录在这张专辑中的《再见理想》，同样也是非常粗糙，但却是最真实、最完整的黄家驹和Beyond乐队想表达的情感，顺便说一下，这个版本是黄家驹一个人独唱的。 黄家驹其实一直在说想要做一张吉他独奏专辑，但从未成功过，他在这张专辑里用一首叫做《木吉他》的作品过了一下瘾，和唱片公司签约之后，为了保证专辑的销量和可听性，就断了这样的念头。Beyond的这个时期的五个成员，刘志远的吉他水平最高（他被称为是吉他神童），黄贯中据说是排在最后，有个八卦说黄贯中的吉他是黄家驹手把手教的，一个节奏吉他手去教主音吉他手弹吉他，听上去有点儿匪夷所思，不过这也印证了黄家驹吉他技术的高超。 Beyond的开篇之作《再见理想》，一共收录了13首歌，它涵盖了多种音乐风格，比如纯音乐作品《The Other Door》，这首艺术摇滚作品的前半部分，甚至有一种现在最流行的后摇的味道，这个时候的黄家驹，Beyond对音乐进行着探索，他们好奇却又充满着热情，而之后的Beyond又会怎么样呢？

专辑名：再见理想 发行时间：1986年3月 发行厂商：自费出版 1993年6月30日黄家驹在日本去世，终年31岁。时间永是流逝，街市依旧太平，这一晃眼就是30多年过去了，现在的香港有没有音乐圈？娱乐圈还是和过去一样风声水起吗？Beyond乐队其余的几位成员在解散乐队后，过得还好吗？黄家驹会托梦给他们，让他们重组乐队吗？这一切无从谈起，也不可言说。我们只能把耳朵和眼睛拉回到过去，连带着我们的青春回忆。我们的Beyond乐队黄家驹时代专辑赏析，从他们第一张专辑开始说起，首先是1986年3月他们的第一张专辑《再见理想》。 Beyond从1983年组建到1986年发行第一张专辑《再见理想》，这三年期间，乐队在不断磨合，成型，1983年，黄家驹的弟弟，19岁的黄家强加入乐队；1985年，21岁的黄贯中加入乐队，加上之前就在乐队的刘志远、叶世荣和黄家驹，最终形成了5个人时期的Beyond。这个时候他们的心愿是举办演唱会和发行一张属于自己的专辑，在自己筹钱举办演唱会时，他们认识了第一任老板，也就是后来和Beyond乐队恩恩怨怨很多年的陈健添。专辑中的《永远等待》这首歌，描写的就是那个时候Beyond的内心情怀：“但愿在歌声可得一切，但在现实怎得一切”。 《再见理想》这张专辑是Beyond乐队自己自费出版的，所以并没有经过正常商业模式的删减或者混音，军鼓惨不忍听，每首歌都是肆无忌惮的拉开去，时间跨度很长，像《永远等待》和《Long Way Without Friend》这种歌，1首5分钟1首7分钟，传统的唱片公司肯定不太愿意给你出版。关于歌曲长度的问题，在唱片产业化的现当代是很严肃的话题，没有人愿意花时间去听太冗长的歌，比如说Queen最脍炙人口的《Bohemian Rhapsody》，将近6分钟的长度，当初想要发表时也是饱受争议，而且这个现象现在愈演愈烈，现在的短视频平台里的热门歌曲都是非常短，尽可能在几十秒内用节奏打动你，但黄家驹的Beyond不这么想，《再见理想》这张专辑中其他歌曲，像《Myth》（神话）同样也是6分多种，无穷无尽的吉他Solo，这个当然是受到了齐柏林飞艇（Led Zeppelin）和平克·弗洛伊德（Pink Floyd）的影响了，早期的Beyond是非常靠近艺术摇滚的，《Myth》 讲述的是一个悱恻缠绵的神话故事。 分两部分的《Dead Romance》非常值得拿出来讲，创作动机来自当时香港名噪一时的十大奇案之一，雨夜屠夫林过云的连环杀人案，这样的题材在黄家驹的创作中好像是绝无仅有的。