Fogy Radio - 节目列表

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第450位 格伦·坎贝尔《当我到达凤凰城时》 Glen Campbell - By The Time I Get To Phoenix 《当我到达凤凰城时》是吉米·韦伯（Jimmy Webb）基于个人经历创作的关于离别最隐忍也最动人的诗篇：他20岁时因为和爱人争吵，从加州开车向东离去。歌曲描写的是在爱情幻灭后，那种想要逃离、避免正面冲突，却又忍不住思念对方反应的复杂心态。在物理距离的拉大与情感断裂的深化下，凤凰城不是终点，阿尔布开克不是终点，俄克拉荷马也不是终点，终点在哪里呢？ 格伦·坎贝尔在1967年录制并发行了这首歌，收录在同名专辑中，这首歌也陪伴了他终生：一直唱到演艺生涯的告别演出。他的嗓音清澈、温暖，带着一丝天然的忧郁气质，完美传达了歌词中克制的痛苦和决绝，旋律线中的流畅和内敛。整个编曲非常克制，它避免了乡村音乐中常见的钢棒吉他或过度花哨的器乐，也避免了流行音乐中可能出现的过度甜腻。这种“克制下的深情”让歌曲的情感冲击力更为持久和深刻。结尾处弦乐和器乐的渐弱，如同远去的车影，余韵悠长——这大概就是“离开的仪式感” 一首歌的两种味道：在Frank Sinatra和Nick Cave的版本之间，我还是选择了后者。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第451位 查比·切克 《扭扭舞》 Chubby Checker The Twist 1959年，胖胖切克AKA查比·切克发行了两首市场反响平平的单曲后，把目光投向了汉克·巴拉德创作《扭扭舞》，彼时这首歌已经有一定知名度，但查比·切克的新版本赋予了这首歌新的生命力。 以萨克斯为主导乐器，没有复杂的和声变化或冗长的器乐独奏；歌词唯一目的就是邀请人们跳“扭扭舞”，没有深奥的含义和复杂的叙事；查比·切克充满活力、略带沙哑的嗓音极具感染力，号召力十足，但一切服务于节奏和舞蹈——他发明的《扭扭舞》是整首歌的推进器，动作非常简单，查比·切克说：“想象着你用双脚踩灭香烟，或者就像洗完澡出来用毛巾擦屁股一样。”。 歌曲在1960年推出后迅速登上公告牌百强单曲榜，而在1962年，有传闻说第一夫人杰奎琳·肯尼迪在白宫里跳扭扭舞，在名人带货的光环下，歌曲再次登顶。尽管艾森豪威尔老师说这种舞蹈是“粗俗的，肮脏的”，但换来的却是更多的白人青少年和中产阶级家庭的趋之若鹜。 查比·切克围绕着《扭扭舞》这个主题，后续发行了一系列相关的歌曲和电影，被誉为“扭扭舞之王”（The King of the Twist），而扭扭舞也成为吸引了所有年龄段的听众来到舞池跳舞：一种既尊重时代又打破传统的舞蹈。每次听到这首歌，我都会想起塞林格《麦田里的守望者》的“我”和妹妹菲比跳舞的那一段，如果你没有看过小说，那么昆汀·塔伦蒂诺的电影《低俗小说》中文森特和米娅·华莱士的尬舞，还有印象吧？现在，让我们双脚分开站立，膝盖微弯，用脚碾地，同时扭动起我们的臀部，一起来跳扭扭舞。 一首歌的两种味道，早期嘻哈团体The Fat Boys的版本。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第452位 山姆·库克 《丘比特》 Sam Cooke Cupid 1961年，渴望摆脱大厂牌对创作方向束缚的山姆·库克，成立了自己的公司SAR唱片，急需一首经典用以证明他作为独立创作者和制作人的能力，而《丘比特》显然是救命稻草。 这是一首旋律抓耳、情感普世、制作精良的作品：旋律和编曲上用福音音乐带来的情感力量（通过人声表达）与流行弦乐、拉丁节奏的结合，创造了一种新颖而迷人的“灵魂流行乐”。在温暖的拉丁节奏的律动下，弦乐不再是简单的背景铺垫，而是编织出优雅、浪漫、略带忧郁的氛围，与库克的人声相互呼应。 歌词方面，歌曲以对射手丘比特的呼唤开篇，召唤一位来自远古的人物来解决现代的爱情困境。但为痴情者发声把神性与凡俗的并置，归根结底说的是暗恋的无能为力。