不装艺术 - 节目列表

📣欢迎添加微信：NoFakeArt（备注：听友）加入听友群 本期展览：非常毕加索：保罗·史密斯的新视角”（Picasso Through the Eyes of Paul Smith） 时间：2025年12月22日 - 2026年5月3日 规模：来自巴黎毕加索博物馆80件毕加索跨越70余年的作品 ⌚️收听节点（本期和上期一样，依旧是导览版解读，丝滑无废话，强烈推荐大家完整收听）： * 展览背景介绍 00:51 * 3大看点 2:25 * 16个空间详细介绍 6:37 (后文有各个空间对应时间点） 📖以下为详细内容和展品图片，方便大家预习/回顾，包含大量剧透： 展览背景 2023年曾经举办毕加索去世50周年纪念展，由毕加索博物馆主席塞西尔·德布雷与英国著名时尚设计师保罗·史密斯联袂策划，为本次浦美展览的前身，展览以时尚的视角再次打开毕加索的作品，带来了全新的视角。两位大师在器物、服装及布景美学上产生共振，通过跨界融合，系统性呈现高度引人注目的原创杰作。23年的展览受制于巴黎毕加索博物馆作为历史保护建筑的空间和布展限制，而本次浦东美术馆的展厅更宽松，观赏起来可能也更有“松弛感”。 展览看点 看点一：双厨狂喜 Paul Smith这位“色彩大师”如何解构“立体主义大师”毕加索，是这次展览最有趣的话题。两人的共同点关键词就是“童心与叛逆”。不同于传统展览保险的“白盒子”展览形式，Paul Smith对色彩、元素、设计感的大胆使用，让人眼前一亮又一亮。很有生命力，能让人想起很多这两年大家爱用的词：活人感、多巴胺等。总之很有生命力。 看点二：太出片 在这个手机时代，目前已经有的社交媒体反馈来看： Paul Smith的策展考虑到了“构图”。墙面线条与画作的几何形状形成了奇妙的延伸，非常适合拍照。 看点三：逻辑强 本次展览也同样通过大量藏品，稍微按照毕加索的不同人生阶段和职业生涯，以一种先后顺序，结合不同元素的方式进行策展。看展过程中的节奏感很好，每个房间的主题都很突出，因此非常帮助人提炼并记忆了毕加索创作的许多关键词，逻辑性很强。 以下16个空间介绍与实地展厅顺序相同： 第一空间：自行车、牛头 6:59 毕加索的《牛头》是最著名的“现成物”代表作，用垃圾场淘来的自行车鞍座和车把组合而成，简单的组合就抓住了牛头的精髓，非常具有想象力。而Paul Smith用一墙面的自行车元素致敬了大师作品同时，或许也缅怀了自己年轻时对自行车的热爱：据说Paul12岁开始立志成为专业自行车运动员，可惜在17岁时因为车祸，人生走向了完全不同的路径。 第二空间：时尚杂志过道 8:27 可以看到毕加索在当年的时尚杂志，如Vogue上的“调皮”涂鸦，幽默又有趣，每张图都值得驻足观看。突然想到自己小时候在课本上的涂鸦。这个空间与其说是展厅，更像是个过道，就像是个时光机，Paul用了重复画面背景，让人一下穿梭回到了那个年代。 第三空间：蓝色时期 9:30 1901年毕加索的挚友卡洛斯·卡萨赫玛斯自杀后，毕加索的情绪也受到很大影响，这个时期的很多作品都异常阴郁，色调也很冷，被称为蓝色时期。这个时期的作品中经常可以看到一些看起来似乎在发呆的人物，用现在的话来说，有种“活人微死”的感觉。这个展厅中只有一幅作品《男人肖像》毕加索说这位是“类似街上常看到的疯子，巴塞罗那没人不知道他”毕加索借由画笔记录下了这样的社会边缘人，也有人文关怀。 第四空间：粉色时期 10:40 这个展厅里展示了1906年开始的全新尝试，关注到女性身体，最著名的是《阿维尼翁的少女》，这个时期的作品受到非洲面具文化和西班牙壁画伊比利亚艺术的影响，相对于蓝色时期更加粗粝。Paul选择了一种现实生活中很少见的，具有戏剧化的明亮粉色呈现这个展厅，让人眼前一亮。进入这个展厅，整个人心情都忍不住明亮起来。 第五空间：立体主义 11:58 毕加索的立体主义时期受到保罗·塞尚影响（认爹文化😂）塞尚说“要用圆柱体、球体和圆锥体来处理自然”，于是毕加索得到灵感用几何造型来绘画，立体主义对后来的现代艺术也有非常深远的影响。代表大师有乔治·布拉克，早期与毕加索是好友。这个展厅的背景墙纸有层层叠叠的肌理感，1）呼应了画面里的立体主义线条效果；2）用简单的材质和高级的设计感呈现了事业开端时的毕加索的创造力。 