第一部分是吉他曲，第二部分加入了人声，人声部分很明显可以听出平克·弗洛伊德的痕迹，而吉他则是第二个声部，后半部分独奏的时候，情绪、画面都会具象化出现在你的脑子里。你回过头再去听纯器乐演奏的《Dead Romance Part 1》，盲人摸象但听者有心，器乐交织在一起，我个人觉得《Dead Romance》的两首歌，算是Beyond在艺术摇滚风格上的最佳作品之一。 我们将要听到的这首歌叫《旧日的足迹》，黄家驹在开场前说的这段话翻译成普通话是：这首歌是根据我认识的来自北京的朋友，他们有机会旧地重游，再回到香港之后，（我）根据他们感受和看到的东西，写成的作品。 《旧日的足迹》，同样是专辑中很著名的一首歌，专辑里收录的是最初的现场Live版本，之前说Beyond自费举办演唱会——他们是真的胆大包天，在乐队组建没多久，专辑没发行，甚至没有多少知名度的情况下，居然敢开演唱会，这在当今社会是无法想象的，为了这个演唱会，黄家驹前前后后，去做很多的工作，然后海报的设计还是他自己做的，我们知道Beyond乐队的吉他手黄贯中是一个平面设计师，但黄家驹也有着同样的才华，至于这首《旧日的足迹》，虽然有点儿粗糙，但是现在听来，是Beyond早期非常珍贵的一个现场录音，而《再见理想》这首歌， 它可以有两种理解方式：第一种是为赋新词强说愁要和理想永别说再见，第二种是再一次见到看到自己的理想,与现实结合后的感慨，你觉得黄家驹唱的是哪一种呢？这首歌的作词是Beyond后来的4人组：黄家驹、黄贯中、黄家强、叶世荣共同完成的，作曲则是黄家驹。黄家驹在后来1987年的演唱会上说，写完这首歌他激动的好几天睡不好......收录在这张专辑中的《再见理想》，同样也是非常粗糙，但却是最真实、最完整的黄家驹和Beyond乐队想表达的情感，顺便说一下，这个版本是黄家驹一个人独唱的。 黄家驹其实一直在说想要做一张吉他独奏专辑，但从未成功过，他在这张专辑里用一首叫做《木吉他》的作品过了一下瘾，和唱片公司签约之后，为了保证专辑的销量和可听性，就断了这样的念头。Beyond的这个时期的五个成员，刘志远的吉他水平最高（他被称为是吉他神童），黄贯中据说是排在最后，有个八卦说黄贯中的吉他是黄家驹手把手教的，一个节奏吉他手去教主音吉他手弹吉他，听上去有点儿匪夷所思，不过这也印证了黄家驹吉他技术的高超。 Beyond的开篇之作《再见理想》，一共收录了13首歌，它涵盖了多种音乐风格，比如纯音乐作品《The Other Door》，这首艺术摇滚作品的前半部分，甚至有一种现在最流行的后摇的味道，这个时候的黄家驹，Beyond对音乐进行着探索，他们好奇却又充满着热情，而之后的Beyond又会怎么样呢？

编者按：标题仿写自列侬《Imagine》中的歌词“You may say I'm a dreamer”，前几天无意间看到个评论说列侬是渣男啥的，就先录了这一小段。列侬、老李这样的大神，在“向偶像致敬”的计划中是每一张专辑都拿出来说一说，我会争取在2025年完成。 约翰·列侬 John Lennon 1940年10月9日出生，1980年12月8日被枪杀。 [图片] 说起约翰·列侬，头衔很多：摇滚明星、诗人、社会活动家，最近几年有些乐评人哗众取宠，给他想了一个新的头衔：渣男——说他抛妻弃子始乱终弃乱搞男女关系。这个评价真的很坏，你不能纵向的横向的，拿现在的你认为的道德标准去衡量上个世纪国外的这些艺术家，那人家还吸毒呢，你怎么不去音乐平台把他给举报了；人家还到处串联搞活动呢，比如在床上躺着反战，你怎么不去判他一个寻衅滋事罪呢。