站酷纪晓亮对谈爱龙卡通余健：知识产权保护的道路上如何才能避免踩坑？ IP知识产权保护的申请流程 1:07-6:57 被盗版经历 6:57-20:15 版权问题核心:时间戳 20:15-25:52 如何让自己的作品有价值? 25:52-30:31 项目失败案例 30:31-48:48

设计师&客户——亲子关系处理指南

“La mode se démode, le style jamais.” （「时尚易逝，风格永存。」）是香奈儿的一句名言。这句话，给风格这个词定好了格调，那就是高级、正确、甚至永恒。 之前的用户调查中，在问到为何使用站酷的时候，相当多的设计师填了“关注设计风格趋势”这个需求。各种风格的关键词一直是站酷搜索框的常客，也是设计师们交流中的热门话题。 设计师商业互吹，最稳妥的用词就是XX老师的设计很有风格。每一个设计师的也都梦想着自己可以凭借独特的风格封神，拥有几件可以被称为经典的作品。 是的，时尚易逝，风格永存。即使自己不能封神，设计师们也十分愿意追随已经封神的经典作品，膜拜它们的故事，学习他们的手法，我们不难看到，作品们总是一阵一阵地统一呈现出当下某个流行的风潮。 看着这些大同小异的作品，我不禁想问：追赶设计潮流是安全的么？已经成功的经典就代表正确么？ 这两个问题萦绕在我脑海很久，中间几度我觉得想明白了，但是又被推翻。可以说经历了见山是山，见山不是山，见山又是山三个阶段，下面听我慢慢道来。 首先是第一阶段：见山是山。 创新的本质是非共识，潮流形成之前，首先是个人风格，是由一个人或者少数人创制的新样式，「风格」强调了一种独特的表达，它不一定是最新的，但它一定是与众不同的。人人都有自己的风格，我们无需对风格做过多的神化。但从风格到流行风格，就不是这么随机个人化了，任何一个已经形成的流行的风格，它背后都有着大环境和小趋势两股力量的推动。大环境一般是技术的突破性进展，社会思潮的阶段性变化，经济生活的结构性改革等等。小趋势，是风格的早期接受者们的数量和质量。一个风格随着接受传播者越来越多，一旦越过爆发点，就成为了流行风格。已经流行起来的风格和任何一个流行的事物一样，代表了一种共识。不管它的形式多么光怪陆离，已经流行的设计风格，它不再是独特的表达，而是一种共鸣。 从这个角度看，我们的第一道思考题，追赶设计潮流是安全的吗？似乎得到了一个阶段性的正确答案，答案是，安全，都都已经形成社会共识了还有啥不安全。这是个有点仓促的答案，我们先放下这第一题。 进入第二题，已经成功的经典就代表正确么？ 这似乎是一句废话，都成为经典了都不正确，还有什么配叫做正确。是的，对于经典，我们一般是一种绝对赞许的态度，就像卡尔维诺在《为什么读经典》中说的：“读经典总比不读好，读经典总比做其他事更有意义”。苍白空洞但无法反驳。看起来，已经成功的经典就代表了正确。 这个阶段，我们似乎得到了答案，但是只是本能的感觉，总感觉不够充分。然后一个契机，我得到了一个新的视角，进入了第二阶段：看山不再是山。 事情是这样的。大概5年前，左佐向我推荐过一本小说：安兰德的《源泉》，我一直被它的厚度吓住，没敢阅读，直到上周末，我读了个开头，没想到，这么一读之下就读到了一段给了我很大的震撼的话。 这本小说的主人公是一位年轻建筑师，他对建筑和原创有着执着的追求，在文中有一段他辍学前和建筑学院主任之间的对话，主任认为帕特农神庙代表的建筑经典，是绝对的真理，但是我们的主人公并不这么认为，他指着神庙的图纸，说出了下面这段话： > “看看这些著名圆柱上的著名雕槽吧。它们是做什么用的？当采用木柱时，是为了掩饰木材的榫接处。可这些不是木柱，它们是大理石雕刻。这些三竖线花纹是什么？木头。就像人们在建造小木屋时所使用的木制桁heng条。你们的希腊前辈采用了大理石，却用大理石创造出了木结构的赝品，只因为前人曾经这样做过。然后你们文艺复兴时期的大师们更胜一筹，用石膏做出了大理石赝品，做出了木制赝品。而此时我们又在用钢筋水泥做石膏赝品，做木制赝品，做大理石赝品。为什么？” 我不知道你们读到这段话的感觉，我是感觉到了强大的冲击。天呐，帕特农神庙这种经典中的经典，难道都只是一种模仿品山寨货么？都只是来自对前代经典的无脑模仿么？沿着这个想法，我去检查了其他的经典们，几乎无一例外的，它们也都存在类似的问题。 多可怕！朋友们，多可怕！我们本着朝圣的心态去追随经典样式，结果呢？我们只是在用钢筋水泥做石膏的赝品，石膏们也不过是在做大理石们的赝品，连大理石们也不过是木头的赝品。