第六空间：拼贴 13:29 我也是第一次知道毕加索和乔治·布拉克共同开发了一种立体主义技法：纸拼贴，创作并公开了艺术史上第一幅拼贴画《有藤椅的静物》，把印有藤椅的图案直接贴在画作里。之后将“现成物”直接放到作品中的创作方式也延展到了雕塑中，回顾进门处的《牛头》，这个展厅里也有一些巧妙拼贴的雕塑。为了突出毕加索对图案的使用，Paul用了大量复古墙纸作为背景，让人一下就理解到了复古拼贴的精髓，并且强调了这种效果。 第七空间：童年 15:04 毕加索著名的那句话 “我花了四年时间画得像拉斐尔一样，但用一生的时间，才能像孩子一样画画。”他对儿童绘画方式的憧憬，也将童年作为绘画的主题之一呈现。并且经常有“小丑”元素出现在画面中。由于小丑服装的戏剧性和社会身份的强烈对比——生活不易还要取悦别人，让这个主题一直是我的最爱之一。展厅里展示的小丑是《穿小丑服装的保罗》中描绘的是他的儿子，蓝色黄色的小丑服和温柔的笔触，让小丑从社会议题回归了童年的单纯。展厅中Paul对画面中服装的提取也是神来之笔。 第八空间：古典主义 17:12 很多人记得毕加索擅长提炼、抽象、变形，反正就是不好好画画，就容易忘记他有非常坚实的绘画功底。整个展览中难得进入一个“白盒子”展厅，展现了毕加索的绘画回归，1918年到1923年期间是毕加索的“新古典主义”时期，当时正是第一次世界大战前后，世界陷入无序的时刻，艺术家选择了一种回归严谨有序的绘画方式。展厅中有一幅新人结婚的画面，温暖又庄严。 第九空间：斗牛 18:51 整个红色展厅其实由两个部分组成，前面的红色过道可以看到许多毕加索在观看斗牛的摄影照片。作为西班牙人，很难不被这项西班牙最著名的传统斗牛所吸引。照片为序，进入斗牛作品的展厅，西班牙的热情与生命力汹涌而来。斗牛也是毕加索职业生涯中经常出现的重要主题，被应用在很多油画、素描和版画中。Paul在这里选用的正红色选的也很妙，既是血液生命的颜色，也是斗牛士引起牛亢奋的颜色。 第十空间：条纹 20:12 这个展厅我认为颇有一些Paul的“私心”，但也点明了这两位的共同爱好——条纹。这个展厅中的毕加索在画面中应用了很多条纹元素，比如1932年最著名的《阅读》中沙发（或者椅子）上的黄绿条纹。这个展厅中对人物肖像的描绘通过条纹元素体现了同样是条纹，有的时候温和，有的时候也可以很暴躁。也呼应了我们对Paul尤其擅长使用竖条纹的印象。这里墙面背景上也有深浅不一的条纹，在规则中有一种野生感。 第十一空间：战争时期 21:26 虽然前面古典主义关键词中已经见识过了一战对毕加索的影响，但毕加索最为人所熟知的反战作品应该是1937年的《格尔尼卡》，这个阴暗展厅中的很多作品与二战影响。虽然没有直接描绘战场的血腥，但通过画面的变形，营造出了如战争一样令人毛骨悚然的不安氛围。这个展厅也让我感觉到Paul的对展览设计节奏感的掌控，在该活泼的时候活泼，但在人类灾难这样的严肃主题中，也用暗色让人一下沉静了下来，对比前面的情绪与美好，更让人珍惜和平。 第十二空间：陶艺 23:15 毕加索真的是，高能量星人，除了绘画雕塑之外，陶器创作也不在话下。1948年后他开始大规模陶器创作，居然有数以千计的陶艺作品。在陶盘上画了各种主题，有神像，有动物，也有斗牛。这个展厅中Paul用大量工业规模化的盘子作为背景更突出了中间几个毕加索手作的盘子的个性。整个展览中其实Paul多次使用了“重复”的设计手法，但每次使用的具体方法/材质不同，都突出了主题。 第十三空间：《草地上的午餐》24:14 作为艺术史上最重要的作品之一，马奈的《草地上的午餐》一度引起巨大的争议，并成为了后来现代主义的奠基石之一。我一直以为自己已经很了解毕加索了，看来显然还不够。万万没想到，他如此喜爱这幅画，喜欢到了围绕这个主题创作过27幅油画、140幅素描、数十件版画的程度。他几乎是把这个经典原作作为一个“实验对象”，已经说不清这种喜爱到底还算不算是一种致敬了。在不同的版本中，都以毕加索的创造力，对画面进行了调整，有时甚至直接删掉画面中的角色。这个展厅Paul用了深绿色，并且地毯也换成了草地质感，“沉浸式体验”这不就来了？ 第十四空间：海魂衫 26:17 在看展之前我就看过23年展览的纪录片，当时最向往的就是穿梭在海魂衫下的这个展厅，仿佛阳光穿过晾晒的衣服晒到身上的感觉，头顶几十上百件海魂衫，太有趣了。