今天在选歌的时候，并没有选择约翰·列侬在披头士时代的那些歌曲，我们将要听到的是是《Nobody Loves You (When You're Down And Out) 》你失意落魄时没人会爱你。 很简单的配器，大道至简，给你讲点小道理。约翰·列侬在这个时候啥都看透了，你想想看，一个人年纪轻轻成为摇滚巨星，金钱地位美女都有了，毒也吸过了，嬉皮士也做过了，勋章也还给女王了，还能干嘛呢，摇滚明星再往上升一级，只能是宗教领袖或者政治领袖了。说实话政治这个东西他是玩不透的，从约翰·列侬的作品中可以听出来，他在政治上是属于比较偏左，但又比较混乱的，一直在调整，一直在改变，有兴趣的朋友可以去找四首歌听一下：从给《和平一个机会》到《革命》，从《权力属于人民》到《想象》，最终还是投向了乌托邦，而战争，2025年还是在继续啊。 本期选曲 Nobody Loves You (When You're Down And Out) I Don't Wanna Face It Life Is Real （Queen） [图片] 你也是个Rocker？ 约翰·列侬四部曲 Give Peace a Chance Revolution Power to the People Imagine

Queen of the Blues Memphis Minnie 孟菲斯米妮 1897年6月3日——1973年8月6日 孟菲斯米妮不是她的本名，1897年出生于美国路易斯安那州的布鲁斯女王原名是莉齐·道格拉斯（Lizzie Douglas），孟菲斯米妮相当于我们这里的杭州吴彦祖、东莞小丽这种花名，很普通但是很好记——米妮在青春期来临前就带着吉他离家出走，大部分时间站街卖唱，实在混不下去了才回家吃几顿好的，1910年开始，化名为道格拉斯小子在孟菲斯著名的比尔大街周边卖艺，也积极参与各种婚丧嫁娶的文艺演出，最底层的表演空间非常磨炼人，她的技术突飞猛进，当时不惧怕和任何布鲁斯吉他大神单挑琴技，据说她和大比尔·布隆齐（Big Bill Broonzy）比试过还赢了，妥妥的女中豪杰。 1929年，后来的蓝调女王与哥伦比亚唱片公司签约，从街头艺人进化成有唱片合约的艺人，名字也正式改成了孟菲斯米妮，作为当时绝无仅有的女布鲁斯吉他手和布鲁斯歌手，她有着出类拔萃的创作能力、演奏能力，对时代节奏的把控能力。这和当时花瓶一样的蓝调女歌手，还有更多蝇营狗苟的蓝调男歌手是不一样的，1930年开始，她陆续创作发表了《大黄蜂》（Bumble Bee）、《虎都女士》（Hoodoo Lady），在后世奠定自己蓝调历史地位的歌曲，这些经典在后世不断被致敬翻唱；而在演奏技巧方面，她有着自己独特的调音形式来改变和弦，应该说是自成一派的，更重要的一点是，她在穆迪·沃特斯（Muddy Watters）之前，就开始用电吉他了，这个时代的风向标还是把握住了。据她自己说，只是希望更准确的在喧闹的演出场所听到自己的吉他声音而已。 孟菲斯米妮的职业生涯从10年代就开始，风格是比较摇摆不定的，也说她参与亲历了音乐流派的转变，从早期的乡村蓝调，到去芝加哥后和把蓝调音乐插上电转变成新的音乐形式，而后又向节奏布鲁斯和摇滚乐变化，算是行业内的大姐头，当时她能站在舞台上是要克服巨大的困难的，性别歧视加种族歧视，当然双重歧视对于这个从小在街头成长起来的坚强女性来讲没啥用，她就像一只来自地狱的猫，非常会保护自己，这些也表现在她的作品里，嬉笑怒骂唱自己，激励后来的女性，像拉文·贝克（Lavern Baker）、玛丽亚·马尔道（Maria Muldaur）、邦妮·瑞特（Bonnie Raitt） 都受到她的影响，尤其是邦妮·瑞特，最后是为米妮的墓碑买了单。 