不只是建筑，不只是帕特农神庙，也是孟菲斯，也是蒸汽波，甚至也是波普，也是故障风。 已经成功的经典就代表正确么？我们现在再回头看看这个问题，是不是没有那么感觉理所当然了？甚至我们再回头去看第一题，追赶设计潮流是安全的吗？是不是也感觉有点不安了？ 带着这份不安，我又思考了很久，请教了很多前辈高人，翻阅了不少名著大作，终于有了一个一个粗糙的解释，大家帮我感觉感觉这第三阶段见山又是山的成果： 第一题：追赶设计潮流是安全的吗？ 是安全的，也是正确的，要去追赶潮流。毕竟不愿意模仿的人，什么也创造不出来。 但是，但我们是要成为设计师，而不是设计学家。设计师要找到成就设计潮流背后的社会共识，而设计学家只是去背诵它的作者信息和构成格式。做为设计师，只有我们找到了为什么这个风格会在现在流行，才算是真的赶上了设计的潮流。比如时下流行的酸性设计，它对于当下审美价值的反叛，它的混乱无序，为什么能成为现在的设计共识？简洁，清晰为什么不再流行？表面看这是一次常规的美学周期性循环，但背后是整个社会对科技效率过快和人类价值过低的反思。 高效就是正确，整洁就是高贵？如果你还保持着这种想法，抄100张酸性设计手法，也还是个设计风格上的落伍者。 第二题：已经成功的经典就代表正确么？ 并不，经典的价值不在于正确，而是在于永恒。 为什么大理石要去模仿木头，为什么石膏要去模仿大理石，是因为它们的这种经典性或者永恒性。圆柱上的雕槽，当它是木头时，确实是为了掩盖榫接，但是因为这种形式已经成为经典，它代表的信息已经超出了功能，它代表了一种庄严的形式和稳定的受众心理感受。经典是大众认知中筑基的部分，它或许不正确，但它具备真实强大的影响。 学经典，就像是学拼音，不是因为它优美正确，而是因为它们是通向优美正确的基础。 这就是我目前对于风格、流行、经典的一些看法，未来它们一定还会被我或者被人质疑推翻，重建再质疑。这就是风格流行和经典的循环吧。 今天节目的最后，请允许我发发感慨，我们在每件事上都会经历“看不见、瞧不起、看不懂、学不会、跟不上”这几个阶段，跟不上是必然的结局，但这其中的傲慢与偏见我觉得可以克服，认真学习传承了最久的风格，研究它背后的思想规律，挑战它在今天的适用程度，从而生发出新的可能性。 学习研究了最久的老设计师和老编辑们，反而更有义务和责任，提出坚固的新方案，帮助这些新方案成为新的经典。 最后的最后，大家来讨论区，猜一下下一个会流行的设计风格是什么吧？我猜是视幻觉欧普艺术。

站酷纪晓亮对谈爱龙卡通余健：吉祥物设计的下半场，五花八门的萌还具有哪些可能？

你的手机是几年前的？我对身边的朋友同事做过调查，以2018年为限，2018年头两年基本大家的手机都是2年内的新款，18年之后这两三年情况有所变化，但基本也是平均3年前购置的。问及购机原因，都是基于这个生活经验：手机会越用越卡，尤其是同款新一代发布日当天，手机都会发生断崖式的性能下降。 每2年就需要换手机，这是人性的扭曲还是道德的沦丧？是科学技术的PUA，还是消费主义的狞笑？我们正式开始今天的探秘。 我们先来介绍一个好玩的网站：它叫做“百年灯泡”，所有的内容就是一个灯泡的照片，每几秒更新一次。这个灯泡从1901年被投入使用之后，除了停电，基本上就没有熄灭过，一直亮到了现在，长达121年。类似的灯泡还有很多，持续工作了百年的这些灯泡们，除了是一个茶余饭后的话题，还提醒了我们一件事：百年前的产品，灯泡的质量就已经是这个水平了。 之所以我们现在的灯泡像手机一样经常2年后就会坏掉，是来源于一个百年前的邪恶的组织： 1924年12月23日圣诞节期间，欧司朗、飞利浦、通用电气等制造商齐聚日内瓦，召开了一场国际性灯泡会议，在会议中决定成立一个被称为太阳神垄断联盟的组织，旨在通过控制灯泡寿命来增加供求关系，使消费者计划性淘汰灯泡。 这种控制产品寿命来实现稳定的市场的策略就叫做“计划报废”（Planned Obsolescence）。 计划报废的实现手段主要是以下几种： 一 、故意不兼容 比如软件不支持旧款，比如机器新旧版本之间零件不通用； 二、到次数报废 比如芯片中的计数器，达到设计使用次数之后自动报废； 三、伪装成报废 比如手机出新款后更新的新系统刻意让旧手机卡顿，逼迫用户换新； 四、审美歧视报废 比如每年服装品牌的新款，制造商通常会在产品上增加额外的元素，使更高的价格变得合理，让他们的产品看起来是新的、不同于以前的版本。 