Bad Talks - 节目列表

很多音乐人的舞台状态和生活状态相差很大，但Yufu身上有种很少见的一致性，台上台下的气质几乎没有切换，他喜欢并创作70年代风格的灵魂乐，永远以70年代的造型示人。 选择这样的生活方式和包装艺术角色无关，复古让他们感到自在，观众的第一印象成为了艺术家的本质——把音乐视为生活本身的人生选择。本期节目中，Chace和Yufu展开聊了聊这样人生选择背后的方方面面。 02:16 影响Yufu的专辑和艺术家们 06:15 特殊时期做迷幻（心情没那么好的音乐） 08:37 七十年代的音乐人必须靠 raw talent 生存 13:26 低能量艺术家需要怎么打开自己 25:24 对造型表达的理解变化，从华丽到遮羞？ 29:43 生活中穿工作的衣服，工作中穿生活的衣服 39:12 联觉的创作：用温度去测量音乐 42:41 边骑摩托边写歌的大脑巡航状态 52:22 HMA特别现场攒局幕后 @HOPICO周杨 58:04即兴合作、A&R，writer's block 01:10:52“音乐市场里需要你这样诚实的艺术家”

身处AI时代的音乐人们，为什么总在反复回望“黄金年代”？过去的人未必真的更懂，只是他们做事情的标准不在于成本控制，他们更敢相信、更愿意沉浸、更容易have fun……这期节目里，你可以听到肖老师和Chace关于AI的许多切身思考—— 无论是创造还是感受，技术、人味儿、情绪浓度终究都是见仁见智的事。令人焦虑的是，当效率成为默认的正确答案，创作者是否还有坚持手搓劳动的必要？但如果乐观地想，也许人的审美会有一次洗牌，音乐人个性会变得更重要，线下演出也会更珍贵。 00:10 黄金年代不只是音乐，而是整个时代审美 05:15 让自己活得更vintage一点 09:45 “人要是真在乎情感也不会是现在这样子” 13:21 AI帮你学完了，你还学什么？ 18:17 不要去试探人的贪性跟惰性 21:36 AI像仿胶片滤镜 24:24 永远会为学习、经验与故事买单 28:01 并不是所有行业都只能用效率评判 31:56 音乐是一个纯粹的链接的艺术

如果要开始一张新专辑，需要几步？首先，你可能要回顾自己过去的创作路径，如果外界快要对自己没刺激了，你还想说什么？其次，是不是要像创造一个游戏那样，去建立一个完整宏大的世界观？最后，要怎么让别人在你身上看到“时间”的痕迹，看到你灵魂的存在？ 本集节目中，同样处在新专辑制作期的老友二位，畅聊了一系列关于音乐人该怎么发挥自我价值的话题。 00:45 肖老师新专辑找Chace咨询了混音 03:24 厉害这个词非常不好 06:07 很早就发现更喜欢作曲而不是只玩乐器 11:03 到底什么是艺术人格？ 20:18 “我要开始理性了” 28:24 对自己要求变高体现在哪些地方 34:40 爵士是刺身，电子音乐是膨化食品 40:19 肖骏变得像“Chace”了 54:11 执念是一种奢侈品 59:04 价格和价值没关系

被“综合艺术”推到台前的三个人化学反应是很微妙的。娱乐的种子在二十年前就已经种下——Chace在超市开业的临时舞台上表演儿童架子鼓，张钰琪在街边唱生日歌的录音棚里被老板怒荐多来唱唱，蔡维泽在竹中热音社被学长军事化管理，练着百年如一日的枪花的《Sweet Child O’ Mine》。 让我们一起追溯那些所谓的“舞台经验”的源头，比如第一次发现自己变声，以为嗓子是坏掉了；第一次听到一首完全听不懂的歌，但还是莫名觉得它厉害。 00:19 从傻子与白痴裸体拍摄开始的缘份 02:13 为什么在中国综艺几乎是音乐人最有效的曝光方式 08:39 张钰琪小时候被意外发掘的故事 10:29 热音社像军校：被学长骂大的青春 20:18 “我发现我开始变声了，那天像噩梦” 32:40 有人在高考前两个月退学做音乐 38:07 黑人音乐 vs 白人音乐 40:20 华语音乐真正的强项是歌词？ 48:59 中文创作比英文更难面对自己 53:16 好旋律都来自直觉 01:05:50 《维泽篮球秀》与《钰琪秀》的诞生时刻

