大家好，欢迎来到设计史太浓栏目，我是远麦刘斌！ 今天跟大家讲一下古罗马风格！ “古罗马风格”的时间范围一般视为公元1-9世纪之间，并且特指疆域集中在地中海沿岸时期的设计艺术风格。 首先说一下这个风格的来源！ 话说公元前146年，古罗马人消灭古希腊之后继承了古希腊大部分文化，比方神话故事、哲学思辨、政治理念及艺术形式等。 古希腊人民热爱艺术创作。 他们的艺术创作主要集中在人体雕塑与建筑，艺术顶峰时期是公元前470年到公元前430年左右。 雕塑代表作有《宙斯》、《掷铁饼者》等，表现特征是力量、平衡与和谐。 而建筑通常以神庙为主，代表作是用于祭祀的 “帕提农神庙” 。 帕提农神庙展现的是秩序美，里头有一排排熟悉的柱子，这些柱子后来就被大家称作罗马柱。 所以我们首先清楚，古罗马风格是基于希腊风格发展而来的。 最能体现古罗马风格的巅峰之作首先是斗兽场。 斗兽场在公元72至80年间由4万名战俘用8年时间建造起来，专为奴隶主看角斗而建造，角斗方式就是勇士与野兽进行搏斗，直至其中一方死亡，十分残忍。 如今我们看到的斗兽场并不完整，是大半个骨架，从外观看斗兽场是正圆形的，如果用无人机上空俯瞰则是椭圆形。 这座椭圆形建筑占地2万多平方米，足足可容纳5-8万人，整个工程耗费了大致10万平方米大理石。 罗马斗兽场的建筑样式是如今所有现代化大型体育馆的雏形，因为具备优良的功能结构，比方场内假设发生灾祸，几万名观众可以从每个出口井井有条的撤离。 能做到这一点是因为罗马斗兽场底部的3层分别由80个圆拱门构成。 这种结构方便人员流动，为我们展示出古罗马风格最基本特征，就是柱式及圆拱。 这些柱式来自古希腊经典三柱式，分别是多立克柱、爱奥尼克柱与科林斯柱。 为方便大家记忆与理解，我们形容为“离子烫”、“大波浪”及“杀马特”，下面分别谈谈各自的特点。 1、 多立克就是离子烫：这种柱式朴素庄严，柱子与梁之间的链接方方正正，如同女生做了离子烫一般，一般法院与国会最喜欢用，前面谈过的帕提农神庙正面就使用了这种柱子，而罗马斗兽场第一层使用了这种柱式。 2、 爱奥尼克就是大波浪：这种柱式轻松优雅，因为柱子与梁之间加入了卷曲造型装饰，好比板着脸的人有一些笑容，一般酒店或者娱乐场喜欢采用，叫“迎宾柱”，罗马斗兽场第二层使用了这种柱式。 3、 科林斯柱就是杀马特：这种柱式给人一种华丽个性的感觉，因为柱子与梁之间换成了类似植物枝蔓的装饰，像“爆炸头”，罗马斗兽场第三层采用了这种柱式。 罗马后来基于这些柱式基础又发展出“塔斯干柱“与”混合柱式“，无非是变粗、拉长与叠加一类操作，万变不离其宗。 接下来我们谈谈“圆拱“。 这种结构属于古罗马发展出来的建筑语言，原理是利用块料之间的侧压力建成跨空的承重结构，喜欢玩积木的朋友就能很好理解，这种方式可以将门建得很大而不会坍塌。 比方公元3世纪建设的“君士坦丁堡凯旋门”，21米高，其次是19世纪初拿破仑50米高的“雄狮凯旋门”。 但真正体现“拱”这种高超技术的其实是“穹顶“，代表作是公元前27年建好的罗马万神庙。 罗马万神庙是至今保存最完整的罗马帝国时期建筑，弥足珍贵，是最初罗马人供奉众神的场所。 万神庙顶部的悬空半圆结构直径达43米，从神庙的刨面图来看，顶部半圆与底部空间恰好构成一个完美圆形。 这样雄伟的构造就单纯靠拱结构技术及来自火山灰泥的粘性混凝土，让人叹为观止。 穹顶中间开了一个8.9米直径的圆洞，天气不错的时候日光透过此洞照亮神庙内部。 