综上所述，厂商们用了软件硬件撒谎歧视四大手法，来让我们变成每年都想买新产品的当代社会人。 怎么摆脱消费主义的控制，明知地购买商品呢？ 需要安装以下两个观念： 1.多亲近大自然，从而领悟到：现代生活的几乎一切用品都是奢侈品。如果我们的需求是为了装逼或是追求完美，告诉自己这是消费主义的陷阱而已。 2.买来就闲置的物品根本用不上，所以无需购置。 总结下来也就是我佛说的，色即是空，空即是色。好吧，这太难了。 面对计划报废这个既成事实，设计师可以做点什么呢？ 首先当然是尽可能地据理力争，和公司努力推荐更长寿命，更少资源浪费的设计方案。有人会说你这个想法太天真了，节约资源公司愿意，但是更长寿命的产品做出来，顾客好几年不买我司后续产品，老板绝不会答应的。 别着急，我这有个思路给到你，那就是以租代买。用更低廉但持久的租金来代替高昂且续费困难的一次性购买。这样公司的营收会更加稳定持续，并且老客户的维护难度也急剧下降。试试这个思路，大概率说得通的。 其次，如果公司无法接受以租代买等模式更改，执意要按计划报废来生产产品。设计师还有一件事情可做，那就是废弃物再利用设计。 2019年4月22日“世界地球日”之际，摩拜单车与德国柏林YUUE产品设计工作室共同发布了一组时尚精美的家具用品。这些躺椅、立式灯、茶几、桌面整理架、烛台等原材料都来自摩拜单车的报废零部件。同年6月，延安市万花学校的学生们收到了一份特别的儿童节礼物——一块由7800多条摩拜单车回收轮胎加工处理后建成的多功能塑胶运动场。这些摩拜单车“全生命周期2.0”的新成果，让废旧单车的零部件得以通过巧妙创意和技术创新继续服务大众，坚持环保理念的多样探索得到了众多用户的好评。 摩拜已经没了，但是我们还是要给摩拜的“全生命周期”行动点赞。 就像已经消失的摩拜一样，很多事情我们无能为力，就像这个计划报废的市场策略。做为设计师，我们可以像前面说的，推动新的商业模式，挽救已经造成的损失，但更多时候我们只能去跟随公司和社会整体的策略行动。我觉得以租代售，或者服务设计，都会是改进计划报废的有效手段，我们不妨现在就多关注这些领域， 一起努力让商业不必再以消耗有限的资源和长期的价值为代价来运转。这可能才是设计的独特价值所在。 今天节目的最后，给大家讲计划报废的另一个故事，从中我们更加可以感受到自己是怎么被厂家和消费主义操纵的。 这个故事的主角就是汽车，我问一下大家，你们认为车子开几年需要更换新车？为什么车厂会有每两年小改款，5-7年大改款这种周期性的动作？ 大家带着你的猜测听我说。故事要从100年前说起，是的，和灯泡差不多同期的1920年代。 福特T型车是世界上第一款流水线生产的平民廉价汽车。每24秒就有一辆下线，一共生产了一千五百万辆！产量越来越大，售价越来越低，价格从825美元一路降到了260美元。T型车简单方便，便宜耐用。它一直卖了19年，模样一直没什么变化，甚至车身颜色几乎一直只有一种黑色——就因为在制造时黑漆干得最快。 然后福特就遇到了和灯泡一样的问题，美国人买辆T型车就一直开着，因为换新车还是换T型车。等到几乎家家都有一辆T型车的时候，凭一己之力把美国代入了汽车时代的福特，面临着几乎枯竭的市场。这个时候，通用公司发起了攻击，推出“年度车”策略，不停推出新款，在外观、内饰、车身颜色上大做文章。这些色彩鲜艳，造型新颖的的汽车不出意外地迅速抢走了T型车的生意，一代神车福特T型车终于被迫停产。 是的，早在1920年代，汽车公司们就只需要两年就能完成所谓新款车的研发生产流程。到了今天现在开发新车要复杂一些，但得力于模块化平台，开发一款大改款而非换皮的新款车，仍然只需要两三年。也就是如果车厂们愿意，每两年一次的大改款也是可以做到的。但是大改款研发成本少则几亿，多则十几二十亿，要是搞出一款新车不多卖几年，本钱都赚不回来。 一方面换代时间太长，会被消费者厌倦，被竞争对手超越；另一方面换代时间太短，又赚不到什么钱。平衡来平衡去，各汽车公司给汽车定的换代周期就稳定在了五到七年。这个间隔中为了保持新鲜感，就每隔一到两年来个小改款，加点小配置、换个轮毂样式，就可以当年度新款发布了。这两个周期盘算完，广告传媒、维修4S店们就开始工作了，他们和车厂合力把2年和6年这两个周期安装进了我们的大脑。汽车技术确实在进步，但速度哪儿有那么快，除非恰好赶上换平台，两代车之间不会有太大区别，最大的区别就是车壳子。根据厂商的竞争格局，推动顾客买新车才是汽车换代的基本逻辑。 所以换车实情是，汽车的设计行驶寿命一般是30万公里，在中国一般需要20年才会开到这个里程数，如果你不是迫切需要向邻居朋友亲戚证明你每年都变得更有钱，车子开到10年以上再换，才是最经济的做法。着急泡妞的请省略这条建议。 要里子还是要面子，这是个永恒的问题，你现在用的手机是几年前买的？你的下一部手机打算啥时候买？来讨论区我们一起聊聊吧～