海魂衫是人们通过摄影作品最熟悉的毕加索元素之一。这个展厅中还有两张巨型毕加索照片，顶天立地的。其中把面包摆成手的形状尤其幽默。两张照片中毕加索眼中的那一眸高光都令我惊讶。一个创作了几十年的，经历过两次世界大战的老人，目光如炬。 第十五空间：晚期创作 28:18 毕加索晚年，69-72年依然高产，数百幅素描，350幅油画。从笔触中可以看到他的画法更加自由了，甚至让作品中的颜料直接滴下来也无妨，评论界对这个时期的毕加索有两种声音，一方面认为他这个时期的自由不羁对后来80年代的bad painting（代表人物有优衣库经常复刻的巴斯奎特），经历了各种条条框框和断舍离到极致的极简主义后，终于迎来了回归绘画本质的涂鸦时代；另一方面也有人认为这就是他年纪大了的巧合。这个时期的展厅里，Paul再次让我们见识了他擅长运用的条纹，如何与那个年代的时代感呼应上了。 第十六空间：海报+纪录片 30:25 展览开始的海报是时尚杂志封面，这里是毕加索展览的各种海报，让人们看到毕加索的影响力，是如何通过展览、印刷术等方式进入公共领域的。使得一个艺术行业的领军人物，完全破圈，进入了许多人的世界中。目前市面上关于毕加索展览的海报，不下百张，并且还在继续增加。这个展厅中还有个小厅播放着2000年关于毕加索纪录片《探访毕加索》的片段。都是通过现代技术，以拷贝+出版的方式，让我们没有跟毕加索身处相同时代的后人，再次认识了毕加索。

图案的奇迹: 卢浮宫印度、伊朗与奥斯曼的艺术杰作 📣本期福利：添加微信：NoFakeArt（备注：听友）加入听友群，我们将于12/24在群内抽奖送出本次展览官方周边杯垫1枚，未来也会分享更多福利 同期毕加索展解说已发，听完这一期可以移步下一期哦 ⌚️收听节点（本期专门设计了导览版解读，丝滑无废话，结合展览外的彩蛋周边知识补充，强烈推荐大家完整收听）： * 整体看点和展览脉络 02:52 * 第一章节 - 印度 07:03 * 第二章节 - 伊朗 16:06 * 第三章节 - 奥斯曼 29:30 📖以下为详细内容和展品图片，方便大家预习/回顾，包含大量剧透： 看点一：展厅按照印度莫卧儿帝国、伊朗萨法维王朝与卡扎尔王朝、奥斯曼帝国分为三大章节 顺序为从亚洲到欧洲，从中国出发从近到远的关系；与以往东亚、欧洲为核心的传统展览相比，多了一种看待世界的方式。从地图上来讲，也像是拼上了一块亚欧大陆之间的文化艺术拼图。 看点二：沉浸式体验 展厅设计让人置身室内，从印度的砖色雕花窗，到伊朗的青紫色百宝格，再到奥斯曼帝国的浅蓝花园；每个章节展开都有场景布置，让人更理解器物的上下文和环境。 看点三：图案艺术绝美 从文化传承、贸易交流、古人生活细节等多重层面展开，透过器物图案洞悉背后的历史故事；个人认为是在一个非全球化叙事的时代里，一次全球化交流的文化实验。将亚欧之间的美，通过欧洲的馆藏，带到亚洲的展馆，最终呈现。 说到图案不免令人想到植物、动物、人物元素，以及通过对现实世界的提炼和绘画技法的精简之后产生的抽象图案。本期节目重点解读的就是“图案”本身，也会夹杂一些对工艺的简单介绍。 第一章节：印度 展厅两大关注点：1）砖色背景是来自印度当时建筑的主要颜色；2）窗花是对花纹抽象提炼后的结果，既保护隐私从室外难以窥见室内，又通风透气，一举两得 第一展厅：如何从伊朗文明的到启发，逐步形成自己的风格 重点藏品：卷草纹象牙笔盒 有波斯语铭文，同时拥有伊朗和印度通用的装饰风格，可能出自于印度。这个时期的很多文物难以区分是印度还是伊朗的，被称作为印度波斯。卢浮宫2018年购入的藏品，原属于卡地亚家族的收藏，对卡地亚后来的设计产生了很大影响。 彩蛋：“波斯风格，”让-雅克曾对我解释道，“是对卡地亚风格最纯粹的影响。”孩提时代，他曾因父母频繁前往印度和中东旅行而思念他们，但正是那些漫长的海外之旅，给了他的父亲雅克创造一种全新珠宝风格的灵感火种。雅克在旅行日记中草草绘下的周围环境的铅笔画——寺庙、清真寺、雕刻、图案——后来被转化成了时钟、化妆盒和胸针；而装满异国情调物品（地毯、绘画、雕塑、织物）的行李箱，则为国内的设计师团队带去了灵感。 