何况歌中的“我”连做基本的舔狗都算不上——整首歌歌词不多，内容简单，初中生都能看懂，但山姆·库克通过这寥寥数语，编织了一个避开陈词滥调、却能引发共鸣的故事，将焦虑个性化，使听众既能感同身受，也能在自己多年的相思低语中找到共鸣。歌词中最著名的一句是“For I love a girl who doesn't know I exist（我爱着一个不知我存在的女孩）”，不仅道出了无名爱慕者的痛苦；更将爱慕对象提升至近乎神话的高度，我听得眼睛都要拉丝了，这是灵魂乐所能达到的优雅、深情与流行的完美平衡，而天下所有暗恋者流着泪排着队呼唤着丘比特之箭，甚至都不用做一个马歇尔供求模型。 一首歌的两种味道，来自我最喜欢的女歌手艾米的雷鬼版本？

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第453位 枪炮与玫瑰-天堂之城 Guns N' Roses-Paradise City 歌曲选自枪炮与玫瑰首专《毁灭的欲望》，是专辑的第四首也是最后一首单曲。 歌名和之前的单曲《欢迎来到丛林》属于同一个硬币的两面：《丛林》是残酷现实起点，《天堂之城》是逃离现实终点。大都市生活的黑暗面（丛林）和人们在其中孕育的梦想与幻象（天堂）的对立。和《毁灭的欲望》中的大部分歌曲一样，以黑暗、绝望的视角审视描述底层青年的美国梦的阴暗面。歌曲结构宏大而独特，时长近七分钟，是《毁灭欲》中最长的歌曲，没有传统的主歌-副歌-主歌-副歌结构，而是更像一个情绪不断攀升的过程 。开场以吉他手Slash一段清亮的吉他旋律开场，Axl的演唱进入后，节奏吉他猛烈而稳固，能量积累慢慢把歌曲推到最核心、最狂暴的的副歌，而当你听到最后一段主歌时，它已全速前进——鼓和吉他独奏像旋风般要失控。在最后的几分钟，歌曲加速变成了一种更硬核、更快速的野兽，它几乎变成了一首不同的歌。硬摇滚、朋克风格和华丽摇滚影响的混合，创造出一种反叛且颂歌般的声音，像一杯你无法抗拒的听觉鸡尾酒，最终在狂暴的 Riff 和 Axl 的嘶吼中达到史诗般的顶峰。 但是，相比较这首歌，你更应该去看看这首歌的MV，乐队狂野不羁的舞台形象，尤其是Axl Rose，当时的他，是这星球上所有的青少年心目中摇滚乐队主唱的样子，25岁的罗斯老师所在的舞台，才是真正天堂之城。 一首歌的两种味道：首选是一身正气的Richard Cheese，其次是慵懒的Scubba，这两个版本非常独特，值得一听！ 视频素材来自官网，视频包含了来自两场重要演唱会的激动人心的表演片段——一场在新泽西的巨人体育场 (Giants Stadium)，另一场在唐宁顿公园 (Donington Park) 的摇滚怪兽音乐节 (Monsters of Rock festival)。文稿撰写、歌词翻译、剪辑：声轨锈斑。视频前半段文字为歌词翻译，后半段为相关解读。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第454位 乔治·哈里森 《我亲爱的主》 George Harrison-My Sweet Lord 在披头士乐队的鼎盛时期，乔治·哈里森被称为“安静的披头士”。这个称号或许是因为约翰·列侬及保罗·麦卡特尼的锋芒过甚，也或许是因为哈里森作过于低调，但“安静的披头士”显然有很多话要说，在披头士乐队1970年解散后仅七个月，乔治·哈里森就推出了他的首支冠军个人单曲《《我亲爱的主》。旋律是这首歌成功的关键之一，它极其优美、流畅、朗朗上口，具有强烈的感染力，副歌部分的（“My sweet Lord... Hallelujah... Hare Krishna...”）的旋律线更是清晰、充满情感，易于传唱。 歌曲由哈里森演奏的滑棒吉他开场，埃里克·克莱普顿、林戈·斯塔尔，坏手指乐队一众大牌加入，制作人菲尔·斯佩克特标志性的“声墙”技术让两架钢琴，五把吉他像管弦乐队一样演奏，而和厚重复杂的音乐相比，主歌部分22个简单的英文单词组成的歌词更符合宗教音乐的通俗易懂向下兼容。