站酷纪晓亮对谈ALINESTUDIO齐鲁：执行力落地，多用身体学知识

今天我们要聊的是：已经存在了一段时间，我觉得即将流行的一种流行穿搭风格——机能风。 我会用十五分钟的时间，和你一起聊聊机能风的定义、起源、主要品牌、优秀作品的欣赏分析，和你一起去思考怎么去做机能风的设计，以及机能风背后的哲思。节目中我会试图引导你去购买一些入门的机能风产品，请提高警惕，守护好钱包。下面我们开始。 我说机能风即将流行，肯定有人要开始杠，说Q哥你太迟钝了吧，机能风都流行了小十年了好不好？也会有人说，机能风是什么鬼，我从来没听说过，怎么就流行了？这么杠下去没完没了，我们需要先对流行有个定义。让我给流行下一个定义的话，就是我肉眼所见的公共场合里，比如当地最大的商场的配套超市里，被某种文化氛围或者实体内容填充的人，占比超过总人群40%才算是流行。这是个可以测量的指标，可以帮我们排除因为自己的偏见造成的傲慢。 在这之前，我觉得还有一个节点很重要，就是在相对年轻的人群里，有什么东西，已经染色了他们中间的20%，这一般会预示着这种风格即将迎来爆发。我的观察对象是我司这种以二十多岁年轻人为主体的互联网公司。在我的统计中，随着我扛不住内心的呼唤，买了一件机能风道袍，机能风终于在这个月迈过了20%的潜力爆发点，成为一个大概率即将爆发的大众流行风格。 典型的机能风穿搭，会有数量多而且比较大的口袋，科技感的口罩或者面具，绑带护具快拆扣等军事用品的点缀，整体呈现出一种功能性和时尚感并存的画风。舒适的面料和意义不明的数字文字图形，是轻机能风流行品牌们爱用的元素。黑色是机能风约定俗成的色彩。 「冰冷色调，复杂功能，优越性能，隐蔽神秘」。这种狭义上的「机能」，其实源自日语中「機能服」一词，是一种从日本赛博朋克作品中衍生出来的穿搭风格，在英文中称作「Urban Techwear」，猛的看上去类似于日本战国时代的忍者。我把这种机能风穿搭叫做“其实并没有刺杀任务的都市忍者”，有一种类似城市越野车的中二感。以此类推，八旗子弟们身上的马褂可以说就是清代的机能风。小学生手上的十二色圆珠笔，背后也有着机能风的文化底色。 ACRONYM是机能界的龙头品牌，它创建于 1994 年，是一间位于德国的独立品牌公司。特别需要提到的是创始人之一，被称为机能教父的华裔光头设计师Errolson Hugh，他是 Nike ACG前任设计师兼空手道大师，可以说Techwear就是他定义出来的。后面我会详细解释一下这个品牌的设计精妙之处。 意大利机能品牌Stone Island也是机能美学的先锋之一，对纤维和织物的独特研究是这个品牌的突出特征，Stone Island 开发出了很多服装行业从未有过的材料和生产技术工艺。 Nike Lab ACG是耐克公司旗下的高端支线，全名为All Condition Gear 全天候服饰装备。Nike ACG全系列的特点是可以依据天候状况及运动的激烈程度，采用一层一层穿脱的“洋葱式”穿着法。 The North Face旗下Urban Exploration系列是为潮流爱好者打造的城市机能风系列，在依赖 The North Face 专业户外科技同时，将户外功能性与日常穿搭合二为一，极简的设计风格更适合上班族机能爱好者。 除去这几个国际品牌，国内做得成熟的机能风品牌有：Nosucism共生效应 、RL foxbat吉丰重工等。 在时尚圈，由于机能风的盛行，压胶、塑料插扣和反光条也开始出现在许多时装品牌的设计之上。川久保玲甚至在西装上用了尼龙织带这种典型的机能风元素。 在游戏圈，除去本来就是同根的赛博朋克主体游戏之外，很多其他游戏也开始大量出现机能风的着装皮肤。甚至有的游戏，把UI都做成了这种调性，比如我们比较熟悉的明日方舟、韩国游戏天命之子等等。 大多数的机能风套装是由三件套组成的，也就是高领冲锋衣+工装裤+袜套鞋。这三种服饰都还算常见，当它们化身为机能风服饰的时候，有什么特别的地方呢？以ACRONYM的J47A-WS为例来简单介绍，这件售价上万的夹克由GORE Windstopper的科技面料制成，整体重量仅为363克，防风、防水兼具高度透气，衣身一共配备有八个口袋，且是可拆卸式设计，搭部的独特索带系统提高了便携性。 