这次聊天从一种很“Bad Talks”的状态展开——一边是搞抽象、幽默、带一点表演性；另一边是创作者极致的敏感和真诚，甚至有点nerd。如果这些气质同时存在，就构成了所谓的艺术人格。 他们把寻找“真正的声音”的过程比作登山。不知道终点长什么样，所以才会一直往上爬，但途中总会有几个存档点，可能是某个突然确信的审美兴趣、某张专辑的风格变化，也可能是一次综艺节目。 二人投机的话题越滚越多：原创作品还存不存在，共鸣是否真的重要，表达要不要被看懂，真实和诚实之间有没有距离……欢迎你在本期节目里，找到你自己想要的答案。 01:38 共友大盘点 08:16 重新思考对音乐的滤镜 18:39 生涯存档点分享 23:13 没有任何一个东西是原创 29:27 未知是一种爽感 34:24 中文音乐环境对“理解”的过度依赖 40:17 解放了别人的天性，没解放自己 44:54 人声是最贴近灵魂质地的频率 54:40 其实R&B和Neo Soul已经听腻了？ 01:06:38 相对论时间快与慢讨论

不是每个人都有机会走进专业录音棚。 一个人在自己的工作室里可以做出好音乐，但录音棚的存在，确实会让很多事情变得不一样。我们常常讨论去哪里听音乐，却很少思考去哪里做音乐，可这两件事其实同等重要。 你在听歌时那些接近“神性”的瞬间，往往是人与人汇聚在一起、能量层层叠加才诞生的。想要达成这种连接，需要大家付出持续的时间、关系与信任。我们想“人多力量大”在这种情况下的意思应该是——从创作到演出的所有环节过程中倾注真诚的人越多，音乐作品最后释放出的力量就更大。 这期节目我们也第一次聊到了 AI 音乐的话题。暂且不论它是否实现了人类对机器的美好想象，我们始终在讨论的，是那些技术永远无法替代的东西。录音棚也是如此。很多人对它的第一印象只是一个提供 “技术支持” 的地方，但真正留在人心里的从来都不是这些。空间的功能性是次要的，首先，它是为了让人可以相遇与停留。这也是本期嘉宾卡卡，来自上海 Cashmere Studios，正在做的事。 00:28 Cashmere Studios介绍 05:45 录音棚工程师下班不想回家 10:55 录音棚设计命题其实是如何设计一个公共空间 15:46 国内创作环境不尊重“准备” 19:13 上张专辑的录音决策复盘 28:24 卡卡曾经玩工业金属乐队 32:09 社群发心：不能有任何一个人被孤立 46:06 AI是一种新型赌博？ 01:04:18 最后留下的都是“人”的故事

他们的缘分从一个偶然的瞬间开始：林宥嘉无意中点开Chace的新专辑。后来，这次偶然的点开发展成一段完整的合作关系——Chace成为了林宥嘉新专辑单曲《鬼屋》的音乐制作人，并同时担任MV的导演、创意、后期。 从各自的经验出发，两人谈到一个在华语流行音乐创作里很少被展开讨论的细节：当一首以Vocal（人声）为核心的流行歌曲被制作时，创作者如何在既有的流行框架里，打开新的音乐想象？ 在主流市场对流行歌结构的惯常期待里，一个副歌“晚进一拍”的决定，既可能成为风险，也可能带来意外的收获。他们聊了聊这些创作中的细微判断，与这些判断从何而来。 你将听到： 01:46 林宥嘉被Chace“吓到” 08:50 一次手滑的缘分 14:23 Chace被爸爸抱着去电声乐队排练 16:38 林宥嘉误打误撞进电视台比赛 18:41 《鬼屋》之于华语流行乐市场 24:24 Chace为什么要做80年代流行乐 28:35 有时吃太多糖可能是不好的

Dany，古典钢琴出身，后来被电子音乐吸引、做过DJ，现在是舞美设计师；小伞（伞哥），03年在酒吧“出道”，是自学成才的灯光师。 他们来自Unreal Production，也是Chace去年巡演、以及今年加站巡演的舞美团队。这些年，从Livehouse到音乐节，再到大型演唱会，他们几乎参与过所有你能想象到的音乐现场形态。 当光与声音配合完美，一场秀才能被人记住。但那种“刚刚好”往往来自很多看不见的决定。因为观众不会意识到灯光的参数，也不会记得屏幕的分辨率。技术也不会直接转化成感受：光再亮、系统再复杂，并不必然意味着体验能更好。 但做一场好的秀，需要有技术判断。舞台上的一切调试，都是为了保护你的情绪，为了诞生出那些无法被语言准确描述的时刻。 06:24 Dany怎么进入电子音乐的 12:19 伞哥的酒吧出道经历 16:40 调音转行做灯，是因为灯光更真 20:42 DJ的考官是大哥，大哥不懂音乐但不会假嗨 26:50 电子音乐的魅力：很吵，但很安静 37:22 Frank Ocean，加州许巍 42:40 巡演期间交流最多的问题 46:48 第一站都给你了，那下一站怎么办 50:55 如果舞美不是二创 59:46 如何判断一束光要什么角度、收多窄 01:12:30 可贵的是愿意主动去感受的人 01:15:21 各自分享巡演喜欢的环节