而晚间月光明亮时也能照进来，营造很好的气氛，好像能跟罗马众神在线沟通一样，十分重要。 另外这个孔其实还有日晷（gui3）的作用，因为白天随着时间变化光斑会移动，让大家感知时光流逝，这是切实的功能性。 万神庙里面我们会看到不少熟悉的罗马柱及雕塑作品，那时候建筑基本都跟雕塑共生，也许跟建筑师大部分都是雕塑家相关。 今天关于古罗马风格的分享先到这里，感谢各位，下期再会！ --------------------------------- 即刻@远麦刘斌 图文版本欢迎关注公众号：设计史太浓

今天我们来讲一下拜占庭风格。 首先，我们要了解“拜占庭”是什么意思？ 这个词汇源自希腊语：Βυζάντιον，很久之前属于古希腊区域的一个城市，相传建立于公元前658年，城市领主名为拜占斯（Βύζας）。 到了公元4世纪中期，这个地方发展成东罗马中心，更名为“君士坦丁堡”（Constantinople），所以东罗马也被称作“拜占庭帝国”，本期故事从这里展开。 当前，君士坦丁堡属于土耳其，且已更名为“伊斯坦布尔”（Istanbul）。 如今回望拜占庭风格大家都会说复古，可在当时，拜占庭艺术就是尖端时尚。 一种文化艺术的输出与流行，离不开所属国的综合国力。 东罗马（公元395年-1453年，后面以拜占庭帝国称呼）从建立到消亡延绵1000+年，是欧洲历史上最悠久的君主制国家。 大致在公元9-10世纪前后，拜占庭帝国的繁荣强大达到峰值，君士坦丁堡成为当时世界商业中心，链接东西方。 阿拉伯、法国、德国、意大利跟亚洲国家的商人们频繁来往这里进行交易，也因此将拜占庭风格带到世界各地。 其中西方艺术家们对商人们带回来的拜占庭装饰品十分感兴趣。 他们认为这是种神秘的先锋艺术，值得仔细研究，可从中摄取创作灵感，因此我们会在后续出现的哥特艺术中看到拜占庭影子。 那么拜占庭艺术到底有什么特色呢？ 主要有以下三方面： 其一、以古希腊古罗马艺术为汤底，融合东方装饰艺术。 其二、与基督教文化密切结合，带有官方色彩，富丽堂皇，繁复多彩。 其三、成熟后在绘画及雕塑中形成程式化与脸谱化的创作审美标准。 拜占庭帝国建立81年后（公元476年）西罗马就覆灭了，它的覆灭被后世普遍视为“中世纪”的正式开端。 然后14世纪开始的文艺复兴被算作中世纪结束，前后大致1000年。 屈指一算，跟拜占庭帝国存在的时间基本重叠，所以拜占庭艺术占据“中世纪艺术”很多戏份。 同属“中世纪艺术”的还有盛行于11-12世纪的“罗曼式艺术”（跟古罗马艺术不同）及盛行于12-15世纪的“哥特艺术”。 历史上每种艺术风格都有自己的拿手好戏，或者“招牌菜”，比如古埃及的几何巨石建筑、古希腊的唯美人体雕塑、古罗马则是柱式大穹顶神庙。 拜占庭艺术最为人津津乐道的则是马赛克镶嵌画。 镶嵌画属于一种古老装饰艺术，可以追溯到公元前3000年前两河流域北部的“闪米特人”（Semitic）。 古希腊、古罗马及其它一些古代文明都曾广泛使用，所以这并非拜占庭帝国的原创，没有独家版权，属于继承与发展。 镶嵌画的制作方式像玩拼图，一般采用有色玻璃、石头、大理石、木头、陶器等为原料，铺拼到有结合剂或者石膏灰浆的面上，形成一个主题画面或者图案花纹。 而且创作不限平面，可以用于墙壁、天花、地板、雕像、家具、甚至饰品上面。 我感觉印象派中的点彩派就像更平面化的拜占庭镶嵌画，大家做起来都费工夫，都不像传统绘画，一个靠拼，一个靠点，遥相呼应。 