ACRONYM的设计中还有很多独特的巧思，例如可以固定汗巾或丝巾设计的夹克领子，同时具备排汗透气并且将五指分开的袖口设计，可放入手机的小臂口袋，为跑步爱好者量身定制的耳机吸附设计等等。ACRONYM的大多数单品都具有变形性和多功能口袋，所以会附上一张插图为主说明书，以便告诉用户单品的正确穿着方式有时候Errolson Hugh还会亲自上阵录制一段视频，讲解如何正确穿戴自家的产品。 轻薄而又防风防水透气保暖的面料和细致入微的设计，以及高难度的立体剪裁，必然会带来高售价。机能风的很多设计有过于专业化和极端化的嫌疑，但就像给南极科考队准备的加拿大鹅，本来也就不是以日常为前提去准备的。同时，我们要看到机能风的设计中也有一些适应了当下的用户需求的细节，比如刚才提到的手机口袋，在人们已经逐渐不再使用钱包钥匙的今天，为什么不重新考虑口袋数量，以及它们的尺寸和位置？ 同时机能风也释放出一些视觉元素加入到流行文化中，比如大口袋、长飘带、未来主义、科技面料、快拆扣、压胶防水封边、马甲、立体剪裁、反光条、护具等等。这些煞有介事的可拆卸组件，补强战术配件，为什么能带来独特又统一的风格感受？我们来看看机能风背后的文化基因：赛博朋克。 赛博朋克由赛博和朋克两个词构成：Cyber，即控制论；Punk，即朋克，是20世纪七十年代的一种摇滚乐，不过已经逐渐形成了一种独立的文化符号带有着解放自由和反叛主流的精神特质。 理性的控制和感性的迷茫，就是赛博朋克文化，有着悲观虚无的底层逻辑，表达一种高科技但是低生存空间的状态，是一种迷茫的抵抗和提问，在模糊了人和机器的高科技世界中，人究竟怎么定义。 这种状态无疑和年轻人的心理状态十分契合，他们一方面掌握最先进的技术，享受最便捷的科学，另一方面，自我的认知却仍然被压制无法释放，也找不到释放的路径。所以反映在视觉上，赛博朋克的世界里有很多的亚洲文化元素，代表着对过去的未知和代表未来的高科技两者互相对撞共存。地上积洼的雨水，倒映着城市上空绚丽的灯光，也延展了这种繁华的脆弱。赛博朋克的世界里总是黑云密布，所以常常用人造光源进行补充，但是这些光源都以广告牌，立体投影的形式无序地出现，与其说是照明，更加接近于光污染。 赛博朋克题材包含了眼下人们担忧的科技冲突：比如人工智能、黑客、基因工程、元宇宙空间、黑市、垄断集权等等。 尽管在消费品上，比如机能风，这些内在的深思和情感已经淡化，甚至成为一种表面化的装扮，但是仍然有很多赛博朋克底层的思维方式通过机能风设计的细节渗透出来，比如对人机关系的注重、对恶劣条件的假设、对便携性的追求等等，这些思考使穿着者最大程度地体验机能装备带来的便利。 当然，也有一些只是把机能风当成脂粉的生意人，国内外有一大批打着机能风招牌的潮流服饰品牌，拿过来个扣子，缝上乱七八糟的口袋就开始挂着机能风出货。请大家注意分辨。 说了半天，开头警告的带货去哪里了？ 别着急，现在开始 NIKE X MMW FREE TR 3 SP 这款联名鞋，有着可拆卸的橡胶大底，使得它既可以作为室内运动鞋，有可以在大底的加持下成为高弹性的都市机能鞋。还有不少网友开发出来大底搭配其他鞋款的穿法，也都重新激活了这些款式的想象空间，是一个1+N的有趣设计。有感兴趣的小伙伴可以去收，提Q哥可以得到一对免费的白眼。机能风就说到这里，大家喜欢风格介绍系列么？请告诉我帮我决定是否继续更新。

站酷纪晓亮对谈ALINESTUDIO齐鲁：成立自己的设计师工作室7年后，那些得失悲喜

今天我们要聊的是：怎么有效地看设计，学设计。 每个学设计的人，一定都听过前辈的这种教导：学设计就是要多看多练，多看别人的优秀作品，多做练习，多思考多借鉴，慢慢水平就上来了。 但是我们实践下来，看作品做练习经常感觉只是在白白浪费时间。每次拿到设计项目仍然脑中空空，双手无力。 借鉴倒是借了不少，但是作品出来之后，缝合怪的感觉特别强，总是做不出来别人高手的那种味道。 问题出在哪里呢？我们今天来试着找找原因。 回到前辈的那句话：学设计就是要多看多练，多看别人的优秀作品，多做练习，多想多借鉴，慢慢水平就上来了。 这么多前辈都说这么类似的话，它一定是有道理的，后来我们没能实现水平的提升，大概率不是前辈的话有问题，而是我们的方法有问题。 我们把前辈的话拆解一下，他们提示的几个关键动作分别是：多看优秀作品、多做练习、多借鉴优秀设计。 那我们就从看作品、做练习、会借鉴三个角度来聊。 