晚年的孟菲斯米妮过得比较困苦，因为健康问题，1958年在大比尔.布隆齐的追悼会上公开演出后基本就退出歌坛了，然后中风陷入困境一直瘫坐在轮椅上直至第二次中风去世。她的经济收入和地位，说实话都是非常低，最后连个墓碑都买不起，还要邦妮·瑞特这个歌迷出资——归根结底，还是吃了种族和性别的亏。但作品还是能代表一切，正如邦妮·瑞特说的：米妮录制的数百个首歌曲是教我们蓝调的完美材料，而通过她的幻想、梦想和欲望，又能映射到我们自己。是啊，孟菲斯米妮的音乐，在喧闹的芝加哥酒吧的烟雾中，在路易斯安那州的沼泽地里、在密西西比州的棉花田里；那个无家可归的卖唱小女孩迈过孤独的道路、听到晚上的火车汽笛、见到黎明前的吸满鲜血的蚊子，筚路蓝缕，最后被誉为蓝调女王，生前却过得那么的不体面，一声叹息啊。 本期选曲 Me and My Chauffeur Blues I Got To Make A Change Blues Kissing in the Dark Down In The Alley Broken Heart

编者按：原标题是“人生赢家劳伦斯”，这个劳伦斯先生一生顺风顺水夫妻和美，实在令人羡慕，将要发表时看到时间刚好是圣诞节，就任性地改了一下，祝大卫·鲍伊、坂本龙一、北野武、斯蒂夫·劳伦斯先生们圣诞快乐。 Steve Lawrence 斯蒂夫·劳伦斯 1935年7月8日 2024年3月7日 [图片] 人生赢家史蒂夫·劳伦斯15岁开始歌唱生涯，靠着两个八度音阶的嗓子发行唱片，居然卖了十多万张，而学校居然也允许他请假出去为歌唱事业做宣传。1953年18岁的时候，开始在史蒂夫·艾伦的脱口秀里演出，这个初代艾伦秀是当时美国最火的脱口秀节目，史蒂夫·劳伦斯在节目里认识了一个叫艾迪·格美（Eydie Gormé）女生，他们组成了史蒂夫和艾迪二重唱，也组成了一个家庭。 史蒂夫·劳伦斯和艾迪·格美的二重唱组合持续了很多年，严格意义上说，是从结婚前开始，到2013年艾迪·格美去世为止，他们一直在赌场在夜总会演出，上电视上娱乐综艺，神仙眷侣到处输出纯正的保守主义价值观，唱一些那个时代特有的百老汇流行歌曲，史蒂夫·劳伦斯的标志性歌曲《我必须成为我》（I Gotta Be Me），就是来自1968年他和艾迪·格美主演的百老汇音乐剧《金色彩虹》。虽然很受欢迎，但好像只局限在主流的电视平台上，二重唱在排行榜上并没有取得好成绩——毕竟50年代末，猫王开始接管电台和唱片市场了，史蒂夫·劳伦斯一度也被要求去学猫王，很多年以后，他接受采访说：“我们有机会抢占摇滚乐的先机，那是1957年，一切都在改变，但我想成为法兰克·辛纳屈，而不是瑞奇·尼尔森”。 史蒂夫·劳伦斯长得也算可以，文质彬彬，但没有成为猫王或者瑞奇·尼尔森的能力，完全是两种气质嘛；他虽然和猫王同岁，但比较老派，骨子里认为喜欢摇滚乐或者唱摇滚乐的人没有受过教育或者不太聪明，这个其实，怎么说呢，早期的摇滚乐确实是这样。 有一说一，史蒂夫·劳伦斯在夫妻档外的个人作品更为出色，无论是电影电视或者唱片，在保守派抵制猫王和披头士的年代，算是中流砥柱之一。