值得一提的是，这首《我亲爱的主》并不是传统白人宗教歌曲，他在副歌和声部分同时使用了基督教犹太教和印度教的术语：哈瑞·奎师那和哈瑞·罗摩“Hare Krishna” 和“Hare Rama是对印度教神奎师那（Krishna）的赞颂。哈里森此举的目的，不是临时抱佛脚，讨好漫天神佛，而是为了呼吁宗教宗派之间的和睦相处。 歌曲发行后，奇想乐队《他真棒》（The Chiffons《He's So Fine》）的版权持有者，听到了一些熟悉的声音，对哈里森和唱片公司提起了马拉松式的诉讼。“我从未从这首歌中赚到过钱，”哈里森后来接受采访时说。“它一直处于第三方托管状态。就我而言，这首歌产生的影响远远超过了版权方之间的争吵以及他们的贪婪和嫉妒。” 2002年1月，乔治·哈里森去世两个月后，这首歌在重新发行时再次登顶排行榜。 一首歌的两种味道：来自鲍勃马利之子Damian Marley的雷鬼版，和Revival House Project&Bryan Chambers&Floorplan&GeO Gospel Choir（好长的名字）的Floorplan Remix。 我们看到的这个视频（视频在公号），是2023年，为纪念乔治·哈里森经典单曲《My Sweet Lord》问世五十周年，全新制作的纪念版音乐MV。该作品由荣获格莱美奖的混音师保罗·希克斯进行重新混音，导演兰斯·邦斯执掌影像创作，并通过Apple Music独家发布。此次纪念企划源于对哈里森传奇专辑《All Things Must Pass》发行五十周年的致敬。制作由哈里森之子达尼·哈里森与执行制片人大卫·宗夏恩共同监督完成。这部音乐影像的独特之处在于其丰富的嘉宾阵容。参与演出的27位嘉宾横跨影视与音乐领域，包括《星球大战》主演马克·哈米尔、披头士乐队成员林戈·斯塔尔、喜剧演员帕顿·奥斯瓦尔特、导演塔伊卡·维迪提等众多知名人士。在艺术表达方面，影片延续了原曲的宗教意象，但通过现代影像语言进行了全新诠释。歌词中反复吟唱的“我亲爱的主”被赋予更深层的含义——不再局限于宗教崇拜的本意，而是升华为对创作精神与艺术灵性的礼赞。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第455位 涅槃-满怀歉意 Nirvana-All Apologies 流行音乐史上很少有旋律像涅槃乐队（Nirvana）1993年的单曲《满怀歉意》Nirvana （All Apologies）那样无处不在。尽管时至今日，《少年心气》、 《我行我素》（Smells Like Teen Spirit、Come As You Are）的点播率在音乐流媒体平台上更靠前。但《满怀歉意》有一种全然不同的特质，一种神秘的倦怠感，试图永久地铭刻在你的脑海深处。 也许仅凭音乐理论就足以解释这首歌为何如此令人难忘地有力——Kurt Cobain确实对流行旋律有着出人意料的偏好，这首微妙、近乎披头士式的抒情风格与《In Utero》专辑中垃圾摇滚的沉重感形成对比。歌曲创作期间Cobain正处于个人生活的极度动荡期：与毒瘾的斗争、与媒体和名声的紧张关系、与妻子寇特妮·洛芙（Courtney Love）充满争议的婚姻、初为人父的责任感与压力、慢性胃痛的折磨。歌曲以最后的叠句：总而言之，我们不过如此（All in all is all we are）传达出对身份和处境的顺从和接受，而从听者角度得到的共鸣是，我们都有各自的差异和痛苦，但本质上趋同，大家也都是这样不过如此。 《满怀歉意》常被记作一首最初是电声作品，后在MTV不插电（MTV Unplugged）上被不朽化的歌曲，在MTV不插电的表演中，Cobain配上大提琴伴奏的演唱是当晚的亮点，好像也暗示了他未来可能探索的方向。Kurt Cobain将他的部分灵魂注入了这首歌，但他并不是像歌曲中那样能用略带戏谑的语气轻松对待生活，这大概勉强可以解释歌曲为什么被排在乐队最后一张录音室专辑《在子宫》（In Utero）的第12首，也是最后一首的位置。 一首歌的两种味道：听了太多版本，最后选择了DOA+8 bit的版本，算是相对比较新鲜。