第二展厅：进入莫卧儿帝国 “把权力活成了审美”，从16世纪建立，统治北印度三百多年，皇帝们不仅打仗治国，还亲自参与艺术品味的塑造。他们把中亚的秩序感、波斯的精致工艺，与印度本土的自然崇拜融合在一起，形成了极其讲究对称、细节和材质的美学体系。从细密画、宝石首饰到泰姬陵，图案和装饰不只是好看，而是在表达永恒、信仰和帝国的理想世界。 重点藏品：软玉马头匕首 莫卧儿王朝有很多自然主义，许多灵感来自动物 镶嵌有红宝石和祖母绿；马嘴微微张开可以看到牙齿和舌头，是当时玉器工艺的极致体现。并非武器，而是作为外交或者给国内重臣的礼物，属于王宫贵族在重大场合使用（感觉有点类似中国的礼器）。 玉器在当时被认为可以召唤胜利。 工艺关键词：昆丹 是印度最古老的珠宝镶嵌工艺之一，以24K黄金为材质，不用爪镶、焊接或机械，仅凭极薄金箔的柔软度，将宝石稳固包裹。制作时，黄金被锤成金箔，嵌入宝石与托架之间，形成层次与深度；宝石只做最小切割，保留天然形态。斋浦尔和比卡内尔尤为著名。莫卧尔皇帝推崇未经雕琢的宝石之美，使昆丹工艺流行，直到19世纪西式爪镶出现前，它一直是主流的黄金镶嵌方式。 第三展厅：关注到金属、器物、地毯等 执壶：与旁边的托盘相结合，用来洗手。有精美的比德里工艺，用黑化处理锌合金为底，镶嵌银饰。 地毯：很多印度地毯图案来自于贸易往来中的其他花卉图案的影响，当时的印度人非常重用地毯。是家庭生活的重要场景，比如在地毯上与家人吃饭，睡觉的时候床垫也是铺在地毯上。 窗屏：被称为“贾利”，用印度北部的红砂岩雕刻而成，不仅能够遮蔽室外炎热气候，还能透光，并且保护隐私，有种类似窗和空调的结合作用。图案极其精美，通过提炼和重复的方式，展现了对植物的自然审美。 第二章节：伊朗 也常被称为波斯，展厅从萨法维王朝（1501年建立）到卡扎尔王朝（1794年建立）。通过展厅的设置，能明显看出不同时期的审美和时代变化。 第一展厅：陶砖、地毯与器皿 整个展览中的器皿基本上看起来像陶瓷的，都是陶器而非瓷器，因为海外缺少瓷器所需的高岭土。 重点藏品：狮子咬牛陶砖 展厅从砖红色过渡到青紫色。背景墙颜色与这个陶砖颜色非常呼应，不知道展览设计审美是否来源于此。 狮牛搏斗是当时比较常见的图案纹饰，并非有具体的故事，而是象征意义 狮子： 象征着太阳、春天和夏天的力量。 公牛： 象征着月亮、大地、冬天和黑暗的力量。 狮子咬牛： 象征着冬去春来，万物复苏的时刻。狮子正在制服或击败公牛，代表着温暖和光明战胜寒冷和黑暗，预示着新年的开始和生命的重生。 这些浮雕就位于觐见大厅的台阶上，与庆祝新年和迎接朝贡的场景相呼应。 这个展厅里还有许多其他大型陶砖，上面描绘了很多当年的人物和场景，其中最大型的是“赛诗会陶砖”描绘了四个人物（也是本次展览的主视觉志一），一个男子在吟诵诗句，另一个提笔记录，头饰显示记录者可能是个王子。展现了王公贵族的雅致生活，可能在当年用于皇家庭院当中。 第二展厅：受中国瓷器影响的伊朗陶器 全球化影响：在当时的世界贸易与交通发展的大背景下，中国瓷器有许多外销的，中国瓷器是当年的“奢侈品”，伊朗本地也出现许多学习中国瓷器（尤其是青花瓷）的器皿。这个展厅里可以看到源自中国瓷器影响的动植物包含：龙、麒麟、牡丹花等。 彩蛋：中国青花瓷最早出现在唐朝（最早的瓷片我印象中在南京博物院有一个展出，直接提前了青花瓷出现的年代认知），这种瓷片出自出水沉船，被认为是外销瓷器，也就是完成海外订单。最为人所熟知的青花瓷是元青花，来自西亚和中亚的订单使得技术和生产爆发，元青花使用的优质钴料“苏麻离青”主要依赖于从波斯进口。明清开始青花越来越的到中国本土市场（尤其是宫廷）的喜爱。不过明代成化年间（15世纪中后期）随着苏麻离青的进口来源逐渐枯竭或中断（可能是政治、贸易路线变化等原因），景德镇开始转而使用国产的“平等青”等青料。平等青的特点是低铁高锰，发色淡雅柔和，没有铁锈斑。有些当年匠人为了模仿出苏麻离青的铁锈斑晕染效果，甚至在绘画过程中会故意顿一下。 这个展厅还能看到他们在尝试的红色陶器，相对于青色，红色在最初还是很难温度掌控的颜色。中国最初烧出红色陶瓷不少看起来完全是黑色灰色的，却称之为釉里红。正是因为烧制难度高，成功或者接近成功都是很美妙的，哪怕灰黑色也被保留下来了 第三展厅：油画与门 重点藏品：两幅卡扎尔王朝国王的油画 可以看到左边的画像（默罕默德·沙阿·卡扎尔肖像）明显比右边（法特赫-阿里·沙阿·卡扎尔肖像）更现代化，透视关系更接近我们看到的欧洲油画，并且体现出了完全不同的审美。