1962年，史蒂夫·劳伦斯的冠军单曲《小女孩走开》（Go Away Little Girl），登上了Billboard Hot 100的榜首，50年代到60年代中期，他大概有5首歌进入了Billboard的前十名，当然重心还是在赌场夜总会的现场直面观众或者在电视机里的表演，这是他的初心；另一方面，他虽然没有成为法兰克·辛纳屈，但成了法兰克·辛纳屈的好朋友。在70年代之后，年纪越来越大，越来越德高望重，老艺术家史蒂夫·劳伦斯不再在赌场歌唱，而是带着百老汇音乐转场走进了音乐厅，继续输出那些被新人类视为固执的落伍的保守的音乐，直至去世，但是他的音乐已经成为样板，不会离开。 本期选曲 Party Doll Side By Side Yet...I Know Go Away Little Girl I Gotta Be Me

Mahalia Jackson 马哈丽亚·杰克逊 1911年10月26日——1972年1月27日 福音女皇马哈丽亚·杰克逊的原生家庭有着比较古板的宗教氛围，4岁开始在教堂唱歌，童年青少年时代的音乐活动仅限于此，但，还是偷偷在听贝西·史密斯（Bessie Smith）这种布鲁斯女歌手的作品，这个带给她的影响比较深，让她的福音音乐更多了一些讨巧的节奏和动作。16岁的时候，因为独特的女低音被选为唱诗班的独唱歌手，然后慢慢获得关注，到了1934年，她23岁的时候，发行了自己的第一张福音专辑。 福音音乐始终都是小众音乐，不管你是什么种族，年轻人都不太喜欢劝人为善唠唠叨叨的音乐，而中老年人的购买力又低，福音音乐想要生存除了靠歌手本身巨大的吸引力之外，大多数情况下只能不断地向流行音乐靠拢，最好的方式是理解流行音乐、成为流行音乐、超越流行音乐，但基本上不太可能，稍微一改动保守派就受不了。马哈丽亚·杰克逊其实也是一样，30年代到40年代，基本上就是不温不火，直到1948年发表单曲《向上走一点》（Move On Up a Little Higher），这张历史上排名第一的福音唱片让她成为了超级巨星。 50年代开始，马哈丽亚·杰克逊在福音音乐这个领域成为了顶流，接下去一连八张唱片，张张都达到了百万销量，这对于福音歌手来说非常不容易，而且她的音乐并不是只局限在美国，在欧洲也有很好的销量，主要的原因还是她的风格有股浩然之气，让人肃然起敬，但又很自然的和爵士灵魂乐甚至布鲁斯悄无声息地融合在一起，这就让年轻人乃至中老年人都会喜欢她。这个时候她开始开辟另一个赛道——我们知道很多歌手是唱而优则演，她当然也上电视甚至演电影，但最主要的还是去参加黑人民权运动，在录音室和舞台之外展示其强大的影响力，这真的是身体力行的去推波助澜，马丁·路德·金那个著名的演讲有一个梦想，很多人其实不知道，正是马哈丽亚怂恿让他说出这个梦，于是才有了这个演讲，即兴脱稿的经典演讲。 作为福音女皇（注意，这里我们用的是女皇，不是女王），马哈丽亚·杰克逊的地位在福音音乐界独一无二，1972年去世之后，至今都没有人能超过她的成就和地位，当然这也和福音音乐的江河日下日渐式微有一定的关系。在我看来，如果没有太大的变故，福音音乐不会再在音乐市场上占有较大的比重，而这个威严神圣的女低音，还会在这个殿堂的宝座上停留很久。 本期选曲 Trouble of the World You Must Be Born Again Move On Up a Little Higher We Shall Overcome Come On Children, Let's Sing