艺术流派中的类似呼应很多，比如毕加索的立体主义跟古埃及的正面律也相似。 拜占庭帝国属于典型的政教合一制度，意思是国王身兼教皇，因此相关艺术有浓厚官方色彩。 大部分镶嵌画主题都跟宗教故事或者当权者相关，又或者将两者糅合做个新主题，类似日本“同人漫画”的再创作。 最著名的拜占庭镶嵌画有创作于公元547年的《查士丁尼及其随从》（Emperor Justinian and His Attendants）。 查士丁尼（约公元482年—公元565年）是当时的拜占庭皇帝，他经常发动战争，一心希望恢复罗马帝国的昔日辉煌。 这幅画描绘了他跟大臣们手捧圣器向基督献祭的场景，整体色彩缤纷明快，细节繁盛但有序精致，给人一种富丽浓郁的神圣感受。 位于中间头戴五彩珠玉帽子，身穿紫红色长袍，目光坚毅之余面露微笑的就是查士丁尼大帝。 两边随从卫士的衣服颜色都取自查士丁尼大帝身上色调，这是种创作手法，让画作主角显得众星捧月一样高贵，跟我们做设计时候吸取主体颜色做背景色的原理一样。 画中的人物比例特意拉长，跟现代人通过广角镜头或者后期修图让男性显得高大女性显得修长一样。 如此一来人物形象更具有视觉冲击力，让人不自觉的肃然起敬。 算上查士丁尼大帝画面合计13个人（也有人算作12人），暗含基督与十二门徒的意思，符合前面说的宗教与现世主题的“同人创作”。 在此作品中我们感受到人物有种刻意营造的宗教化威严，类似特色在拜占庭绘画艺术中延绵很长时间，成为我们说的脸谱化特征。 关于脸谱化问题，在圣像画中尤其严重，很多限制了标准画法，符号固定，师徒相传，不得随意发挥，刻板僵化，这其实也为文艺复兴的爆发埋下伏笔。 创作《查士丁尼及其随从》这幅画的艺术家用了不少名贵材料，包含金银、珠玉、彩色玻璃、大理石等，完全符合甲方身份，不掉档次，同时这些用料也决定了画作质感。 由此我们发现镶嵌画的一个特色，就是颜色普遍来自材料原色，原汁原味。 如今我们绘画用色已经很简单，有大量现成颜料制品，而在过去想获得特定色彩很困难，而且不同色料的成本差别很大。 因此很长一段时间甲方找画家创作都要指定颜色用料，避免画家滥竽充数挤出利润，这方面以后机会谈色彩史时候再跟大家展开。 接下来我们从绘画跳到建筑，跟大家谈谈拜占庭帝国建筑有什么突破。 拜占庭建筑代表作其实算是广为人知，就是如今位于土耳其的“圣索菲亚大教堂”（Hagia Sophia）。 在基督教的艺术史中，就影响力而言，没有任何一个教堂可以跟它相提并论，俗称没对手。 这种影响力主要在两个方面。 首先是圣索菲亚大教堂开创出一种全新建筑风格，这种风格介于古罗马跟后来的哥特之间，恢宏大气又重视细节雕琢，自成一格，承前启后。 这种风格属于传统西方艺术跟波斯艺术、两河流域艺术+叙利亚艺术的一种融合结果。 其次则是它破天荒的实现了庞大空间组合，这个后面再细说。 圣索菲亚大教堂命运多舛，始建于325年，404年被一场大火烧毁，被修复后在532年又因为一场暴动被再次焚毁，于是再次重建，直到如今，屹立1500年。 当时修建它的皇帝可真巧了，就是查士丁尼大帝。 查士丁尼大帝当时委派的两位主创设计师分别是物理学家跟数学家，搞物理那个叫伊西多尔（Isidore of Miletus），搞数学的叫安提米乌斯（Anthemius of Tralles）。 这样的安排其实有深远意义，就是查士丁尼认为这教堂要么不重建，重建就必须超越所有网红古建筑。 所以按甲方第一逻辑，就是要大，很大，非常大。 