左边的更注重透视关系比例，颜色凝重，甚至桌面上有一把手枪；右边的更金碧辉煌，注重对各种珠宝的细节描绘。 彩蛋：波斯绘画对马蒂斯的影响很大 巴尔的摩艺术博物馆时期，我就学习到马蒂斯的绘画风格精髓是打破二维平面语三维透视之间的关系，让画面更有平面效果。通过这次浦美展览的展开学习，才了解到—— 马蒂斯对波斯艺术的兴趣并非偶然，而是有明确的契机： 1. 摩洛哥和阿尔及利亚之旅（1906年后）： 马蒂斯多次造访北非，直接接触了伊斯兰艺术和建筑（如摩尔式艺术）。 2. 慕尼黑伊斯兰艺术展（1910年）： 他在慕尼黑看到了一个大型的伊斯兰艺术展览，尤其是16世纪波斯细密画《霍斯陆与希琳》，据称这给他带来了巨大的震撼。 3. 系统学习： 展览结束后，他花了时间在西班牙系统学习摩尔式艺术。 总而言之，波斯细密画对于马蒂斯而言，是一把开启新艺术语言的钥匙，它为马蒂斯提供了一个成熟的、非西方中心主义的视觉体系，帮助他摆脱了西方艺术三维空间的传统束缚，走向了最终的线条、色彩与平面的极简与纯粹。 重点藏品：一扇双叶门 据说上面的装饰画分为两个阶段，第一阶段可能是17世纪，有莲花、玫瑰、叶片等植物和山羊、鹿、猫科动物、狐狸等动物纹样，黑色绘制金色勾勒。第二阶段跨越200年，可能是19世纪，增加了彩色的团花，人物肖像，园林场景等，部分覆盖了原有的装饰。后来的增加部分也可以看到一些西方油画和本地文学的影响。 值得关注的图案意向：夜莺与玫瑰，可以理解为一首爱情诗 有一定中国花鸟绘画的影响，19世纪花鸟册页非常多。其中常见的主题就是夜莺与玫瑰，夜莺象征追逐爱情的人，玫瑰象征心上人。夜莺在寻找玫瑰（爱情）的过程中，既能从玫瑰身上感受到美好和浪漫，也会被玫瑰的刺伤害。这个意向是指爱情中同时拥有甜蜜和痛苦。（相爱相杀即视感）图案体现在很多作品中，大家可以在展厅自行寻找。 第三章节：奥斯曼 四楼的奥斯曼帝国部分，进去看到的就是个花园场景，颜色也进入了浅蓝和白色。 第一展厅：诗歌和书法元素 因为我们看不懂他们的语言，他们的文字之美对我们来说也是一种图案美学，他们的书写方式是从右到左，从上到下。其中一个物品展示的是陶制挂灯，这盏灯旁边的陶板上就有图案显示了灯是如何使用的，有三个可以用来挂的小孔固定在天花板上，其实这种灯虽然看起来没有什么透光性，但实际上是在大型建筑里数十个甚至数百个排列使用的，场面很宏伟。 第二展厅：宫廷生活的场景 可以看到复杂的陶砖图案组合，漂亮的窗花，精致的地毯，以及右侧也有用来洗手的执壶和盆，推测这个执壶套组应该是属于某个公主的，体现了高地位女性的生活方式。陶砖上的郁金香图案非常美丽。 这个展厅的器物可以看到彩色陶器出现，更体现出花卉动物纹样的多样性。其中郁金香图案是我最喜欢的，奥斯曼帝国郁金香图案是一种多义的符号：它在宗教层面上代表神圣；在宫廷层面上象征王权与繁荣；在特定时期则代表了享乐、财富和短暂的美丽（曾出现过炒郁金香的价格，成为当年的消费主义）。如今，郁金香依然是现代土耳其的国花和重要文化标志。 另一个非常美丽的动物图案就是孔雀，有一个大盘子中间有一只极其美丽的孔雀，旁边还有一些孔雀羽毛图案，孔雀在奥斯曼帝国的艺术和文化中，与其他动物和花卉图案相比，虽然使用的频率不是最高，但其象征意义非常重要且深刻，主要受到印度和波斯文化的影响。波斯文化中孔雀象征着王权，孔雀羽毛象征着富贵繁荣。是一种象征特殊高贵的装饰。 第三展厅：中产家庭生活房间场景 可以与前一个展厅宫廷生活场景对照，整个展厅中有两个地毯，前一个属于宫廷场景，第二个属于开罗民居。奥斯曼帝国的花卉图案中的花型更多，可以看到漂亮的玻璃窗花（复制品）。埃及人也同样喜欢郁金香，有条件的家里自己种植郁金香，不仅可以作为身上的装饰，也能散发花香，作为天然香水。春天的家里种出的第一朵郁金香更是要作为礼物送给最重要的人。