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第456位 劳埃德·普莱斯-斯泰格·李 Lloyd Price-Stagger Lee 这是基于真实事件改编的凶杀叙事歌曲。事情发生在1895年的圣诞夜，两个黑人赌鬼斯泰格·李和比利，因赌博发生争执，斯塔格李开枪射杀了比利。这个故事有很多个歌曲版本，近现代最著名的，可以参考尼克·凯夫1996年的专辑《谋杀歌谣》。 回到劳埃德·普莱斯-斯泰格·李，1958年录制，1959年发行后就登上了公告牌流行音乐排行榜榜首，普莱斯以充满犯罪小说般含蓄张力的旁白开场：夜色清朗、月儿昏黄，树叶纷然飘落，乐队随即加入，普莱斯高喊出斯泰格·李和比利因赌博而争执的故事，以斯泰格·李的子弹穿过比利身体并打碎酒保的玻璃杯作结。“斯泰格·李，上啊！”合唱声贯穿全曲。 斯泰格·李的故事在当时美国黑人中广为流传，本身流量就很大，劳埃德·普莱斯和制作人对原始故事进行了戏剧化的改编和浓缩，在音乐风格上是节奏布鲁斯和早期摇滚乐，旋律朗朗上口，以呼喊式的、带有福音和布鲁斯色彩的演唱为特点。民谣的叙事性与强劲节奏结合，营造出一种既欢快又暗含暴力的独特氛围。作为一首由黑人艺术家演唱、改编自黑人民间故事、带有强烈黑人音乐元素的歌曲，能登顶主流流行榜冠军，具有重要的文化意义。它证明了黑人音乐的巨大商业潜力和对广泛听众的吸引力，为后来的灵魂乐和更多黑人艺术家进入主流铺平了道路。 当然，为了艺术，为了能顺利上综艺，他也修改过歌词， “我不得不编一些歌词，说斯泰格·李和比利是为了一个女孩发生争执，”普莱斯在2013年告诉《公告牌》杂志。“这毫无道理，简直荒谬。” 一首歌的两种味道，为你奉上的是Neil Diamond老师演绎的版本。

"我想写一个真实的女孩——那些在CBGB厕所里注射HLY，却比伪摇滚明星更酷的女孩。朋克不是音乐类型，是拒绝装腔作势的生存状态。"——乔伊·雷蒙 《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第457位 雷蒙斯乐队 - 希娜是个朋克乐手。 The Ramones - Sheena Is A Punk Rocker 一段快速摇摆的吉他连复段和直截了当的鼓点开场，简短的音乐前奏之后，我们听到乔伊·雷蒙（Joey Ramone）唱出歌词：“嘿，孩子们都兴奋不已，准备出发了 / 他们现在就要出发 / 他们要去‘迪斯科舞厅 Au Go Go’（Discotheque Au Go Go）”。音乐和人声融合在一起，创造出沙滩男孩（The Beach Boys）的感觉。在这个部分，歌曲营造了一个充满乐趣、带有冲浪风格气息的场景。歌词勾勒出年轻人兴奋与活力的画面，呼应了冲浪摇滚文化中典型的无忧无虑态度。 然而，格格不入的希娜出现了，她选择挣脱冲浪音乐的束缚并拥抱自己的朋克身份，暗示了对这种以迪斯科舞厅和冲浪板为主流生活方式的拒绝。我个人强行理解为它象征着自由、多样性和反叛精神。 在副歌部分，乐队引入了一段新的、更快的和弦进行，将歌曲的能量提升到一个新高度。我们听到乔伊·雷一遍又一遍地唱着那句抓耳的副歌：“希娜是个朋克乐手”。在主唱旋律下，迪迪·雷蒙添加了和声，为这首旋律粗粝有力的歌曲增添了推动力。这首歌的一切都是有趣、快速且抓耳的。特别是在极高音量下聆听，让约翰尼·雷蒙的强力和弦扫弦和汤米·雷蒙的行军式鼓点将你包围。 雷蒙斯的这首歌捕捉的只是历史上的一个短暂瞬间，但留下的，却是一首赞颂青春反叛和确认自我身份的颂歌，这位同学，你也不愿意只和它们一起听中国新说唱吧。 一首歌的两种味道：选择了BossaNova女声和朋克女声，都是我童年一再聆听的经典，尤其是后者。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第458位 山姆与戴夫 - 灵魂人物 Sam & Dave - Soul Man 又是一首有着黑人民权运动背景的歌，它完美融合了福音、节奏布鲁斯、放克和流行元素。 