这方面纯粹的设计师技能已经无法满足查士丁尼的欲望，而且设计师还喜欢劝甲方要小才精致之类，因此只能作为副手帮忙装饰，或者提供风格建议。 当时经过一番研究，大家决定对标西罗马的“万神庙”，因为万神庙以超大穹顶著称。 三军未动，粮草先行，查士丁尼给足了建设经费，因为除了大，他还希望圣索菲亚大教堂极尽奢华，他对美的鉴赏主要就是铺张。 如此一来苦了百姓，因为预算大部分来自新税征收跟民间金银的搜刮。 经过两位数学方面专家的加持，圣索菲亚大教堂顺利完工，东西长77米，南北长71米，高度达到惊人的54.8米，其大穹顶足足比万神庙高了11米多。 大家要清楚这54.8米下方是中空的，相当于一栋18层的高楼都可以塞进去。 而且万神庙的大穹顶主要靠6.2米的厚墙支撑，而圣索菲亚大教堂的墙轻薄很多，并且还敢开窗，可谓艺高人胆大。 那是如何做到的呢？ 原因就是那位听起来很像“提拉米苏”的数学家安提米乌斯通过大量计算提出了精彩的“三角穹窿”方案。 这个方案的原理是将教堂最大的穹顶架在下面四个大圆拱上，形成一个三角区，这个区域再将建筑分量聚焦卸到地面，如此一来实现它的宏伟高度。 查士丁尼为此笑得合不拢嘴，欣慰自己英明的用人策略。 接下来看看内部，圣索菲亚大教堂的陈设跟装饰都富丽堂皇，比如巨大读经台上方高悬的十字架就由黄金、珍贵宝石跟大理石组合而成。 圣坛的栏杆是纯银材料，一些列柱还让当时拜占庭最顶级的艺术家设计了一系列宗教浮雕，如基督、圣母、天使跟先知等。 祭坛也是黄金做的，在耀眼的表面镶嵌了宝石跟法郎，祭坛华盖向下延伸的4根支撑柱子也镀了黄金。 每当大教堂晚上举办盛大活动，时常金光闪闪，非常明亮，因为除了各种宝石、贵金属装饰之外，内部至少还有6000个镀金烛台。 奢华程度，震古烁今。 而由圣索菲亚大教堂开创的这种建筑风格也成为建筑史宝贵资产，被后世吸纳与发展。 拜占庭艺术除了马赛克镶嵌画跟建筑之外，其实还有精美的象牙雕刻艺术。 这种雕刻艺术具有同样的时代特征，比如人物都是一副苦瓜脸，但不妨碍我们欣赏他们的精湛造型装饰技法。 关于拜占庭艺术的分享就到这里，感谢各位，下期再会，拜拜！ ---------------------------------------- 即刻@远麦刘斌 图文版本欢迎关注公众号：设计史太浓

今天我们来讲古希腊艺术 “古希腊”并非一个国家概念，而是指一个区域，这个区域在过去包含巴尔干半岛南部、爱琴海诸岛跟小亚细亚沿岸。 古希腊的历史在广义上包含爱琴海周边诸多文明在罗马人征服前的全部历史，所以能追溯到公元前3000多年前。 而古希腊人所创造的辉煌是在公元前450年之后不到300年的时间完成的，这种辉煌包括建筑、雕塑、绘画、戏剧、诗歌，还有政治制度跟哲学等等。 其实14世纪的文艺复兴就是要复兴古罗马与古希腊艺术，而18世纪下半叶诞生的“新古典主义”还是继续学习古希腊与古罗马，所以古希腊被视为西方艺术源头，也是蒋勋先生所说的“美的起点”。 古希腊在艺术成熟时期的特征大致有三点： 其一是唯美而写实 ，其二是庄重而单纯，其三则是典雅而精致。 可惜因为古希腊艺术的发展漫长，过程中很多作品已经完全散失。 房龙在《人类的艺术》一书中谈过古希腊早期的建筑跟雕塑都以木头为材料，所以现代已经没有踪迹，佐证这个说法的是古希腊中“雕像”一词的原意是“擦和刮”。 某些古希腊雕塑所以僵直也许跟这个相关，比如“古风时期”的大理石雕像，其中对人物毛发衣物的处理普遍下垂，不像后来那么流动飘逸。 