🪧欢迎加入听友群一起讨论，添加微信：NoFakeArt（备注：听友） 1. 毋庸置疑的必看大展 之 浦东美术馆怎么又是你！ 1.1 浦东美术馆x法国卢浮宫——“图案的奇迹：卢浮宫印度、伊朗与奥斯曼的艺术杰作” * 时间: 2025年12月13日 - 2026年5月6日 1.2 非常毕加索：保罗·史密斯的新视角 * 时间: 2025年12月22日 - 2026年5月3日 * 2023年为纪念毕加索去世50周年，保罗·史密斯受邀成为了毕加索纪念展览的艺术总监，区别于传统策展人思维，设计师思维有很多跳出框架的创新，比如 亮点1：色彩，不拘泥于常见的白盒子展厅，保罗从艺术品中提取出的明亮色彩，他本人就很擅长运用色彩（条状设计尤为突出） 亮点2：不仅仅是油画，虽然现在还没看到展览作品清单，但是再23年的展览中还有素描、雕塑、陶瓷、拼贴等毕加索作品，让人看到更多面的毕加索 * Fun Facts：保罗·史密斯曾是专业自行车手 毕加索是第一个活着看到自己的作品在卢浮宫里展示的艺术家。——浦东美术馆同期在展览的卢浮宫展览 毕加索在55岁时，被任命为普拉多博物馆馆长。——浦东美术馆曾做过普拉多博物馆展览 2. 没有最老只有更老一起学历史 之 中外历史展 2.1 至扇至美——上海博物馆藏历代扇面书画名品展 * 时间: 2025年11月14日 - 2026年2月22日 * 地点： 上海博物馆人民广场馆第一展厅（上海市黄浦区人民大道201号） * 展品时代横跨宋、元、明、清、近现代，从宋徽宗一路展到梁启超，通过扇面画这个文人画中的特殊形式作为了解历史切片的窗口，让跨越千年朝代的文化在扇面中“面面相觑”场面一定非常精彩。书画展品一般都非常脆弱，展览条件要求很高，每次看展都当作此生为数不多的见面机会 2.2 当归黄浦春-海上中医与健康生活 * 时间: 2025年11月22日 - 2026年3月1日 * 地点: 上海市历史博物馆东楼一楼（上海市黄浦区南京西路325号） * “上海虽非药材主产地，却因得天独厚的地理位置和水陆交通优势，自19世纪中期以来，逐渐成为全国药材集散地。”策展人王成兰解释 2.3 走！喫咖啡去——咖啡文化特展 * 时间: 2025年10月30日 - 2026年3月1日 * 地点: 上海市历史博物馆西楼一楼（上海市黄浦区南京西路325号） 2.4 罗马 罗马：从奥林匹斯到卡皮托利”古罗马艺术大展 * 时间: 2025年11月11日 - 2026年5月5日 * 地点上海世博会博物馆 * 展览整体从神到人，章节逐步递进，细看的确优美 2.5 异趣同辉——清代外销艺术珍品展 * 时间：2025年12月4日—2026年3月1日 * 地点：世博会博物馆1号临展厅 3. 只可意会不可言传 之 当代艺术展 3.1 UCCA尤伦斯当代艺术中心呈现中国当代艺术家杨福东大型个展“香河” * 时间: 2025年11月22日 - 2026年5月5日 * 地点: UCCA尤伦斯当代艺术中心（北京798艺术区） * 杨福东1971年出生于北京，第50届威尼斯国际艺术双年展（2003），是21世纪初在世界范围内被关注到的中国当代艺术家之一 * 本次展览是是杨福东最大个人回顾展；在北京的首个个展 * 作为展览的核心作品，15频黑白影像装置《香河》（2016-2025）凝聚了杨福东超过二十五年的构思与创作。早在1997年拍摄完首部长片《陌生天堂》后，艺术家便萌生了以家乡为灵感的创作念头。2016年，他带领团队在香河县城与附近村庄辗转拍摄了47天，直至2025年秋才完成后期制作。作品以一位年轻母亲在村中筹备春节庆典的日常情景展开，其间穿插着生老病死的碎片化情节与日常的劳作场景，呈现了北方乡村生活在光影流转下既真实又陌生的面貌：人们在日复一日的劳作中度量时间的流逝，而那些偶然闯入的超现实场景，如同梦境的缝隙，打开了另一重时间维度 3.2 龙美术馆年度大展“10——60” * 时间: 2025年11月13日 - 2026年2月23日 * 地点: 龙美术馆（西岸馆）第一/第二展厅（上海市徐汇区龙腾大道3398号） * 亮点: 展览精选了近200件全球当代艺术佳作，涵盖出生于20世纪10年代至60年代的艺术家作品，通过“抽象之思”与“具象之途”两大板块，勾勒出横跨半个多世纪的多元艺术图景。精选近500位出生于20世纪10年代至60年代艺术家的代表作，并以“一人一作”的方式收录于同名画册 * 艺术家包含：路易丝·布尔乔亚、李青萍、金焕基、井上有一、罗伯特·马瑟韦尔、玛利亚·拉斯尼格、皮埃尔·苏拉吉 4. 