歌曲创作者之一艾萨克·海耶斯 (Isaac Hayes) 在观看底特律民权抗议活动(骚乱)的新闻时发现，如果你在店铺的门上写灵魂（Soul），你的店铺就会幸免于难不被烧掉——灵魂二字在当时是黑人的免死金牌，大家说这个词时带着强烈的自豪感，于是他就想跟紧节奏写一首叫做《灵魂人物 》的歌。歌曲的吉他由史蒂夫·克罗珀（Steve Cropper）信手拈来，配上孟菲斯铜管组 (Memphis Horns)的点缀，以放克灵魂乐节奏铺底。而山姆与戴夫极具爆发力、充满激情且完美配合的演唱方式，将其进行了升华：山姆高亢、穿透力强的主音与戴夫坚实、沙哑的和声/应答形成绝配。他们的演唱充满戏剧性张力、呼喊、应答轮唱和强烈的即兴发挥，将情感推向高潮。歌曲发行后在商业上取得了巨大成功，在公告牌百强单曲榜上获得亚军，登顶R&B 排行榜，它在主流（白人）听众中非常流行，被认为是南方灵魂乐、尤其是斯塔克斯之声的巅峰代表作。 另外值得一提的是，山姆与戴夫虽然现场表演精彩绝伦非常炸裂，是事业上的好伙伴缺一不可，但在现实中却不是朋友，几乎没有任何交流。 一首歌的两种味道，由于这首歌有着太过于强烈的吉他线和旋律线，其他的翻唱基本都是合并同类项，选了Wreckx-N-Effect的《Soul Man》 ^ ^

Randy VanWarmer 兰迪·范沃默 1955年3月30日 2004年1月12日 对于很多听众来说，兰迪·范沃默是只有一首现象级热门歌曲的歌手，我们经常在各种榜单上看到他的这首《正当我最需要你的时候》（Just When I Needed You Most），在销量上这可能是事实，但如果你走进兰迪·范沃默，会发现这个人的才华，远远不是唱片的销量可以覆盖的，我们今天的节目，就从兰迪·范沃默最著名的那首歌开始。 一切要从英格兰经济最萧条的郡说起，从小就热爱科幻电影和《星际迷航》，并梦想成为宇航员的兰迪·范沃默，十多岁时随母亲从美国搬到了英格兰的康沃尔。这是一个令人压抑的地方，阴暗多雨冬季漫长，何以解忧唯有杜康，但未成年人不得饮酒，只好用音乐排遣寂寞，他在18岁的写下了这首歌，当然和一个女孩儿有关。兰迪的声线青涩中隐隐又带着沙哑，强化了歌词中的怅惘与孤独感，歌词中多处用到God knows，多多少少显得无助和逃避。兰迪在之后回忆说：在康沃尔的冬天写一首悲伤的歌并不难。而且那时候，不用预约就直接走进唱片公司，会有人听你的作品。他很幸运遇到了正确的人，指导他的创作，并且签下合约。专辑虽然是流行音乐为主，但制作人觉得有乡村音乐的味道，最后一波三折于1979年在美国乡村音乐圣地纳什维尔录制完毕。主打歌其实是专辑中的《必须离开这里》（Gotta Get Out of Here），但B Side单曲《正当我最需要你的时候》红了，，公告牌百强单曲榜第4名，一下子就到了演艺生涯的巅峰。 首专爆红，正常情况当然是再接再厉复制粘贴自己迅速割韭菜，但这个时候兰迪·范沃默的个人爱好占了上风，他的第二张专辑《地球化改造》（Terraform）在1980年如约上市，专辑封面是兰迪穿着阿波罗11号宇航服的照片，成为宇航员是他一直以来的梦想，他在专辑中以简约、朗朗上口、民谣遇见新浪潮的节拍展示了导致人类走向毁灭的一切，又描写了地球的毁灭和人类逃往星空的过程，但专辑扑街了，事实上在日本和其他国家卖的不错，但在最大的消费市场美国掀起的涟漪并不大，主要原因大概是主题不对，或者兰迪的嗓音不太适合这个主题，但毫无疑问的是开创性概念专辑的历史长河中，这张专辑是有史以来最被忽视的。 兰迪在贝尔斯维尔（Bearsville ）唱片公司录制了四张唱片，最大的收获大概是找到了自己的一生中最爱苏西，苏西是贝尔斯维尔唱片的企宣，兰迪写了一首歌送给她，发表在自己的第三张专辑《爱的节拍》（Beat of Love）中，最后抱得美人归，但在其他方面，但回报递减，他渐渐意识到自己可能不太能继续在歌唱事业有所发展，而另一方面，他创作并发表在《爱的节拍》专辑中的《或许有时伤痛也无妨》（I Guess It Never Hurts to Hurt Sometimes），虽然自己打榜平平无奇，但被橡树岭男孩 （The Oak Ridge Boys）翻唱，上了乡村音乐排行榜榜首后，他就心甘情愿和妻子搬到了纳什维尔，有了新的方向，那就是做乡村音乐的词曲作者。 