做为看过上千万组作品的站酷老编辑，这正好对应到了我的强项，那我就来大言不惭一番。我觉得看作品、做练习、会借鉴的奥义就是，我们需要代入式地欣赏作品。 首先代入到消费者用户的角度，这个作品是否满足了我们消费者的需求？在个角度下，我们可以放松点，俗话说我不会造冰箱，可是我可以评价冰箱，就是消费者视角。这个角度可以帮我们筛掉最差的基本需求都无法满足的作品，提醒我们自己不要犯类似的错误。 然后就需要我们更进一步，代入到作者同行的角度来看了。每种设计门类，每个手法的背后，都有一个或一系列的设计原则或理论流派。比如 对比、比例、突出、平衡、邻近、留白、重复、动态、韵律、一致等等，这些就是平面设计的原则，站在同行的视角，我们可以看到作品是否遵守了基本的设计规律，运用了那些手法，甚至可以看到作者的师门流派。 这个角度，可以帮我们找到更适合我们目前欣赏趣味的作品。能通过这个角度的考验的作品，可以做为练习学习的对象。我们可以有意地找到适合我们口味的作品，细细去拆解它的手法，模仿它的效果。 再来，我们就需要能换位到设计者本人的角度来观察作品了。这是做为设计师想要成长最有收获的角度。 这个视角的难度在于需要我们真的经历过类似的工作场景，才可以换位进去。收获在于，如果我们可以在脑中重新模拟整个项目各方对它的要求，素材时间工艺等等的限制，那么我们再来看这个作品时，才可以真的体会到作者的良苦用心和巧妙构思。这些苦心和巧思，才是设计工作的精华所在。才是可以真正点亮我们的，所谓的灵感。会借鉴，更多指的也正是这些解决问题的思路。 到这里，我们可以说已经从看作品的三个不同阶段分别学会了什么不该做、什么可以做、可以怎么做。对应开头的看作品、做练习、会借鉴三大学习技巧。 但最后，我觉得还需要主动拔高一下自己的视野，试着从历史的角度去定位作品。 我们可以粗读设计史，艺术史等书籍，建立一个历史的视角，明白我们今天使用的大多手法规则，我们感到的大多美丑判断，都不是无源之水。它们都是来自一代代创作者的创作及使用者的选择。今天你眼前的这个作品，也是这个破立循环里的一环，如果我们能带着历史的目光，或许一些荒诞不经的作品，就得以安放了。因为很多作品，重要的不是它当前的状态，而是它提供的新方向。对于很多作者，重要也不是他现在的水平，而是他进步的速度，以及加速度。一说历史我有点刹不住车，咱们回到主题。 学设计就是要多看多练，多看别人的优秀作品，多做练习，多思考多借鉴，慢慢水平就上来了。 充分学习之后，最终我们得到的不是孤立的审美，具象手法，思考方式，而是一套你自己的设计观。形成并不断修补加固它，才是学习设计的本质。这套设计观没有对错，只有适不适合你，别人的设计观就更无需去批判，而是要把它们纳为己用。 我来分享一套咱们的老前辈，在战国时期各工种规范与工艺的文献《考工记》中的设计观“天有时，地有气，材有美，工有巧，合此四者，然后可以为良。” 天有时：就是时间性，看一个作品要放置在具体的语境下来看待。 地有气：就是空间性，也就是在什么地点看设计。 材有美：材料制作的选择。 工有巧：设计构思的巧妙。 符合这四点的，就是咱们前辈认为的好作品。你觉得呢？ 你的设计观是什么？评论区告诉我们吧～

今天我们要聊的是一个轻松的话题：荷花，是怎么成为咱妈的头像的？ 上善若水，幸福时光，与世无争，宁静致远，勿忘初心，你们的微信里，是否有着这么一群画风清奇的人们。尤其是家族群里的叔叔舅舅姨姨婶婶们，大家似乎在某处统一领的头像，不是荷花蓝天，就是青山绿水，孙男弟女，厚德载物，上善若水等等。 我问了几位长辈，大家的回答基本是随着年龄增长，他们逐渐认识到人生苦短，平淡为真。吵闹喧嚣的生活并非生命的本质等等。特别出世，特别悠远，特别侘寂。给我听的也有冲动把头像改成松鹤延年，花开富贵。 可是等等！为什么逢年过节的大家并不是这样？为什么那些霓虹灯般的恭喜发财，走马灯般的天天开心，远光灯般的平安是福，一盏盏的灯光闪耀着从姨姨婶婶的指尖发出，一句句现实主义的祝福从叔叔舅舅的口中送出。说好的平淡呢？追求的静谧呢？ 大家以为我要开始吐槽代沟，进行审美PUA了么？错，我要盘盘这个矛盾的现象背后的原因。 从题目的荷花开始，我几乎可以完整的想象出它成为60后微信头像的全过程。 刚刚退休的张姨盯着美学家张世英说过的一句话发呆：“人生有四种境界：欲求境界、求知境界、道德境界、审美境界。 是啊，审美是人生的最高境界，而我现在闲来无事，何不审美一番？ 