嘉柏丽尔·香奈儿空间开幕 * 空间信息: 嘉柏丽尔·香奈儿空间（Espace Gabrielle Chanel）是一个融合图书馆、剧场、设计中心、江景休闲平台等功能的文化综合空间 * 开幕时间: 2025年11月25日 * 地点：上海当代艺术博物馆（PSA）三楼（上海市黄浦区苗江路678号） * 中国首个公共当代艺术与设计图书馆，这座图书馆将为艺术爱好者和专业人士精选艺术、设计、建筑、文化以及社会科学等领域的重要读本和影音资料。其书籍总收藏量为5万册，首期对公众开放1万余册 4.1 话题探讨：香奈儿一边开图书馆一边在纽约地铁办秀，奢侈品是否还是有责任营造高逼格造梦，“亲民”如何引发争议？

🪧欢迎加入听友群一起讨论，添加微信：NoFakeArt（备注：听友） 本期简介：从最近上海老市府的达利个展聊起，为什么这位超现实主义大师每隔几年就会在世界各地“翻红”？他是天才画家，也是营销鼻祖；他是弗洛伊德的信徒，也是“贪财”的疯子。本期节目，我们剥开那撇标志性的两撇胡子，聊聊作为“第一代艺术网红”的萨尔瓦多·达利，以及他身后那个充满争议、金钱与爱欲的超现实世界。 🎙️ 本期高光话题 I. 为什么总是达利？(Intro) 00:10 * 上海展览缘起： 从2001年上海美术馆的钟楼，到2015年K11，再到如今老市府的达利个展。达利似乎从未离开过大众视野。 * 关于“软表”的真相 03:50： 那些融化的钟表（《记忆的永恒》）究竟代表了什么？ 大众印象： 时间的流逝？ 达利本人的解释： 灵感竟来自一块在阳光下融化的卡芒贝尔奶酪（Camembert）。他称之为“温柔的、放纵的、孤独的、偏执的卡姆贝尔特的时间和空间”。 科学情结： 从弗洛伊德时期的潜意识梦境，到1954年受海森堡量子力学影响创作的《记忆的永恒的崩潰》。 II. 胡子、网红与人设 (The Persona) 06:33 * IP 的诞生： 达利的那两撇胡子，比他的画更出名。 “人们并不需要一个伟大的画家，他们只需要一对漂亮的胡子。” —— 达利 * 第一代“艺术网红”： 他通过电视节目、广告、夸张的表演，精心打造了“疯狂艺术家”的人设（Persona）。他早在安迪·沃霍尔之前就明白了注意力的价值。 III. 奇怪的童年与超现实的起源 09:15 * “菀菀类卿”： 父母带5岁的达利去哥哥墓前，告诉他“你是哥哥的转世”。 * 母亲的离世： 16岁丧母是他人生最大的打击。 * 偏执-批判法（Paranoiac-critical method）： 他不仅学习弗洛伊德，更用幻觉和联想来重构现实，这使他比布勒东、马格利特等同代人更具颠覆性。 * 被圈子抛弃： 因为拒绝政治表态且过度拥抱商业，被超现实主义教皇布勒东戏称为 "Avida Dollars"（贪财的达利 / 美金狂）。 IV. Gala加拉：缪斯、经理人还是操盘手？15:16 * 复杂的爱情： Gala 原本是艾吕雅的妻子，却让极度社恐的达利一见钟情。 * 商业帝国背后的女人： Gala 建立了达利事业的商业结构——谈合同、定价格、甚至建立“奖励机制”（画卖得好才能睡在一起）。达利：“我就是 Gala 的产物。” * 晚年的崩塌： 1982年 Gala 去世后，达利的世界随之崩溃，陷入孤独、火灾与遗产纠纷中。 V. 晚期达利：天才还是骗局？20:42 * 商业与艺术的边界： Logo设计： 著名的珍宝珠棒棒糖（Chupa Chups）商标，竟是他在纸巾上画出来的。 广告代言： 1968年拍摄 LANVIN 巧克力广告。 时尚跨界： 与 Chanel、Schiaparelli 的相爱相杀 23:05 * 市场争议 30:43： 晚年被指雇人制作伪作，大量版画印刷泛滥（部分版画多达5000份），被批评为“技巧圆熟但艺术保守”。 🖼️ 提到的关键作品 * 《记忆的永恒》 (The Persistence of Memory, 1931)：现藏于 MoMA，融化时钟的经典之作。 * 《记忆的永恒的崩溃》 (The Disintegration of the Persistence of Memory, 1952-1954)：原子时代的重构。 * 《抽屉人》 (The Anthropomorphic Cabinet)：以此隐喻弗洛伊德的潜意识秘密。 * 《达利的胡子》：与其好友哈尔斯曼合作的摄影集。 🎬 电影推荐：《坠入》 (The Fall) 34:28 * 推荐语： 视觉风格极具达利式的超现实感。特技演员与小女孩的故事，在绝望与幻想中交织，色彩与构图令人惊叹。 📖 书籍推荐：《达利的骗局》 (Dalí & I: The Surreal Story) 36:23 * 豆瓣评分： 6.9 * 简介： 揭开艺术品天价背后的黑幕。作者作为达利晚年的邻居和画商，独家揭秘了达利晚年混乱的商业操作与伪作工厂。 “富人们需要炫耀他们的财富，但又要不显得过于粗俗……永远记住世间凡能赚大钱的都免不了要犯罪。”

主题解析 * 关键词：温柔、自然、静谧、i人天堂、花鸟鱼虫 * 展览地点：PSA1-3楼为主；嘉源海美术馆——场外展览；野兽派tbh小屋三楼驻留——城市项目；安福路有墙面海报；上海植物园盆景园、上生新所 klee klee & friends * 展览时间：2025年11月8日 - 2026年3月31日 * 主策展人：凯蒂·斯科特（Kitty Scott） 展览结构与亮点｜PSA展厅——主场地 一楼：影像为主 * 主视觉悬空花树《森之幻影》，艺术家组合：阿洛拉和卡尔萨迪利亚 * 影像作品集中，小厅值得逗留，作品可以分为感受类和解读类 感受类：胶片滚筒 解读类：《基地之侧》，周滔 二楼展厅： * 可以分为5个大片区 * 百叶窗装置作品，梁慧圭 三楼展厅： * 个人推荐：《我有根，但我在漂荡》，胡晓媛 观察与讨论 * 目前网络评价有捧也有踩，总结优点清新自然好看；总结缺点看不懂 * 圈内评价：一类认为接近电影，水平高但无惊喜；一类认为缺少出圈大佬，担心圈外认可 * 个人看法：每一届上海双年展，都值得一看，连点成线回忆起更有意思 推荐： * KOL：老赵看艺术 * 澎湃新闻：第15届上海双年展开幕：花影之间，无处不在的倾听 * 推荐去植物园 欢迎加入听友群一起讨论，添加微信：NoFakeArt（备注：听友）

欢迎收听不装艺术，Taylor Swift的新歌听了吗？今天想和大家聊聊那个在流行文化里总被提及的女孩 - 奥菲莉亚 2:25 - 16世纪莎士比亚笔下的悲剧女子 这个角色来自莎士比亚的经典悲剧《哈姆雷特》。奥菲莉亚是一个纯洁天真的贵族女子，她的世界围绕着父亲和爱人哈姆雷特。然而，哈姆雷特因为复仇而变得疯狂，误杀了她的父亲。在巨大的打击下，奥菲莉亚精神失常，最终失足（或主动）溺水身亡 3:12 - 19世纪米莱斯所画的《奥菲莉亚》 这幅画是英国前拉斐尔派画家约翰·埃弗里特·米莱斯（John Everett Millais）的杰作，创作于1851-1852年的作品，是前拉斐尔派美学的完美体现 * 什么是“前拉斐尔派” * “前拉斐尔派”对传统女性审美的反叛 这里想在音频基础上做一些补充，音频中讲到了“前拉斐尔派”是反维多利亚时期传统女性审美的，而其实我们也从一些资料中读到，这类运动的产生也是顺应了维多利亚时期女王当政，女性地位得到一定提升，反的是束身衣、身材曲线这类社会残存的女性审美，反的是学院派的僵化，和学院派对拉斐尔（文艺复兴）的过度崇拜，而不是反维多利亚时期的社会风气 * 画中模特 - 伊丽莎白·西德尔的悲剧 * 画中植物的象征含义 * 柳枝： 代表被遗弃的爱和哀悼 * 荨麻： 代表痛苦 * 雏菊： 象征纯真无邪 * 三色堇： 代表思念 "There's rosemary, that's for remembrance; pray you, love, remember. And there is pansies, that's for thoughts." “这是迷迭香，代表记亿；亲爱的，请你记着。这儿是三色堇，它们代表思念（或思想）。” * 罂粟： 象征死亡或永恒的安眠 11:17 - 为什么流行歌手都爱“奥菲莉亚”？ * Taylor Swift 《The Fate of Ophelia》 * Zella Day 《Sweet Ophelia》 * 魏如萱 《Ophelia》 女性自主权、精神健康、爱情的脆弱性以及在社会压力下挣扎的永恒主题，因此变成流行符号，持续与人产生共鸣 🎧听友交流/商务合作，欢迎和我们建立联系：NoFakeArt