Andrew Wood（Mother Love Bone） 安德鲁.伍德 1966年1月8日——1990年3月19日 说起西雅图Grunge四巨头：涅槃、珍珠酱、声音花园、爱丽丝囚徒，总是逃避不了西雅图死亡链这个话题，这大概是一个诅咒，大多数西雅图乐队都因为这个死亡链破败凋敝，而珍珠酱乐队是个例外，基本上全员健在，主唱艾迪·维德（Eddie Vedder）也没死，有人说是因为珍珠酱乐队的前身妈妈爱后进生乐队的主唱安德鲁.伍德已经代替他去死了，这个就有点儿意思了，我们知道撸铁会有肌肉代偿，这个主唱去死的诅咒，也可以代偿吗? 妈妈爱后进生这个名字很古怪，不知道是谁翻译的，也有翻译成是妈妈爱用功生，但Mother Love Bone的直译应该是妈爱骨，骨头的骨，估计是有什么俚语衍生出了不一样的解释，我们在后面统一说妈爱骨乐队。1987年，安德鲁.伍德组建这个乐队之前，在西雅图地下摇滚圈沉浮已久，1980年14岁就和哥哥组乐队Malfunkshun——这个不知道是生僻字还自己组合的文字，玛凡克顺，麻沸散？虽然不知道是不是麻沸散的意思，但安德鲁在12岁就开始酗酒和抽大麻，15岁进阶到迷幻药，20岁开始沉溺于海洛因；与此同时，也表现出了卓越的早熟的创作能力，因为喜欢埃尔顿·约翰（Elton John）和KISS乐队，在演出的时候喜欢华丽的服装和靓丽的浓妆，而在音乐风格上，他把朋克和金属音乐这两个听上去水火不容的音乐融合在一起，这个我觉得和他的偶像，华丽摇滚的鼻祖T. Rex乐队的马克·波兰（Marc Bolan）很像，挖空心思想要成名做一个摇滚巨星，到了1987年，玛凡克顺和另一个定义了早期Grunge风格的乐队绿色河流（Green River）合并同类项，正式组建了以安德鲁.伍德为核心的妈爱骨乐队。 妈爱骨乐队的风格是早期的Grunge，这种音乐风格的爹妈是朋克和金属，朋克那里拿一段RIFF，再加点金属的元素，最明显的就是吉他的过载和失真都是加大的，贝斯也是突突突的加大音量，整体上听上去有一种，我以前经常说水泥搅拌车的感觉。事实上妈爱骨乐队当时做的并不纯粹，他们唯一的专辑《苹果》（Apple）涵盖多种风格，专辑的开门第一首《This Is Shrangila》，明显的枪炮与玫瑰的硬摇滚风格，这和安德鲁.伍德个人早期受到的影响有很大的关系，第二首《星犬冠军》（Stardog Champion）开头那几句是枪花的范儿，编曲又是简的嗜好（Jane's Addiction）的痕迹。在模仿、嫁接和创新里，安德鲁.伍德带着他的妈爱骨乐队交出的答卷，是非常出色的，可盐可甜，各种风格的乐迷都能够接受。 安德鲁.伍德在妈爱骨乐队作为主创核心，在这一张死的专辑中写了全部的歌词和一部分音乐。奇怪的内省歌词和旋律的敏感性让乐队的发展顺风顺水，他们在当时普遍不景气的西雅图乐队中脱颖而出，被众多唱片公司关注，最后和宝丽金唱片签约，唱片公司热捧的其实还是主唱了，这个华丽摇滚的拥趸当然不是什么反商业摇滚明星，在专辑即将发行的时候，安德鲁.伍德一边嗑药喝酒，一边洋洋自得地说：“我想让全世界知道，妈爱骨即将到来……接管世界。”，的确，西雅图之声确实到来了，但主角不是他，安德鲁.伍德在唱片发行的成名前夜吸毒过量去世，本来要成为Grunge先行者的妈爱骨乐队最后改组成为Grunge四巨头里最低调的珍珠酱，伴随着西雅图之声到来的，还有西雅图死亡链，不知道这是不是来自安德鲁.伍德不甘心的诅咒。 本期选曲 Come Bite the Apple This Is Shrangila Stardog Champion Man of Golden Words Gentle Groove