这跟过去使用木质材料顺着纹理下垂容易处理有关系，所以形式被保留下来，就像以后话筒消失，但打电话的图标还是个话筒。 古希腊的古风时期大致在公元前625年到公元前480年左右。 这个阶段最为人津津乐道的就是人物雕塑上的“古风式微笑”，俗称“皮笑肉不笑”。 雕塑普遍只是通过嘴角上扬来象征性假笑，而配合假笑的还有僵硬简陋的身体，这个假笑特征在古希腊雕像中足足保留了1个世纪，而且很多时候还会看到突出的眼球、突起的颧骨跟突出的方形下巴。 这样又让人感觉他们的目的好像不完全为了画得像，因为很多原始雕塑都有这些特征，我们在一些资料中惊喜发现，古希腊人在公元前7世纪左右跟古埃及有过交集。 所以这些僵硬姿态的雕塑也许是受了古埃及正面律的影响，就像小朋友刚刚学画都要临摹，看到谁就学谁。这方面的典型代表作品叫“提尼阿波罗”，属于古风时期难得保存完整的雕像之一。 它除了有典型的古风面部特征外，创作手法也稚嫩，比如人体结构缺乏细节，或者对人体结构出现错误表达，比如膝盖等等。 古风时期的雕塑家们跟我们刚刚学绘画一样，对衣服布料一类的皱褶无从下手，左右为难，因此最后一般都雕成了紧身衣。 古希腊的神话中有个重要特征，叫“神人同形同性”，意思是他们的神长得跟人一模一样，很少有古埃及的半兽人，或者中国神仙与妖魔鬼怪。 而且除了大部分看起来跟人一样，七情六欲也差不多，古希腊艺术跟古希腊神话关系密切，比如雕塑就特别像神话故事里的各种“手办”。 例如“米洛的维纳斯”（Venus de Milo）跟“拉奥孔和他的儿子们”（The Laocoon and his Sons）都在讲述众神的故事。 而且古希腊很多著名雕塑其实都属于罗马时期的复制品，所以原作极可能水平还要高。 典型的如掷铁饼者（Discobolus），这个作品大约创作于公元前450年，创作者米隆（Myron），根据记录他主要做青铜雕塑，还有黄金象牙雕塑，基本不用大理石，而古罗马复制品则是大理石。 古希腊雕塑从这个阶段开始就可以将人体塑造的特别写实，大凡裸体都健康自信，有种纯粹的美。对于动作、发型及衣服皱褶的处理也不成问题，技法像行云流水一般意气风发，比如“依靠的萨提尔雕像”。 还有我个人非常喜欢的“坐着的拳击手”青铜雕像，看着雕像似乎就能感受到他下场休息的疲惫，还有对自己表现感到不满的情绪。 接下来跟大家讲一讲帕特农神庙跟它的浮雕。 帕特农神庙大约在公元前438年完成，供奉了象征智慧、艺术及战争的女神雅典娜。 神庙呈长方形，有半个足球场大，因为巨大的平顶结构，由合计46根高达10米的大理石柱支撑，这些石柱就是罗马柱的原型，这些放在罗马篇章再细说。 古希腊大部分神庙基本上就是帕特农神庙的拉长或者缩短版本，或更简陋或更精致，基本建造原理及风格特征都很一致。 神庙包含雕塑的部分主要集中于两端的山墙（三角形态）跟四周的中楣（四周的装饰带）。 另外就是放置神庙内部的雅典娜神像，神像据说采用木制，高13米，有大量象牙、黄金及宝石装饰，在拜占庭帝国时期就已经被“分解”。 目前神庙外部幸存的作品大部分断胳膊缺腿，很多连头部都不见了，但不妨碍我们感受古希腊这方面的高超技艺。 比如位于神庙南面保存最完好的“人头马跟拉庇泰族人（Lapiths）“之间的打斗场景，人物姿态充沛有活力，神情生动，富有情节与戏剧性。 又比如神庙东面三位大神一起聊八卦的群雕，分别是波塞冬（Poseidon，海神）、阿波罗（Apollo艺术之神）与阿耳忒（tui）弥斯（Artemis，狩猎女神），三人动作自然利落，身上布料流畅顺滑。 