兰迪·范沃默在纳什维尔是音乐界广受欢迎的成员。那里有他的才华得以发挥的环境，他成了一位备受追捧的词曲创作伙伴和朋友。被誉为“词曲作者中的词曲作者”，当然他作为录音艺术家的生涯有起有落，从他非凡的起步阶段的成功到80年代末几张评价很高但商业反响平淡的乡村专辑。但无论他是否在录音，他一直在创作。外界看来最大的失败是他的第二张专辑《地球化改造》太过于任性，他后来回忆说是不想被贴上标签，所以尝试做摇滚乐，但自己的声音分量不足以驾驭有沉重鼓点的音乐。在我看来，那算是一种赌上职业生涯的很有勇气的尝试。 狂热的科幻爱好者音乐人兰迪·范沃默在2004年去世，2007年，他的遗孀苏西把他的骨灰送上了太空，与他同行的，还有《星际迷航》中的“斯科蒂”詹姆斯·杜汉（James Doohan），以及一位真正的水星计划宇航员L·戈登·库珀（L. Gordon Cooper）。回顾兰迪老师这一生，出道即巅峰，虽然没有成为夜空中最闪亮的星，但死后能呼应儿时梦想进入太空，这一生应该没啥遗憾了吧。 本期选曲 Just When I Needed You Most Down Like a Rock Suzi Found a Weapon I Guess It Never Hurts to Hurt Sometimes I Could Sing

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第459 位 穆迪·沃特斯 滚动的石头 Muddy Waters-Rollin' Stone 这首听上去有点年头的歌，是穆迪·沃特斯1948年的作品，也是后世各种衍生物的源头。滚石乐队的名字来自于此；鲍勃迪伦的《像一块滚石》受到他的启发；甚至，评选500首最伟大的歌曲的《滚石》杂志，追根溯源也来自于他。而这个老祖宗排名在459位，说明还是公正公平公开的——对一般听众来讲，这首歌在大多数情况下，更像是一个弹棉花的手工业者在工作时随便哼唱了几句。 穆迪·沃特斯创作这首歌时到芝加哥已经5年，但艺术梦想遥不可及，一直靠着在工厂上班养活自己，相当于你北漂5年一事无成在送外卖。夜深人静时，你想起都市生活的陌生、竞争和孤独，房东的刻薄，老板的扑克脸，怒向刀丛觅小诗，就写了这么一首歌。不同的是，穆迪·沃特斯写的这首歌，没有“金鳞岂是池中物”或者“天街踏尽公卿骨”的凌云之志：歌词第一段写自己是一条渴望自由与吸引力的鲶鱼；第二段写自己的不安分与冒险；第三段写妈妈说他一块滚动的石头，命中注定的流浪者；第四段则是对流浪宿命的接受与行动。总之就是以布鲁斯手法讲述了一个关于选择、命运和后果的故事。穆迪·沃特斯标志性的电吉他滑棒演奏是这首歌的灵魂，没有复杂的和弦进行，只是以节奏的驱动、人声和吉他营造出的这一坛私酿玉米酒，不是每个人都能喝的惯的。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第461 位 王子与革命乐队《亲吻》 Prince & The Revolution-Kiss 这是一首可以反复循环听一天的歌曲，我看过最有意思的评论是说王子帅得像一只磕了药的鸽子。 歌曲诞生于1986年，是Prince最具艺术野心的概念专辑 《Parade（游行）》的先发单曲。歌曲最惊艳的地方是，没有贝斯。在放克音乐里，对贝斯进行留白，是彻底颠覆传统的。Prince在歌曲中使用了极简的电子鼓机，吉他的切分，和自己全程的假声，以最少的元素创作最热门的单曲，回应唱片公司对他“过度华丽”的批评。 歌曲定义了80年代放克音乐新方向 ，推出后不但拿下了公告牌百强单曲榜冠军，革命乐队也在1987年获得了格莱美最佳R&B团体表演奖，但同年，王子就因为担忧“乐队光环掩盖个人创作”突然解散了乐队...... 一首歌的两种味道：Art of Noise与威尔士传奇人物Tom Jones合作的版本，后者试图借此重塑自己的形象。Tom Jones和Prince一样，也出生于6月7日。