可我一不会唱，二不能跳，三未学过画，四也练不了字，琴棋书画咱是一概不会。这个审美境界怎么去追求？ 一个视频通话请求打断了张姨的沉思，是对门王婶打来的，王婶退休更早几个月，现在正在外地旅游。现在她正在一个湖边休息，抽空给闺蜜张姨打来了视频，视频里王婶精神焕发，背景的荷塘，蝉鸣声声，清风拂面，好一番审美境界！ 接下来的故事就一马平川了，喜欢上拍照的张姨和王婶们，就拿起了手机开始了对一切美好事物的拍摄。而荷花，孙女，山水，正是这其中最容易出效果的几种类型。在审美境界的驱使下，谁都会把自己的代表作设置成头像，于是开篇时候的那一幕便出现了。 至于为什么是荷花，不是桃花梨花牡丹花？是因为荷花是所有常见花朵里最容易拍摄并且寓意最偏向境界的。大家设想一下：在暗色平静的湖面上，一朵荷花傲然挺立，饱满豁达。荷花拍摄，聚焦简单，构图饱满，没有其他杂物干扰画面。相比任何一种别的花朵，要不背景杂乱，要不花朵小气，或者枝条纠结，或者色彩斑驳，出片率都远远无法和我大荷花相提并论。 所以是荷花容易拍摄，就是60后蜜汁同步的所有原因了么？并不全面，这其中还有两个脑科学的原因。 第一个原因叫做“怀旧性记忆上涨”又叫“记忆隆起”，是一种相较于其他年龄，我们对于年轻时候生活的记忆更为生动的现象。从40岁开始，青春期到成年也就是15-25岁期间的记忆会不由自主地不断在中老年人的脑海中高频浮现，大概是因为这段时间是人格开始独立的时期，也是人生中最开始思考自我与世界的关系的时期。根据统计表明，这段时间的记忆会随着岁月越来越占据人的审美意识。而60后这代人的青春回忆，也就是上世纪的七八十年代，正是遍地浓墨重彩的宣传画，大字报的时代。相对匮乏的精神消费和相对强烈的宣传标语，构成了他们的审美底色。 第二个原因是随着人体机能的老化，高级灰等沉闷的颜色逐渐不容易被老化的视网膜捕捉，就像很多老人的口味会变重一样，视觉上的需求也会逐渐转向艳丽。这可以说是个自然规律，同样的色彩给同一个人的20岁和70岁看，且不说审美和心理层面，在生理层面就是完全不同的感受。 这么看起来，60后们把荷花设置成头像，把跑马灯视为潮流先锋已经是个不可更改的事实了，我们年轻一代应该怎么去面对这一切呢？ 我有几个想法： 第一，我们可以试着进入他们的视角，去欣赏他们对美的理解和小心思。审美很多时候不是美不美的问题，林青霞，邱淑贞，李嘉欣，李若彤，关之琳，放到今天仍然抗打。审美是角度的问题，只要我们愿意进去他们的视角，你会发现一个新天地，王姨的荷花上站着一只红蜻蜓，刘大爷的鳄鱼皮手机套有一个绿色的绣花。这些小心思，和我们在手机壳上贴一张“碳基打工人”没啥本质的区别，都是一种态度的表达，是审美境界的溢出。 第二，给他们最舒适的，而不是最时髦的。我看到短视频平台有一些老年的穿搭博主，实话说有时候让我有点不适。因为我并没有从那些穿着suprme或者藤原浩的爷爷眼里看到真正的自信和开心。这些被孙辈强行时尚的老人并不快乐。就像我们小时候被迫表演节目一样，内心充满了抗拒。当然如果有爷爷奶奶真心喜欢这些时下的流行，那是很好的，给与时俱进的他们点赞。 第三，我们也会老，我们老的时候，希望怎么展现我们的时尚态度？是跟随当时的年轻人，还是继续说着YYDS，穿着加拿大鹅？我觉得都是好的，也都是美的，不逼迫别人跟随自己，不逼迫自己跟随别人。就是时尚，就是大方，也就是美。 根据休谟在《人性论》中的洞见，不是因为某个东西美，所以使得欣赏那个东西的审美者感到开心。而是因为某个东西使得审美者感到开心，所以审美者才觉得那个东西美。 在我个人看来，自然的就是美的，即使老去落伍，也因为它的自然而美。 今天我们没聊设计，但说了很多审美，大家有什么想说的？来评论区交流。

站酷纪晓亮对谈蒲公英童书颜小鹂: 好的绘本设计在前表达在后

大家印象里国潮是从什么时候起开始的么？在游说客户时，设计师应该如何解释国潮？我们在未来可以探索什么样的新国潮？我今天和大家一起来聊聊。 老规矩，说说历史。我手上有一本吴晓波团队编写的《这个国家的新国货》，里面归纳了我国的三次国货运动，分别是： 1904年美国举办的第一届世界博览会，大清政府派了一个官方代表团，用大概50平米做了一个中国村，展出了瓷器茶叶丝绸等，但是和别的参展国家的电报电话汽车一比，差距巨大。于是回国后，清政府就在北京天津武汉宁波设立了劝业场，做为官办的工艺局产品展销场。这是中国第一次在现代化意义上思考现代化和商品之间的关系，也是中国第一轮国货运动。 