还有位于山墙上依靠石头，神情安逸的忒修斯（Theseus，传说中的雅典国王）雕像，这几乎就是一个独立雕塑，虽然残缺非常严重，但对于人物栩栩如生的刻画表露无疑。 帕特农神庙的诸多作品其实风格有差异，明显是一个团队的协作成果，因此雕塑水平有参差，具体是哪些创作者我们已经毫无证据。 关于古希腊艺术的分享到这里，感谢各位，下期再会，拜拜！ --------------------------------------------------------------- 即刻@远麦刘斌

今天我们来讲古埃及艺术！ 如果说史前艺术属于人类的童蒙时代，那么古埃及时期就是孩子上学了。 公元前3000年左右古埃及人发明了称为“神的语言”（eroglyphics）的象形文字。 有了文字，文明就能积累，艺术也开始有了可延续发风格，所以古埃及通常也被研究者定义为艺术的一个起点。 艺术有三件套，建筑绘画与雕塑，三件套在古埃及时期就形成独特的表达方法。 这种表达方法就是我们常说的风格，风格的本质定义是可概括，可识别，可学习。 古埃及的艺术风格概括起来有3各特征： 其一是严密精确，其二是高度几何、其三是有超现实主义气质。 最后一点跟他们对死亡和神明方面的认知密切相关，这些艺术特征我们放到三件套中跟大家来探讨。 首先是建筑，谈古埃及建筑大部分人只想到金字塔，其实还有神庙、城市跟大型纪念碑。 第一座埃及金字塔是建于公元前2686年的乔赛尔（Djoser）梯形金字塔，有六级台阶，高达60米，根据文献记录，这些台阶是为了方便法老攀升天堂使用的。 法老在古埃及语中是“大房子”的意思，后来延申为“住在大房子里的人”，最后变成国家元首。 古埃及时代从法老到平民百姓都认为人死后的生活就是现实生活的延续。 所以法老跟贵族们都希望死后仍然能享受现实生活的一切，因此陪葬物品衣食住行样样俱全，一些直接用实物，一些就用雕塑或者壁画进行象征表现。 那么埃及最大的金字塔胡夫金字塔属于梯形金字塔的升级版，称为“斜面金字塔”，是个完全几何的四棱锥，对称、比例准确，线条精密。 每个巨石构件都平整光滑，大小基本一致，让金字塔整体呈现出简洁有力的造型。 据说之前外层还有精美坚硬的石头外壳，后来被阿拉伯人在开罗建造清真寺的时候敲掉运走了，导致金字塔遭受千年风化，层层剥落，因此矮了一截。 除了金字塔，古埃及的代表建筑还有被誉为“百门之城”的底比斯都城，里头用石头建造的宫殿恢宏大气，结构严密，重视对称和平整，明显在修建前有过周密计划和严格计算，整个都城呈现高度秩序的几何形态。 这样的特征也延续到雕塑跟绘画当中，属于古埃及人骨子里的审美意趣。 古埃及雕塑有超越时代的成熟，其中主要体现在人物刻画上，尤其是五官跟表情，这方面的代表作品有创作于古埃及第四王朝（公元前2500年左右）的“村长像”。 这个被雕刻者其实名为卡别尔王子，属于王族庄园管理者，当它第一次在墓地出土的时候，被在场一位阿拉伯工匠惊呼“这不就是俺的村长吗？”而得名，由此说明雕像非常逼真。 村长像由木头雕刻，身体躯干同属一块原木，而两个手臂是单独雕刻后组装的。 它神情严肃，有沉默的威严，最大亮点在眼睛，眼球采用透明白石英镶嵌在青铜外壳中，眼珠采用黑水晶。 而且眼睛后面居然还隐藏一枚闪闪发光的钉子，当人物出现在光亮处的时候眼睛就能散发出真人一般的光芒。 