这期播客像一场新春故事会。两辈人聊着音乐、还有各自的生活。 真要到过年的时候，才有机会和家人坐下来聊天。听爸爸聊年轻时玩的乐队、歌舞团和夜店——原来他们也曾经站在舞池和舞台之间。 新的一年，希望你也能慢下来，和重要的人坐一会儿。祝大家春节快乐。 00:17 一段竹笛即兴 02:30 歌舞团里做“小音乐家” 07:27 八十年代舞曲——用舞步定义节奏型 11:42 当年的好DJ是什么样的？ 18:29 崇尚原版的翻唱年代 25:33 让弹琵琶的人学吉他 33:55 盐城通勤上海的求学往事 36:00 花园饭店那一天 41:35 把巡演当晚会看，没有报幕很震撼 56:50 “累”是一种遗传 01:04:50 退休生活：旅居和研究电子音乐

在下半集中，话题被推向了一些更大的问题。这些问题未必需要立刻被解决，但必须被反复讨论。 在这期节目的结尾，Chace说：“音乐是客观的声音，但一定是主观的理解。推荐音乐是主观的，但回应的是客观存在的兴趣。当整个行业都在苟延残喘，如果只是为了谋生，没有必要继续留在这里。之所以还愿意花时间精力去讨论音乐、制作音乐、表演音乐，就是因为爱，没有别的原因。” 问题在今天或许无解，但时间会给你答案。 你将听到： 00:10 在华语市场，R&B的被误读与再流行 04:23 专辑不可亵渎，单曲是营销手段 10:00 周杨做电台DJ时的工作流 11:30 给私家车主听豆瓣小站 14:30 大热歌不是金曲，被时间验证后才成为金曲 20:34 Nirvana“浑不吝”的感觉来自？ 26:57 好的混音技术是“藏起来” 32:41 独立的、地下的、星光闪耀的、腰缠万贯的、没有完美的 36:35 请不要否定热情，尽量为大家开心 39:30 每一届HMA做完都会觉得“这事没必要”

HMA做到了第五届，Chace在2025年发的新专辑入围了“最佳流行专辑”的类目。凭借某种无需多言的默契——在中国音乐市场里作为同行者的惺惺相惜，意犹未尽聊了将近两个小时，所以这集《Bad Talks》决定分上下集播出。 在上半集中，周杨向大家分享道，其实HOPICO无数次想过要放弃做HMA，但是现在还在坚持做。当纯粹的发心成为了抵挡万难的安全感，在这种安全感面前，榜单、提名、典礼、晚宴本身都不再重要，奖赏某首歌能带来的经济效益也不计，不再追求权威，真诚就变成了“好”的标准。于是今天的HMA，更多是为了新音乐存在，作为年关将至的纪念而存在。 你将听到： 02:51 HMA来时路：从“玩儿票”到“Awards” 04:57 Chace新专辑还可以再进步的地方是？ 11:23 主观性如何评奖 17:28 评审团成员是一群仍然在听音乐的人 18:25 HMA不做线下颁奖典礼的原因 24:30 全长专辑正在消失 27:17 千千静听、虾米编辑的年代也经历过 29:21 HOPICO永远不做音乐营销 34:30 国内有打歌文化吗？成本最高、数据最差的内容 37:12 我的角色没有在“音乐圈”里 46:23 Tiny Desk Concert——用新闻报道的逻辑做现场 55:54 短视频是电子毒品

思达的新专刚发布，Chace的巡演刚收官。两人在音乐能量的后劲还没散去的时候碰了面，聊创作、行业、舞台与身体。 一个音乐创作者如何成为腕儿？去中心化去掉了原本的大中心，却并没有消灭注意力本身：在没有共识的时代，小中心如何成立？哪怕流量榜单不再具备绝对的权威性，巨星不再诞生，但“成腕儿”这件事并没有消失——它只是回到了最原始的判断标准：谁能往那儿一站，稳稳地占据空间、调动能量，让人不得不去看。 你将听到： 02:06 东北音乐场景，澡堂生日二人转 11:31 我对自己说过的话毫无兴趣 14:05 Live House有座儿吗？管饭吗？ 31:35 生硬是一种审美选择 42:30 钻回母体，把自己重新怀一遍 47:43 表演作为方法，构成了艺术人格的一部分 51:49 审美积累时间：Lana Del Rey、Florence + The Machine、FKA twigs、Frank Ocean 55:43 论心流的颗粒度：什么会觉得这歌不对 01:01:50 因为行业永远在变，入行多久都不算数 01:04:59 舞台不是民主的 01:09:17 解放身体是必修课，学习有“范儿” 01:12:36 钢管舞与People Pleaser