第二轮国货运动在1984年，改革开放的第六年，中国出现了一批创业企业，联想，海尔，万科，健力宝，科龙都是这一年创立的。此后中国在轻工业领域发起了一场国有品牌运动。在这一轮国货运动中，在吃穿用三个领域都出现了一系列的知名品牌。 第三轮国货运动，也就是我们现在正在其中的这轮，起点在2015年，这一年供给侧改革的提法首次出炉，新产品和新品牌的迭代进程加速，中国的产业经济和消费结构都发生着重大的变化。在供给侧，2009年中国的汽车产量超过美国，生产着全球60%的消费品，展现出强大的能力。在消费端，庞大的新中产群体出现，他们不再满足于性价比，而是愿意为美好生活付出溢价，开始寻找更高品质，更好审美的产品。 为何一个7年前就开始的浪潮在今天仍然有这么强的活力？我认为国潮看起来是个国家推动产生的文化浪潮，但是它其实有着必然性： 天时：随着我们成为全球第二大经济体，不断增长的民族自豪感需要表达，而且在2019年人均GDP超过1万美元，越过了这条开始追求本民族文化的复兴线，历史上的美国，日本都是如此； 地利：我们有着全球最完整的制造业产业链，随着供给侧结构性改革，这部分产能需要得以释放，产业升级也需要文化力量的助； 人和：中国发达的互联网和自媒体产业，以及Z世代对话语权的需求，对自我表达的需求提供了良好的支持。 看起来天时地利人和齐备，供给需求两旺，但是做为国潮作品最早的发布交流平台，我在站酷看到了一个眼下国潮设计中的问题：同质化严重，内卷式竞争。也就是现在的国潮设计大致形成了几个主流的风格，并且很少见到新的尝试。 为了能充分理解国潮的现状和发展脉络，我邀请到了国潮中的标志性品牌和人物：妙手回潮的主理人吝凯老师来一起聊聊这个话题，由于疫情的影响，他无法以对话的形式来参与，但是仍然在接到邀约的当天大家写下了真诚充实的感想和思考，当吝凯发过来这段长文的时候，已经是午夜，为了表示尊重，我将完整读出全部内容，好下面开始。吝凯是这么认为的： > 这就是吝凯老师的全部分享。读完这个内容，我也充满了感慨，老将仍在，新兵踊跃。国潮设计目前尽管有这样那样的问题，但前景一定光明，我也顺着话题，说说我对国潮设计的一些建议。 我认为：自信才是魅力的来源，国潮崛起的关键就是文化自信。 现在的国潮已经摆脱了故纸堆，在在用崭新的语言和自信的姿态收获粉丝。但我觉得还不够，我们还可以更加自信。这种强大的自信应该怎么建立？它来自独立思考，独立的对于中国文化独特性的思考。比如我们的象形文字对比其他文化的注音文字，就是一个十分特别的特性。 在站酷有大量的字体设计师，在围绕汉字做创意，比如吝凯8年前做的新春联，就是个非常好的国潮文化载体。也有一些别的方向的创新，比如徐冰的英文书法，把英文单词重新组合成汉字的形态，以书法的形式书写。既输出了中国文化，又结合了世界的环境。 再往深处挖掘，我们中国文化还有很多独特的价值观念，比如我们的家国观念，十分深厚，我们有几十个关于亲属的称呼方式，而西方只有寥寥几个。是不是可以基于这些独特的文化现象去做创意？或者反过来，我们对源自国外的文化有什么见解？不同地区独特的风土人情是什么？我想起之前日本奥运会的宣传片，一个女歌手用口音浓重的英语唱着日本的著名景点和产品，她的英语发音极不标准，但是姿态大方得体，充满了自豪而不是自卑。 土还是潮，不是看出身血统出处，而是看是否有强大的自信心态。 我们文化中有着天然的包容性，一个青花瓷就容纳了三大文明的要素。我们的图腾，龙就是一个平台生物，它聚合了猪蛇虎鹿等多种动物的特征，以神龙见首不见尾的姿态，凭风遨游天际。有了天马行空的神龙珠玉在前，我们还有什么不敢去尝试，不能去表达，还有什么放不开的束缚？ 就像李泽厚先生提出的“乐感文化”概念，我觉得这种海纳百川的自信，对自己对他人对世界发自内心的欣赏，就是我们中国文化的灵魂。在这个善意的快乐的魂魄上，创造出来的作品，在面对欧美的罪感文化，日本的耻感文化，印度的苦感文化，韩国的恨感文化时，必定可以有更加从容喜乐的状态，给国人，给世人带来更大的宁静和慰籍，最终成就中国这个充满乐观和希望的IP。 我们无需把文化想的太过于艰涩难懂，从小生活在其中的我们，只要自信真诚地做好自己认为好的设计，不必过于担忧短期的收益，更不要无脑照搬已经成功的案例，以树立“自己的潮流”为目标去深入学习独立思考，把它创作出来，发布出来，实现出来。千千万万个这样的作品在一起涌现，万万千千个这样独特的小潮流在一起汇集，就自然会形成“中国创造的潮流”。 你们对国潮怎么看？评论区等你～ ####