同样著名的另一个雕塑也来自第四王朝，叫“拉霍泰普和奈弗莱特坐像”，“拉霍泰普”是法老儿子，“奈弗莱特”就是他的妻子。 这组雕像保存完好，颜色鲜艳，工艺精湛，如果“村长像”叫逼真，这组雕像简直栩栩如生。 据说当时发现它们的工作人员误以为是俩真人坐在那里瞪他，吓得手足无措。 这对夫妇的姿态跟村长像一样很保守僵硬，这跟大部分古埃及出土的人物雕像一样，很难看到自由运动的形态，无论站着、蹲着、躺着身体跟头部都一律向前看，手脚动作也很克制。 这也是后世诟病古埃及雕塑呆板的理由，他们为什么要刻意将人搞成这样呢，那不得不说古埃及艺术创作中重要的“正面律”规范。 这种规范就跟品牌VI那样重要，但我们放到绘画环节来讲会比较清楚。 古埃及雕塑除了人物，还有不少超现实主义生物，这些生物通常是人畜混合体。 比如胡狼头的阿努比斯（Anubis）、母牛头的哈索尔（Hathor）、鳄鱼头的索贝克（Sebek）跟最著名的狮身人面像斯芬克斯（Sphinx），其实他们都是古埃及人的神灵。 这些神灵具体有什么业务范围跟创业故事让人很头痛，所以这方面话题还是留给讲神话的朋友。 最后是绘画，古埃及绘画很像平面设计，因为内容都是图文并茂，还有各种像图标一样的神秘符号。 这里正式解释一下正面律，正面律的核心创作思想用一句话可以概括，就是：从最具辨识的角度将人物画得最完整。 正面律的产生源于古埃及相信人的灵魂永远存在，死了的人都会到冥界冒险走一趟，假设能平安回来，灵魂就会回到身体，这也是古埃及人制作木乃伊的根本原因。 而各种壁画跟死亡书负责打配合，描述死去的人生前有什么故事，拥有什么，方便死者灵魂能够顺利准确找回自己的躯体。 所以画面中的人物如果身体缺少某些部分，死者回来就变残疾了。因此当时一个合格画家不是要画得多美，画得多像，而是首先要将甲方画得够完整。 于是他们研究出一套方法，比如画头部一律侧脸，这样容易画出鼻子，画眼睛却要用正面形态，不然是畸形，然后上半身采用最完整的正面姿态，下半身却要侧面两腿劈开，不然识别不了脚，如此倒腾，古埃及绘画中的人物就符号化了。 这些符号化人物通常会出现在具体生活场景中，跟各种物件组合搭配，这些物件通常是供品，但不管内容多复杂，情节多曲折，古埃及人都能将相关元素安排得井井有条，高度秩序。 试问这不是平面设计是什么呢？ 古埃及的绘画通常使用6-8种不同颜色的矿物质颜料，因此可以保存很久，不会因为光线照射而变色。 而且他们居然是采用“网格法”画壁画的，原理是在草图中打上规范的方格画草图，通过计算将草图放大复制到墙壁。 推测就是因为这种创作方法让他们的绘画风格高度几何化，因为这样才好复制，不然像中国山水画那样写意麻烦就大了。 关于古埃及艺术分享到这里，感谢各位，下期再会，拜拜！ --------------------------------- 即刻@远麦刘斌

今天我们来讲史前艺术。 一般来说，文字没被发明之前的历史就称作“史前时期”，根据推测，这个阶段大约占据人类历史存在总时长的95%，非常漫长。 虽然当前我们好像有蛮多史前文化的研究资料，但其实整个学科是从19世纪才开始形成。 ... 欢迎关注公众号：设计史太浓 视频版本欢迎到B站检索“设计史太浓” 完整图文版本欢迎到知识星球检索“设计史太浓” 已出版相关书籍在当当、京东等平台均有售，感恩支持： 01、《设计大师启示录》 02、《创意国家漫游记》 03、《艺术风格启示录》 04、《设计风格启示录》